Con el tiempo, describir mi estilo artístico se ha vuelto más fácil, pero no empecé con un plan claro de lo que debía ser. Pintaba lo que me gustaba, lo que veía y lo que sentía. A veces me atraía el tema, otras veces el color, el movimiento o, simplemente, la sensación de aplicar pintura al lienzo y ver adónde me llevaba.
A lo largo de muchos años de práctica constante, ciertos elementos se repetían una y otra vez. El color intenso, las líneas negras, el movimiento, los temas naturales y el espacio entre el realismo y la abstracción se volvieron cada vez más reconocibles para mí a medida que seguía trabajando. No creo haber creado mi estilo sentándome a decidir cómo debía verse. Se fue definiendo con la práctica. Cuando la gente empezó a preguntarme cómo describiría mi obra, comencé a buscar palabras que pudieran explicarla. Fue entonces cuando referencias como el cloisonismo, el postimpresionismo, Vincent van Gogh, el arte celta, la teoría Gestalt y el Grupo de los Siete resultaron útiles. No definen la obra por completo, pero ayudan a explicar aspectos de lo que llevaba años haciendo visualmente.
La forma más precisa en que puedo describir mis pinturas ahora es que se sitúan en algún punto entre el realismo y la abstracción. Se basan en bosques, lagos, montañas, cielos, vida silvestre, clima y el mundo natural, pero no intento recrear esos temas exactamente como se ven. Quiero que resulten familiares, pero que no sean inmutables. Un árbol debe seguir pareciendo un árbol, el agua debe seguir pareciendo agua y el cielo debe conservar su atmósfera, pero me interesa más el movimiento que subyace en esas cosas que registrar cada detalle.
Desde lejos, la mayoría de mis pinturas se unen para formar paisajes o escenas naturales reconocibles. Puede que veas un bosque, un lago, un pájaro, una montaña, un animal o un cielo lleno de movimiento. Al acercarte, la imagen empieza a desdibujarse. El tema general se descompone en áreas más pequeñas de color, línea, textura y forma. Algunas secciones pueden parecer casi abstractas por sí solas. Me gusta ese cambio porque permite ver la pintura de más de una manera. Se distingue con claridad desde el otro lado de la habitación, pero de cerca se vuelve más misteriosa.
Eso es lo que quiero decir cuando afirmo que mi obra se sitúa entre el realismo y la abstracción. El tema sigue presente, pero no está del todo definido. No siento la necesidad de describir cada rama, roca, pluma, borde de nube o reflejo. A veces, una pintura resulta más interesante cuando hay suficiente información, pero no está todo terminado para el espectador. Suelo compararlo con leer una frase a la que le faltan algunas letras. Aun así, puedes entender las palabras porque se conserva suficiente estructura. La mente completa los espacios en blanco sin mucho esfuerzo. La pintura puede funcionar de forma parecida. Si hay suficiente forma, la imagen se sostiene, aunque algunas partes queden abiertas. Creo que hay algo muy humano en eso, porque siempre completamos las cosas a partir de información parcial, nos demos cuenta o no.
El trazo negro probablemente sea el rasgo más reconocible de mi obra. Apareció muy pronto en mis pinturas y fue adquiriendo importancia a medida que mi trabajo evolucionaba. A veces la gente llama contornos a las líneas, y lo entiendo, pero no es exactamente así como las concibo. Pueden rodear árboles, nubes, rocas, animales o zonas de color, pero no están ahí simplemente para delinear los bordes de las cosas.
Para mí, las líneas crean estructura, movimiento y energía. Ayudan a organizar la pintura, pero también evitan que quede demasiado estática. La mirada sigue una línea de forma natural. Quiere saber dónde empieza, por dónde pasa, qué toca y cómo se conecta con el resto de la imagen. Aprovecho ese impulso en toda la pintura. Una línea puede recorrer los árboles, cruzar el agua, aparecer de nuevo en una nube y luego regresar formando un círculo a través de un reflejo. La línea no sirve tanto para separar unas cosas de otras como para guiar al espectador por toda la escena.
