Mas naging madali sa paglipas ng panahon ang paglalarawan sa estilo ng aking sining, pero hindi ako nagsimula na may malinaw na plano kung ano ang dapat nitong maging anyo. Ipininta ko ang mga bagay na gusto ko, mga bagay na nakikita ko, at mga bagay na nadarama ko. Kung minsan, ang paksa ang humihila sa akin, kung minsan ang kulay, kung minsan ang galaw, at kung minsan naman ay ang simpleng pakiramdam ng paglalagay ng pintura sa kambas at pagtingin kung saan ito hahantong.
Sa maraming taon ng regular na pagpipinta, may ilang bagay na paulit-ulit na bumabalik. Habang patuloy akong nagtatrabaho, naging mas makikilala sa akin ang matingkad na kulay, itim na pagguhit ng mga linya, galaw, mga paksang mula sa kalikasan, at ang pagitan ng realismo at abstraksiyon. Hindi ko sa tingin nilikha ang estilo sa pamamagitan ng pag-upo at pagpapasya kung ano ang dapat nitong hitsura. Luminaw ito sa pamamagitan ng pagsasanay. Nang magsimulang magtanong ang mga tao kung paano ko ilalarawan ang aking trabaho, nagsimula akong maghanap ng mga salitang makapagpapaliwanag dito. Doon naging kapaki-pakinabang ang mga sanggunian tulad ng Cloisonnism, Post-Impressionism, Vincent van Gogh, sining Celtic, teoryang Gestalt, at Group of Seven. Hindi nila ganap na binibigyang-kahulugan ang trabaho, pero nakatutulong silang ipaliwanag ang ilang bahagi ng biswal na gawaing matagal ko nang ginagawa.
Ang pinakamalapit na paraan ng paglalarawan ko sa aking mga pinta ngayon ay nasa pagitan sila ng realismo at abstraksiyon. Nakabatay ang mga ito sa mga gubat, lawa, bundok, langit, maiilap na hayop, panahon, at likas na daigdig, pero hindi ko sinusubukang muling likhain ang mga paksang iyon nang eksaktong gaya ng kanilang hitsura. Gusto kong maging pamilyar ang mga ito, pero hindi nakapirmi. Kailangang madama pa ring puno ang isang puno, tubig ang tubig, at may atmospera ang langit, ngunit mas interesado ako sa galaw na nasa ilalim ng mga iyon kaysa sa pagtatala ng bawat detalye.
Mula sa malayo, karamihan sa aking mga pinta ay nabubuo bilang makikilalang tanawin o mga tagpo sa kalikasan. Maaari kang makakita ng gubat, lawa, ibon, bundok, hayop, o langit na puno ng galaw. Habang lumalapit ka, nagsisimulang lumuwag ang imahe. Nahahati ang malaking paksa sa mas maliliit na bahagi ng kulay, linya, tekstura, at hugis. Maaaring halos abstrak ang dating ng ilang seksiyon kapag tiningnan nang mag-isa. Gusto ko ang pagbabagong iyon dahil binibigyan nito ang pinta ng higit sa isang paraan ng pagtingin. Maaari itong maging malinaw mula sa kabilang panig ng silid, pagkatapos ay maging mas mahiwaga kapag tiningnan nang malapitan.
Iyan ang ibig kong sabihin kapag sinasabi kong nasa pagitan ng realismo at abstraksiyon ang aking trabaho. Nariyan pa rin ang paksa, pero hindi ito lubusang inilalahad. Hindi ko kailangang ilarawan ang bawat sanga, bato, balahibo, gilid ng ulap, o repleksiyon. Kung minsan, nagiging mas kawili-wili ang isang pinta kapag sapat ang impormasyong naroon, pero hindi lahat ay kinukumpleto para sa tumitingin. Madalas ko itong ikumpara sa pagbabasa ng pangungusap na may ilang nawawalang titik. Naiintindihan mo pa rin ang mga salita dahil sapat ang natitirang estruktura. Pinupunan ng isip mo ang mga puwang nang halos walang pagsisikap. Sa katulad na paraan maaaring gumana ang pagpipinta. Kung sapat ang anyo, nananatiling buo ang imahe kahit may mga bahaging sadyang iniwang bukas. Sa tingin ko, may malalim na pagiging makatao rito, dahil palagi tayong bumubuo ng kabuuan mula sa bahagyang impormasyon, namamalayan man natin ito o hindi.
