시간이 지나면서 제 예술 스타일을 설명하는 일이 더 쉬워졌지만, 처음부터 그것이 어떤 모습이어야 하는지에 대한 명확한 계획이 있었던 것은 아닙니다. 저는 제가 좋아하는 것, 제가 본 것, 제가 느낀 것을 그렸습니다. 어떤 때는 대상이 저를 끌어당겼고, 어떤 때는 색이, 또 어떤 때는 움직임이 그랬습니다. 그리고 때로는 단순히 캔버스에 물감을 올리고 그것이 어디로 흘러가는지 지켜보는 느낌 자체가 원동력이 되기도 했습니다.
오랜 세월 꾸준히 그림을 그리면서 특정한 요소들이 계속 되돌아왔습니다. 강렬한 색채, 검은 선 작업, 움직임, 자연을 소재로 한 대상, 그리고 사실주의와 추상 사이의 공간은 작업을 이어 갈수록 제게 더욱 뚜렷해졌습니다. 앉아서 어떤 모습이어야 할지 결정한다고 해서 스타일을 만들어 냈다고 생각하지 않습니다. 그것은 연습을 통해 더욱 분명해졌습니다. 사람들이 제 작업을 어떻게 설명할 수 있느냐고 묻기 시작하면서, 저는 그것을 설명할 수 있는 언어를 찾기 시작했습니다. 그 과정에서 클루아조니슴, 후기 인상주의, 빈센트 반 고흐, 켈트 예술, 게슈탈트 이론, 그룹 오브 세븐과 같은 references가 유용해졌습니다. 이러한 references가 작업 전체를 완전히 정의하는 것은 아니지만, 제가 수년 동안 시각적으로 해 오던 일의 일부를 설명하는 데 도움을 줍니다.
현재 제 그림을 가장 가깝게 설명하는 방식은 그것들이 사실주의와 추상 사이 어딘가에 자리한다는 것입니다. 제 그림은 숲, 호수, 산, 하늘, 야생동물, 날씨, 자연 세계를 바탕으로 하지만, 이러한 대상이 보이는 그대로를 정확히 재현하려는 것은 아닙니다. 익숙하게 느껴지되 고정되어 있지는 않기를 바랍니다. 나무는 여전히 나무처럼 느껴져야 하고, 물은 여전히 물처럼 느껴져야 하며, 하늘에는 여전히 분위기가 필요합니다. 하지만 저는 모든 세부를 기록하는 것보다 그러한 것들 아래에서 움직이는 흐름에 더 관심이 있습니다.
멀리서 보면 제 그림 대부분은 알아볼 수 있는 풍경이나 자연 풍경으로 완성됩니다. 숲, 호수, 새, 산, 동물, 혹은 움직임으로 가득한 하늘이 보일 수도 있습니다. 가까이 다가갈수록 이미지는 느슨해지기 시작합니다. 더 큰 대상은 색, 선, 질감, 형태로 이루어진 작은 영역들로 나뉩니다. 어떤 부분은 그 자체로 거의 추상적으로 느껴질 수도 있습니다. 저는 이러한 변화가 그림을 바라보는 방식에 하나 이상을 더해 주기 때문에 좋습니다. 방 건너편에서는 명확하게 보이다가도, 가까이 다가가면 더욱 신비롭게 느껴질 수 있습니다.
제가 제 작업이 사실주의와 추상 사이에 있다고 말할 때 뜻하는 바가 바로 이것입니다. 대상은 여전히 존재하지만, 모든 것이 명확하게 드러나 있는 것은 아닙니다. 모든 나뭇가지, 바위, 깃털, 구름의 가장자리, 반사를 일일이 묘사해야 한다고 느끼지 않습니다. 때로는 충분한 정보가 담겨 있으면서도 관람자에게 모든 것을 완성해 보여주지 않을 때 그림이 더 흥미로워집니다. 저는 종종 몇 글자가 빠진 문장을 읽는 것에 비유합니다. 구조가 충분히 남아 있기 때문에 단어를 여전히 이해할 수 있습니다. 우리의 머릿속은 큰 노력 없이 빈틈을 채웁니다. 회화도 비슷한 방식으로 작동할 수 있습니다. 형태가 충분히 남아 있다면, 일부가 열린 채로 남겨져 있어도 이미지는 하나로 완결됩니다. 우리가 인식하든 그렇지 않든 늘 부분적인 정보로부터 사물을 완성해 나가기 때문에, 저는 그 안에 매우 인간적인 무언가가 있다고 생각합니다.
검은 선 작업은 아마도 제가 하는 작업에서 가장 알아보기 쉬운 부분일 것입니다. 이 요소는 제 그림에 아주 초기부터 나타났고, 작업이 발전하면서 더욱 중요해졌습니다. 사람들은 때때로 이 선을 윤곽선이라고 부르는데, 그 표현이 이해되기는 하지만 저는 실제로 그렇게 생각하지 않습니다. 선은 나무, 구름, 바위, 동물 또는 색면 주변을 따라 움직일 수 있지만, 단순히 사물의 가장자리를 따라 그려진 것만은 아닙니다.