Una de las comparaciones históricas más cercanas a algunos aspectos de mi obra es el cloisonismo, un estilo postimpresionista en el que las zonas de color están separadas por contornos oscuros y marcados. A menudo crea un efecto similar al de las vidrieras o el esmalte cloisonné. Entiendo por qué la gente hace esa comparación con mis pinturas. El trazo oscuro y las zonas de color separadas pueden crear esa sensación de vidriera, sobre todo cuando se observa la pintura desde lejos. Pero la comparación solo explica una parte. En el cloisonismo histórico, los contornos suelen dividir y contener el color. En mi obra, la línea es más dinámica. Recorre la escena y pasa a formar parte del ritmo de la pintura. Ayuda a conectar la tierra, el agua, el cielo, los árboles, la fauna, el clima y los reflejos en un movimiento más amplio.
El postimpresionismo es otra forma útil de entender algunos aspectos de mi obra, porque fue más allá del realismo estricto. Me identifico con la idea de que el color y la forma pueden ser expresivos sin ser literales. Puedo intensificar el color, simplificar las formas o acentuar el movimiento para que la pintura refleje la sensación que transmite un lugar, en vez de limitarse a mostrar lo que había físicamente allí. Aun así, quiero que el tema esté conectado con el mundo natural, pero no quiero que parezca una copia directa.
Vincent van Gogh suele salir a relucir cuando la gente habla del movimiento en mis pinturas, especialmente en los cielos, los árboles, las espirales y las líneas fluidas. Entiendo la comparación. En su obra se percibe que una pintura estática puede contener movimiento, y esa idea siempre me ha interesado. No intento imitar a Van Gogh, pero me atrae la forma en que el movimiento puede formar parte de la estructura de una pintura. La naturaleza nunca está realmente quieta. Las nubes cambian, los árboles se doblan, el agua se transforma, la luz se desplaza y el clima puede alterar muy rápidamente el ánimo de un lugar. Quiero que algo de ese movimiento permanezca en la obra terminada.
El arte celta también ha sido importante para mí, tanto en lo visual como en lo personal. Mis raíces familiares son irlandesas y escocesas, y siempre me he sentido conectada con esa parte de mi historia. Visitar Irlanda y Escocia profundizó esa conexión. El paisaje, la historia, el diseño y la atmósfera de esos lugares se quedaron conmigo, pero el Libro de Kells me causó una de las impresiones más fuertes. Lo que me interesa del diseño celta es la forma en que la línea puede crear fluidez. Las espirales, las formas entrelazadas y los patrones repetidos no se limitan a decorar la superficie. Guían la mirada. Se mueven, regresan, se conectan y continúan. Esa manera de pensar en la línea se acerca a cómo abordo mis propias pinturas. Me gusta cuando una línea hace más que describir algo. Me gusta cuando lleva una parte de la pintura hacia otra y le da a la imagen una sensación de movimiento.
Como gran parte de mi obra nace de los bosques, los lagos, los cielos, el clima, la fauna silvestre y el paisaje canadiense, a veces la gente la relaciona con el Grupo de los Siete. Creo que la comparación tiene más sentido en cuanto al espíritu que a la apariencia directa. El Grupo de los Siete no se limitaba a documentar paisajes. Intentaba interpretar la tierra de una manera personal, audaz y distintiva. Veía los bosques, las rocas, los lagos, el clima y los espacios abiertos como algo más que una vista. No intento pintar como ellos, pero sí me siento vinculada con esa tradición más amplia de responder al paisaje canadiense a través de la pintura. Mi enfoque es diferente, pero comprendo el deseo de interpretar la naturaleza en lugar de limitarse a registrarla.
Me interesa la fuerza emocional del mundo natural, la estructura de los árboles, el movimiento de las nubes, el peso de las rocas y la forma en que el color puede cambiar la sensación que transmite un lugar. Eso no significa que intente convertir la naturaleza en algo irreconocible. Sigo queriendo que quien mira sienta esa conexión con la tierra, el agua, el cielo, el clima y los seres vivos. Simplemente quiero que la imagen llegue a través de mi propia manera de verla.
La teoría de la Gestalt es otra manera de pensar en cómo se perciben mis pinturas. Analiza cómo la mente organiza elementos visuales separados para formar un todo. Esto se aplica a mi obra porque las pinturas suelen depender de muchas partes pequeñas que se unen en la mente del espectador. De cerca, una zona quizá parezca solo una marca, una curva, una textura o una mancha de color. Desde más lejos, esas piezas empiezan a conectarse y reaparece la imagen general. Me gusta que una pintura pueda cambiar según el lugar desde donde se la mire. De cerca, no necesariamente quiero que todo tenga sentido de inmediato. Quiero que, por un momento, la mente del espectador se libere de la estructura general, casi como cuando miras las nubes e intentas encontrarle sentido a formas que no están del todo claras. Luego, al alejarte, el tema vuelve a tomar forma.
