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我一直注意到，自然界没有什么会长时间保持静止。树木随风摇曳，光线掠过岩石，水流每一秒都在重塑自己。无论是站在岸边，还是漫步林间，我的视线始终在移动。我会留意这种持续的运动，也试着把它带进我的画作中。
#291——《永恒的羁绊》，24″ x 24″，Jeff Dillon 原创画作
在工作室里，我会构建每一幅构图，让视线不断游走。形状彼此引导，边缘呈曲线延展，色彩以一种模仿自然万物展开方式的节奏在画布上流动。我会花时间调整布局，直到它形成某种韵律——一种既平衡又充满生命力的感觉。这并不是为了创造一个完美的场景，而是为了创造流动感。画作就是在这一刻开始拥有自己的生命。一旦感受到这一点，我便能集中精神，更清晰地继续创作。外界的嘈杂逐渐消失，我安静地画上数小时、数天，甚至数周，有时完全意识不到时间已经过去了多久。
我并不是根据具体的记忆来作画。我追求的是身处户外、全然专注时的那种状态。那是一种平静的觉察：当你放慢脚步，开始注意到万物如何彼此契合时，便会感受到这种状态。我试着把这种联系带入作品中——光线、土地与运动之间的关系。重要的并不只是主题，而是各个部分之间流动的能量。
大多数画作都会经历这样一个阶段：一切似乎都不对劲。形状显得失衡，色彩彼此争夺而非相互衬托，整个画面开始让人感到不安。我会不断调整线条、改变平衡、层层叠加，直到构图逐渐成形。中间这段过程总是最令人不确定。疑虑会悄悄出现，也可能让人感到沮丧。但我已经学会不在此停下。每一幅开始创作的作品，我都会完成，即使那时我还不确定它将走向何方。几乎每一次，完成感都要到最后才会出现。到了那一刻，我终于能看清，这幅画一直以来究竟在朝着什么方向发展。
#279——《经受人生的风雨》，20″ x 40″，Jeff Dillon 原创画作
刚开始画画时，我会用黑线勾勒出所有东西。这帮助我理解结构与空间，也是一种将事物拆解后再重新构建的方法。随着时间推移，这种方式发生了变化。现在，线条会融入画面，或者完全退到后方，具体取决于作品的需要。有时线条强烈而明确，有时则完全消失，取而代之的是色调或肌理的变化。我让画作来引导这个决定。
三年前转为全职绘画后，我有了更多空间去创作层次丰富、经过深思的作品。节奏没有加快，但深度增加了。我开始创作更大的画布，构建更复杂的构图，也花更多时间发展每一个想法。工作室里的这段时光塑造了我的风格演变。重点不在于创作更多作品，而在于以更专注、更有意识的态度面对每一幅画。我让作品按照自己的节奏展开，而这种空间也让画作变得更加有力。
当人们站在我的作品面前时，我希望他们能感受到我身处自然时同样的宁静与专注。我希望他们能察觉到其中的运动，以及所有元素之间的联系。画面中不只是树木、岩石和天空，更重要的是它们彼此之间的关系——它们如何相互倾斜、彼此呼应，并作为一个整体共同运动。这是我最在意的部分。当观众告诉我，他们感觉自己仿佛曾经身处那里，即使实际上从未去过，我就知道这幅画完成了它的使命。
作画时没有固定的路径。一个起初清晰的想法，可能在创作到一半时发生变化。有些决定立刻就觉得正确，另一些则需要时间。我会一次又一次地重画某个区域，直到它恰当地融入整体构图。这种来回调整本就是创作的一部分。作品在推进过程中不断变化，我也随之调整。我已经学会不再期待它沿着一条直线展开。
#196——《扎根》，30″ x 60″，Jeff Dillon 原创画作
每幅画都会带来一系列需要解决的问题。各种形态如何连接？运动感是否有效？整幅画布上的能量是否连贯？这些就是我常常会问自己的问题，往往是在创作已深入其中之后。完成一幅作品，并不意味着所有事情都被整齐地收束起来，只意味着我已经把它推进到了它所能达到的极限。
不断摸索、塑造作品、回应作品，并观察它将把我引向何处——正是这一过程让这份工作始终充满趣味。我作画不是为了重复已经完成的事情，而是为了探索每一个全新构图中存在着哪些可能。
~Jeff