Ang itim na mga guhit ang marahil pinakakilalang bahagi ng aking ginagawa. Maaga pa lamang ay lumitaw na ang mga ito sa aking mga pinta at lalo silang naging mahalaga habang umuunlad ang trabaho. Tinatawag minsan ng mga tao na mga outline ang mga guhit, na nauunawaan ko, ngunit hindi talaga ganoon ang pagtingin ko sa mga ito. Maaaring gumalaw ang mga ito sa paligid ng mga puno, ulap, bato, hayop, o mga bahagi ng kulay, ngunit hindi lamang naroon ang mga ito upang sundan ang gilid ng mga bagay.
Para sa akin, lumilikha ang mga guhit ng estruktura, galaw, at enerhiya. Tinutulungan nilang ayusin ang pinta, ngunit pinipigilan din nilang maging sobrang tahimik o hindi gumagalaw ito. Natural na sinusundan ng iyong mata ang isang guhit. Nais nitong malaman kung saan nagsisimula ang guhit, saan ito dumaraan, ano ang nahahawakan nito, at kung paano ito konektado sa iba pang bahagi ng larawan. Ginagamit ko ang likas na hilig na iyon sa buong pinta. Maaaring dumaan ang isang guhit sa mga puno, tumawid sa tubig, muling lumitaw sa isang ulap, at pagkatapos ay bumalik nang paikot sa isang repleksiyon. Ang guhit ay hindi gaanong tungkol sa paghihiwalay ng isang bagay sa iba kundi sa paggabay sa tumitingin sa buong tanawin.
Isa sa pinakamalapit na makasaysayang paghahambing sa ilang bahagi ng aking trabaho ay ang Cloisonnism, isang istilong Post-Impressionist kung saan pinaghihiwalay ang mga bahagi ng kulay ng matatapang at maiitim na guhit. Madalas itong lumilikha ng epektong kahawig ng stained glass o cloisonné enamel. Nauunawaan ko kung bakit ginagawa ng mga tao ang paghahambing na iyon sa aking mga pinta. Ang madidilim na guhit at magkakahiwalay na bahagi ng kulay ay maaaring lumikha ng ganoong pakiramdam ng stained glass, lalo na kapag tinitingnan ang pinta mula sa malayo. Ngunit bahagi lamang nito ang naipapaliwanag ng paghahambing. Sa makasaysayang Cloisonnism, madalas na hinahati at kinukulong ng mga guhit ang kulay. Sa aking trabaho, mas aktibo ang guhit. Gumagalaw ito sa buong tanawin at nagiging bahagi ng ritmo ng pinta. Tinutulungan nitong pag-ugnayin ang lupa, tubig, langit, mga puno, wildlife, panahon, at repleksiyon sa isang mas malawak na galaw.
Ang Post-Impressionism ay isa pang kapaki-pakinabang na paraan upang maunawaan ang ilang bahagi ng aking trabaho dahil lumampas ito sa mahigpit na realismo. Nakauugnay ako sa ideya na maaaring maging mapagpahayag ang kulay at anyo nang hindi literal. Maaari kong pasiglahin ang mga kulay, pasimplehin ang mga hugis, o palakasin ang galaw upang maipakita ng pinta ang damdamin ng isang lugar, sa halip na ang pisikal na anyo lamang nito. Nais ko pa ring manatiling konektado ang paksa sa likas na mundo, ngunit ayaw kong magmukha itong direktang kopya.