La manera en que construyo una pintura también influye en esto. Por lo general, no empiezo dibujando todo el trabajo de línea negra. La mayoría de las veces, eso llega casi al final. A menudo empiezo con una base de color relacionada con el rumbo que va tomando la pintura y luego voy añadiendo capas. Las formas parten de trazos generales y se vuelven más definidas a medida que la pintura avanza. Aparecen texturas, las formas se condensan y la pintura poco a poco empieza a decirme qué necesita.
Para cuando añado el trabajo de línea, la pintura ya tiene una dirección. Es entonces cuando decido hacia dónde debe dirigirse la mirada, dónde necesita estructura la imagen y cómo deben conectarse las distintas zonas. A veces, la línea define una forma. A veces, añade ritmo. A veces, dejo partes con muy pocas líneas porque el color o la textura bastan por sí solos. El trabajo de línea no es simplemente algo que queda debajo de la pintura. Es parte de la energía final de la obra.
Es difícil explicar exactamente de dónde surge un estilo personal. Desde joven he disfrutado haciendo bocetos, dibujando y pintando, y con el tiempo uno absorbe más de lo que cree. La naturaleza, los viajes, la historia del arte, otros artistas, la arquitectura, la luz, el color, la textura, la memoria y la experiencia personal se abren camino en la obra de algún modo. Algunas influencias son fáciles de nombrar. Otras son más difíciles de comprender.
Cuanto más en serio me tomaba la pintura, más me sorprendía pensando en lo que otros artistas debieron de vivir mientras intentaban encontrar su propia voz. No solo en lo que pintaban, sino también en aquello a lo que volvían una y otra vez. En lo que intentaban resolver. En aquello que no parecían poder dejar de lado. Creo que la influencia suele sentirse más de lo que se comprende plenamente. Puedes admirar a artistas, lugares e ideas, pero tu propia obra aún tiene que pasar por tus manos, tus instintos, tus decisiones y tus límites.
Para mí, esta forma de pintar se ha desarrollado durante más de quince años y a lo largo de más de 300 pinturas originales. No surgió de la noche a la mañana. Los colores intensos, las líneas negras, los temas naturales, el movimiento, la atmósfera y el equilibrio entre realismo y abstracción fueron convergiendo poco a poco, gracias a la práctica constante, la curiosidad y muchos ajustes. El cloisonismo, el posimpresionismo, Van Gogh, el arte celta, la teoría de la Gestalt y el Grupo de los Siete ayudan a explicar algunos aspectos de lo que hago, pero ninguno lo define por completo. Mi obra sigue arraigada en la pintura paisajística, pero no es una representación literal del paisaje. Es expresiva, pero mantiene su conexión con temas reconocibles. Tiene estructura, pero siempre busca el movimiento. Probablemente, esa sea la forma más honesta de describir mi estilo. Es mi manera de ver el mundo natural, descomponerlo y recomponerlo mediante líneas, color, ritmo, textura y sentimiento.
Preguntas y respuestas rápidas sobre mi estilo artístico
¿Qué estilo de arte crea Jeff Dillon?
Creo pinturas paisajísticas contemporáneas que se sitúan entre el realismo y la abstracción. En mi obra uso colores intensos, líneas negras fluidas, textura, ritmo y movimiento para expresar la sensación que transmite la naturaleza, en lugar de copiarla exactamente.
¿El arte de Jeff Dillon es realista o abstracto?
Ambas cosas. Desde lejos, mis pinturas suelen reconocerse como paisajes, animales salvajes, bosques, lagos, cielos, montañas o escenas naturales. De cerca, a menudo se vuelven más abstractas y se descomponen en líneas, formas, color, patrones y texturas.
¿Por qué usa líneas negras Jeff Dillon en sus pinturas?
Uso líneas negras para crear estructura, movimiento y energía. No las considero simples contornos. Las líneas guían la mirada del espectador por la pintura y ayudan a conectar distintas partes de la composición.