Madalas mabanggit si Vincent van Gogh kapag pinag-uusapan ng mga tao ang paggalaw sa aking mga pinta, lalo na sa mga langit, puno, spiral, at dumadaloy na linya. Nauunawaan ko ang paghahambing na iyon. May pakiramdam sa kanyang mga gawa na maaaring maglaman ng galaw ang isang tahimik na pinta, at matagal nang nakaaakit sa akin ang ideyang iyon. Hindi ko sinusubukang gayahin si Van Gogh, ngunit naaakit ako sa paraan kung paano maaaring maging bahagi ng estruktura ng isang pinta ang paggalaw. Hindi kailanman tunay na hindi gumagalaw ang kalikasan. Gumagalaw ang mga ulap, yumuyuko ang mga puno, nagbabago ang tubig, kumikilos ang liwanag, at napakabilis mababago ng panahon ang damdamin ng isang lugar. Nais kong manatili ang ilan sa galaw na iyon sa natapos na gawa.
Mahalaga rin sa akin ang sining Celtic, kapwa sa biswal at personal na paraan. Irish at Scottish ang mga ugat ng aking pamilya, at lagi akong nakadama ng koneksiyon sa bahaging iyon ng aking pinagmulan. Lalong lumalim ang koneksiyong iyon nang bumisita ako sa Ireland at Scotland. Nanatili sa akin ang tanawin, kasaysayan, disenyo, at atmospera ng mga lugar na iyon, ngunit ang Book of Kells ang nag-iwan ng isa sa pinakamalalakas na impresyon. Ang kinagigiliwan ko sa disenyong Celtic ay ang paraan kung paano nakakalikha ng daloy ang linya. Ang mga spiral, magkakaugnay na anyo, at paulit-ulit na padron ay hindi lamang palamuti sa ibabaw. Ginagabayan nila ang mata. Gumagalaw sila, bumabalik, nag-uugnay, at nagpapatuloy. Malapit sa paraan ko ng paglapit sa sarili kong mga pinta ang ganitong pag-iisip tungkol sa linya. Gusto ko kapag ang isang linya ay higit pa sa simpleng paglalarawan ng isang bagay. Gusto ko kapag hinihila nito ang isang bahagi ng pinta patungo sa isa pa at binibigyan ang larawan ng pakiramdam ng paggalaw.
Dahil napakarami sa aking mga gawa ay nagmumula sa mga kagubatan, lawa, kalangitan, panahon, mga hayop, at tanawing Canadian, minsan ay iniuugnay ito ng mga tao sa Group of Seven. Sa palagay ko, mas makatuwiran ang paghahambing na iyon sa diwa kaysa sa tuwirang anyo. Hindi lamang nagdodokumento ng tanawin ang Group of Seven. Sinisikap nilang bigyang-kahulugan ang lupain sa paraang personal, matapang, at natatangi. Tinitingnan nila ang mga kagubatan, bato, lawa, panahon, at maluluwang na lugar bilang higit pa sa isang tanawin. Hindi ko sinusubukang magpinta gaya nila, ngunit pakiramdam ko ay konektado ako sa mas malawak na tradisyong iyon ng pagtugon sa tanawing Canadian sa pamamagitan ng pagpipinta. Iba ang aking pamamaraan, ngunit nauunawaan ko ang hangaring bigyang-kahulugan ang kalikasan sa halip na itala lamang ito.
Interesado ako sa emosyonal na hatak ng kalikasan, sa estruktura ng mga puno, sa galaw ng mga ulap, sa bigat ng bato, at sa paraan kung paano nababago ng kulay ang pakiramdam ng isang lugar. Hindi ibig sabihin nito na sinusubukan kong gawing hindi na makilala ang kalikasan. Nais ko pa ring maramdaman ng tumitingin ang koneksiyong iyon sa lupa, tubig, langit, panahon, at mga nilalang na may buhay. Gusto ko lamang na dumating ang larawan sa pamamagitan ng sarili kong paraan ng pagtingin dito.
Ang teoryang Gestalt ay isa pang paraan upang pag-isipan kung paano nakikita ang aking mga pinta. Sinusuri nito kung paano inaayos ng isip ang magkakahiwalay na biswal na elemento upang maging isang kabuuan. Naaangkop ito sa aking gawa dahil madalas na umaasa ang mga pinta sa pagsasama-sama ng maraming maliliit na bahagi sa isip ng tumitingin. Kapag malapitan, maaaring magmukhang isang marka, kurba, tekstura, o bahid ng kulay lamang ang isang bahagi. Mula sa malayo, nagsisimulang magkaugnay ang mga bahaging iyon at bumabalik ang mas malaking larawan. Gusto ko na nagbabago ang isang pinta depende sa kinatatayuan mo. Kapag malapitan, hindi ko naman kinakailangang agad na maunawaan ang lahat. Gusto kong malaya muna ang isip ng tumitingin mula sa mas malaking estruktura, na parang tumitingin sa mga ulap at sinusubukang unawain ang mga anyong hindi lubusang malinaw. Pagkatapos, kapag umatras ka, muli namang nagsisimulang mabuo ang paksa.
May bahagi rin dito ang paraan ng pagbuo ko ng isang pinta. Karaniwan, hindi ako nagsisimula sa pagguhit ng lahat ng itim na linya. Kadalasan, mas malapit sa hulihan ko ito ginagawa. Madalas akong nagsisimula sa isang panimulang sapin ng kulay na may kaugnayan sa patutunguhan ng pinta, saka nagdaragdag ng mga patong mula roon. Malalaki muna ang mga hugis at unti-unting nagiging mas pino habang umuunlad ang pinta. Lumilitaw ang mga tekstura, pinaiikli at pinapadens ang mga anyo, at dahan-dahang sinasabi sa akin ng pinta kung ano ang kailangan nito.
Pagsapit ng pagdaragdag ko ng mga linya, mayroon nang direksiyon ang pinta. Dito ko ipinapasiya kung saan dapat gumalaw ang mata, kung saan kailangan ng estruktura ang larawan, at kung paano dapat magkaugnay ang iba't ibang bahagi. Kung minsan, nililimitahan ng linya ang isang anyo. Kung minsan, nagdaragdag ito ng ritmo. Kung minsan, kaunti lamang ang linya sa ilang bahagi dahil sapat na ang ginagawa ng kulay o tekstura nang mag-isa. Ang mga linya ay hindi lamang nasa ilalim ng pinta. Bahagi ito ng panghuling enerhiya ng obra.
Mahirap ipaliwanag nang eksakto kung saan nagmumula ang isang personal na estilo. Mahilig na akong mag-sketch, gumuhit, at magpinta mula pa noong bata ako, at sa paglipas ng panahon, mas marami kang nasisipsip kaysa sa iyong namamalayan. Ang kalikasan, paglalakbay, kasaysayan ng sining, ibang mga artista, arkitektura, liwanag, kulay, tekstura, alaala, at personal na karanasan ay kahit paano nakapapasok sa obra. Madaling pangalanan ang ilang impluwensiya. Mas mahirap namang unawain ang iba.
Habang mas siniseryoso ko ang pagpipinta, mas naiisip ko kung ano kaya ang pinagdaanan ng ibang mga alagad ng sining habang hinahanap nila ang sarili nilang tinig. Hindi lamang kung ano ang ipininta nila, kundi kung ano ang lagi nilang binabalikan. Ano ang sinusubukan nilang lutasin. Ano ang tila hindi nila kayang pabayaan. Sa tingin ko, mas nadarama ang impluwensiya kaysa lubos na nauunawaan. Maaari mong hangaan ang mga artista, lugar, at ideya, ngunit kailangan pa ring dumaan ang sarili mong gawa sa sarili mong mga kamay, kutob, pasiya, at hangganan.