¿Cómo crea sus pinturas Jeff Dillon?
Suelo empezar con una capa base de color y voy construyendo la pintura poco a poco, mediante capas. Las formas comienzan siendo generales y se van definiendo con el tiempo. A menudo, añado las líneas negras más adelante en el proceso para guiar el movimiento, definir la estructura y conectar distintas partes de la imagen.
¿Qué movimientos artísticos se relacionan con el estilo de Jeff Dillon?
Mi obra tiene vínculos con el cloisonismo, el posimpresionismo, la teoría de la Gestalt, el arte celta, la sensación de movimiento fluido de Vincent van Gogh y la tradición paisajística canadiense del Grupo de los Siete. Son referencias, no etiquetas estrictas.
¿La obra de Jeff Dillon está inspirada en el arte celta?
Sí. El arte celta ha influido en mi forma de pensar sobre las líneas, las espirales, los patrones y el movimiento. Mis raíces irlandesas y escocesas, junto con mis visitas a Irlanda y Escocia, han profundizado esa conexión. El Libro de Kells también ha sido una referencia visual importante para mí.
¿La obra de Jeff Dillon está inspirada en el Grupo de los Siete?
Mi obra se relaciona con el Grupo de los Siete principalmente por sus temas canadienses y por la tradición más amplia de interpretar el paisaje de manera personal. No intento imitar su obra, pero sí me identifico con la idea de crear una respuesta propia al mundo natural.
¿Qué hace reconocibles las pinturas de Jeff Dillon?
Mis pinturas se reconocen por sus colores audaces, sus líneas negras fluidas, su fuerte sensación de movimiento y la forma en que oscilan entre el realismo y la abstracción. A cierta distancia, el tema cobra forma. De cerca, la pintura revela patrones, texturas y ritmos más abstractos.
¿Por qué las pinturas de Jeff Dillon se ven diferentes de cerca?
A cierta distancia, la imagen se percibe como un paisaje completo o una escena natural. De cerca, la pintura se descompone en elementos más pequeños, como líneas, texturas y colores. Este cambio permite experimentar la obra de más de una manera.
¿Qué materiales utiliza Jeff Dillon?
Trabajo principalmente con pintura acrílica de cuerpo espeso sobre lienzo. Aplico capas de color, textura y líneas para crear profundidad y movimiento en la pintura.
¿Qué es el cloisonismo en el arte?
El cloisonismo es un estilo desarrollado a finales del siglo XIX en el que las áreas de color plano están separadas por contornos oscuros y marcados. Lo utilizaron artistas como Paul Gauguin y Émile Bernard, y a menudo crea un efecto similar al de una vidriera.
¿Qué es el posimpresionismo?
El posimpresionismo es un movimiento artístico que siguió al impresionismo a finales del siglo XIX. Artistas como Vincent van Gogh, Paul Cézanne y Paul Gauguin se centraron más en la estructura, la emoción y el color simbólico que en capturar solo la luz y el realismo.
¿Qué es la teoría de la Gestalt en el arte?
La teoría de la Gestalt es un concepto psicológico que explica cómo las personas organizan naturalmente los elementos visuales en formas completas. En el arte, ayuda a explicar cómo los espectadores pueden percibir una imagen completa aunque esté compuesta por muchas partes separadas.
¿Quiénes formaban el Grupo de los Siete?
El Grupo de los Siete fue un grupo de pintores paisajistas canadienses activos a principios del siglo XX. Entre sus miembros más destacados estaban Lawren Harris, A.Y. Jackson, Franklin Carmichael, Arthur Lismer, J.E.H. MacDonald, Frederick Varley y Frank Johnston. Se les conoce por desarrollar un estilo pictórico audaz y expresivo inspirado en la naturaleza salvaje de Canadá.
Lecturas adicionales
- Jeff Dillon, el artista, biografía oficial y currículum vítae (CV)
- Cloisonismo y Paul Gauguin, Galería Nacional de Arte.
- Después del impresionismo, del neoimpresionismo al fauvismo, Museo de Orsay.
- Vincent van Gogh, Museo Van Gogh.
- El Grupo de los Siete, Tom Thomson y sus contemporáneos, Colección de Arte Canadiense McMichael.
- Principios gestálticos de organización, Resuélvelo en Tate
- Arte e historia celta