Para sa akin, higit labinlimang taon at mahigit 300 orihinal na painting ang kinailangan upang mabuo ang ganitong paraan ng pagpipinta. Hindi ito nangyari nang biglaan. Unti-unting nagsama-sama ang matitingkad na kulay, itim na linya, mga likas na paksa, galaw, atmospera, at balanse sa pagitan ng realismo at abstraksiyon sa pamamagitan ng pag-uulit, pag-uusisa, at maraming pagbabago. Nakakatulong ipaliwanag ng Cloisonnism, Post-Impressionism, Van Gogh, sining Celtic, teoryang Gestalt, at Group of Seven ang ilang bahagi ng ginagawa ko, ngunit wala sa mga ito ang ganap na nakapaglalarawan dito. Naka-ugat pa rin sa landscape painting ang aking gawa, ngunit hindi ito literal na landscape painting. Ekspresibo ito, ngunit nananatiling konektado sa mga paksang madaling makilala. May estruktura ito, ngunit palaging nagsisikap na gumalaw. Marahil iyon ang pinakatapat na paraan upang ilarawan ko ang aking estilo. Ito ang paraan ko ng pagtingin sa likas na mundo, paghahati rito, at muling pagbuo nito sa pamamagitan ng linya, kulay, ritmo, tekstura, at damdamin.
Maikling Q&A Tungkol sa Estilo ng Aking Sining
Anong estilo ng sining ang nililikha ni Jeff Dillon?
Lumilikha ako ng mga kontemporaryong landscape painting na nasa pagitan ng realismo at abstraksiyon. Gumagamit ang aking gawa ng matitingkad na kulay, dumadaloy na itim na linya, tekstura, ritmo, at galaw upang ipahayag ang pakiramdam ng kalikasan sa halip na eksaktong kopyahin ito.
Realistiko ba o abstrak ang sining ni Jeff Dillon?
Pareho. Mula sa malayo, karaniwang nakikilala ang aking mga painting bilang mga landscape, wildlife, kagubatan, lawa, kalangitan, kabundukan, o mga tanawin ng kalikasan. Kapag tiningnan nang malapitan, madalas silang nagiging mas abstrak, na nahahati sa linya, hugis, kulay, pattern, at tekstura.
Bakit gumagamit si Jeff Dillon ng mga itim na linya sa kanyang mga painting?
Gumagamit ako ng mga itim na linya upang lumikha ng estruktura, galaw, at enerhiya. Hindi ko sila itinuturing na mga simpleng outline. Ginagabayan ng mga linya ang mata ng tumitingin sa buong painting at tinutulungan nitong pag-ugnayin ang iba't ibang bahagi ng komposisyon.
Paano lumilikha ng mga painting si Jeff Dillon?
Karaniwan akong nagsisimula sa isang panimulang layer ng kulay at unti-unting binubuo ang painting sa pamamagitan ng mga layer. Malalaki muna ang mga hugis at mas pinipino habang lumilipas ang proseso. Madalas kong idinadagdag sa bandang huli ang mga itim na linya upang gabayan ang galaw, tukuyin ang estruktura, at pag-ugnayin ang iba't ibang bahagi ng larawan.
Anong mga kilusang pansining ang kaugnay ng estilo ni Jeff Dillon?
May mga kaugnayan ang aking gawa sa Cloisonnism, Post-Impressionism, teoryang Gestalt, sining Celtic, pakiramdam ni Vincent van Gogh sa tuluy-tuloy na galaw, at tradisyon ng Canadian landscape ng Group of Seven. Mga reperensiya lamang ang mga ito, hindi mahihigpit na label.
Ang gawa ba ni Jeff Dillon ay inspirado ng sining Celtic?
Oo. Naimpluwensyahan ng sining Celtic ang paraan ng pag-iisip ko tungkol sa linya, mga spiral, pattern, at galaw. Mas napalalim ng aking mga ugat na Irish at Scottish, kasama ng mga pagbisita ko sa Ireland at Scotland, ang ugnayang iyon. Naging mahalaga ring reperensiyang biswal para sa akin ang The Book of Kells.
Ang gawa ba ni Jeff Dillon ay inspirado ng Group of Seven?
Nauugnay ang aking gawa sa Group of Seven pangunahin sa pamamagitan ng paksang Canadian at sa mas malawak na tradisyon ng personal na pagbibigay-kahulugan sa tanawin. Hindi ko sinusubukang gayahin ang kanilang gawa, ngunit dama ko ang kaugnayan sa ideya ng paglikha ng natatanging tugon sa likas na mundo.
Ano ang nagpapakilala sa mga pinta ni Jeff Dillon?
Nakikilala ang aking mga pinta dahil sa matatapang na kulay, dumadaloy na itim na mga linya, malakas na galaw, at sa paraan ng paglipat ng mga ito sa pagitan ng realismo at abstraksiyon. Mula sa malayo, nabubuo ang paksa. Sa malapitan, inilalantad ng pinta ang mas abstraktong mga padron, tekstura, at ritmo.
Bakit iba ang hitsura ng mga pinta ni Jeff Dillon kapag malapitan?
Mula sa malayo, nababasa ang larawan bilang isang ganap na tanawin o likas na tagpo. Sa malapitan, nahahati ang pinta sa mas maliliit na elemento tulad ng linya, tekstura, at kulay. Dahil dito, maaaring maranasan ang akda sa higit sa isang paraan.
Anong mga materyales ang ginagamit ni Jeff Dillon?
Pangunahin akong gumagamit ng makapal na acrylic paint sa canvas. Binubuo ko ang mga patong ng kulay, tekstura, at linya upang lumikha ng lalim at galaw sa loob ng pinta.
Ano ang Cloisonnism sa sining?
Ang Cloisonnism ay isang estilong nabuo noong huling bahagi ng dekada 1800 kung saan pinaghihiwalay ang mga bahagi ng patag na kulay sa pamamagitan ng matatapang at madidilim na balangkas. Ginamit ito ng mga artistang tulad nina Paul Gauguin at Émile Bernard at madalas itong lumilikha ng epektong kahawig ng stained glass.
Ano ang Post-Impresyonismo?
Ang Post-Impresyonismo ay isang kilusang pansining na sumunod sa Impresyonismo noong huling bahagi ng ika-19 na siglo. Mas nagtuon ang mga artistang tulad nina Vincent van Gogh, Paul Cézanne, at Paul Gauguin sa estruktura, damdamin, at simbolikong kulay kaysa sa simpleng paghuli sa liwanag at pagiging makatotohanan.
Ano ang teoryang Gestalt sa sining?
Ang teoryang Gestalt ay isang konseptong sikolohikal na nagpapaliwanag kung paano likas na inaayos ng mga tao ang mga biswal na elemento upang maging ganap na anyo. Sa sining, nakatutulong itong ipaliwanag kung paano nakikita ng mga manonood ang isang buong larawan kahit binubuo ito ng maraming magkakahiwalay na bahagi.
Sino ang Group of Seven?
Ang Group of Seven ay isang pangkat ng mga pintor ng tanawing Canadian na aktibo noong unang bahagi ng ika-20 siglo. Kabilang sa mahahalagang miyembro sina Lawren Harris, A.Y. Jackson, Franklin Carmichael, Arthur Lismer, J.E.H. MacDonald, Frederick Varley, at Frank Johnston. Kilala sila sa pagbuo ng isang matapang at mapanlikhang estilo ng pagpipinta na inspirasyon ng ilang ng Canada.
Karagdagang Babasahin
- Si Jeff Dillon, ang Artista, opisyal na talambuhay at Curriculum Vitae (CV)
- Cloisonnisme at Paul Gauguin, Pambansang Galeriya ng Sining.
- Pagkatapos ng Impresyonismo, mula Neo-Impresyonismo hanggang Fauvismo, Museo d'Orsay.
- Vincent van Gogh, Museo ni Van Gogh.
- Ang Group of Seven, si Tom Thomson at Kanilang mga Kontemporaryo, Koleksiyon ng Sining ng McMichael Canadian.
- Mga Prinsipyo ng Gestalt sa Organisasyon, Tate: Alamin
- Sining at kasaysayang Celtic