저에게 선은 구조와 움직임, 에너지를 만들어냅니다. 선은 그림을 구성하는 데 도움을 주지만, 그림이 지나치게 정적인 상태가 되는 것도 막아줍니다. 사람의 눈은 자연스럽게 선을 따라갑니다. 선이 어디에서 시작하고, 어디로 이어지며, 무엇에 닿고, 이미지의 나머지 부분과 어떻게 연결되는지 알고 싶어 합니다. 저는 그림 전체에서 이러한 본능을 활용합니다. 하나의 선이 나무 사이를 지나 물속으로 이어지고, 구름 속에서 다시 나타난 다음, 반사를 따라 되돌아올 수도 있습니다. 선은 한 사물을 다른 사물과 분리하는 것보다는 관람자가 장면 전체를 따라가도록 이끄는 데 더 큰 의미가 있습니다.
제 작업의 일부와 역사적으로 가장 가까운 비교 대상 중 하나는 클루아조니슴입니다. 클루아조니슴은 강한 어두운 윤곽선으로 색면을 나누는 후기 인상주의 양식입니다. 이 방식은 종종 스테인드글라스나 클루아조네 법랑과 비슷한 효과를 만들어냅니다. 사람들이 제 그림을 그렇게 비교하는 이유를 이해합니다. 어두운 선 작업과 분리된 색면은 특히 그림을 멀리서 볼 때 그런 스테인드글라스 같은 느낌을 만들어낼 수 있습니다. 하지만 그 비교는 작업의 일부만 설명합니다. 역사적인 클루아조니슴에서는 윤곽선이 색을 나누고 가두는 경우가 많습니다. 제 작업에서 선은 더 능동적입니다. 선은 장면 속을 움직이며 그림의 리듬 일부가 됩니다. 땅, 물, 하늘, 나무, 야생 동물, 날씨, 반사를 하나의 더 큰 움직임으로 연결하는 데 도움을 줍니다.
후기 인상주의는 엄격한 사실주의를 넘어섰기 때문에 제 작업의 일부를 이해하는 또 다른 유용한 방식입니다. 색과 형태가 문자 그대로 재현되지 않더라도 표현력을 가질 수 있다는 생각에 공감합니다. 저는 장소에 실제로 존재했던 모습만이 아니라 그곳의 느낌이 그림에 반영되도록 색을 강렬하게 만들고, 형태를 단순화하거나, 움직임을 강조하기도 합니다. 여전히 주제가 자연 세계와 연결되어 있기를 바라지만, 그것이 직접적인 복사처럼 느껴지는 것은 원하지 않습니다.
사람들은 제 그림에서 움직임에 대해 이야기할 때, 특히 하늘, 나무, 나선, 흐르는 선을 보며 빈센트 반 고흐를 자주 언급합니다. 저는 그 비교를 이해합니다. 그의 작품에는 정지된 그림이 움직임을 담을 수 있다는 감각이 있으며, 그 생각은 늘 제 관심을 끌었습니다. 저는 반 고흐를 모방하려는 것이 아니지만, 움직임이 그림의 구조 일부가 될 수 있다는 점에 이끌립니다. 자연은 결코 완전히 정지해 있지 않습니다. 구름은 움직이고, 나무는 휘며, 물은 변하고, 빛은 이동하고, 날씨는 한 장소의 분위기를 아주 빠르게 바꿀 수 있습니다. 저는 그 움직임의 일부가 완성된 작품에도 남아 있기를 바랍니다.
켈트 예술은 시각적으로나 개인적으로나 제게 중요했습니다. 제 가족의 뿌리는 아일랜드와 스코틀랜드에 있으며, 저는 늘 제 배경의 그 부분과 연결되어 있다고 느껴 왔습니다. 아일랜드와 스코틀랜드를 방문하면서 그 연결은 더욱 깊어졌습니다. 그곳의 풍경, 역사, 디자인, 분위기는 제 안에 오래 남았지만, 가장 강렬한 인상을 준 것 중 하나는 켈스의 서였습니다. 켈트 디자인에서 제가 흥미롭게 느끼는 점은 선이 흐름을 만들어 내는 방식입니다. 나선, 얽히는 형태, 반복되는 패턴은 단순히 표면을 장식하지 않습니다. 그것들은 시선을 이끕니다. 움직이고, 되돌아오고, 연결되고, 계속 이어집니다. 선에 대해 그렇게 생각하는 방식은 제가 제 그림에 접근하는 방식과 가깝게 느껴집니다. 저는 선이 무언가를 묘사하는 데 그치지 않을 때를 좋아합니다. 선이 그림의 한 부분을 다른 부분으로 끌어당기고 이미지에 움직임을 부여할 때를 좋아합니다.
제 작업의 많은 부분이 숲, 호수, 하늘, 날씨, 야생동물, 캐나다의 풍경에서 비롯되기 때문에 사람들은 때때로 이를 그룹 오브 세븐과 연결합니다. 저는 이러한 비교가 외형보다는 정신적인 측면에서 더 타당하다고 생각합니다. 그룹 오브 세븐은 단순히 풍경을 기록한 것이 아니었습니다. 그들은 개인적이고 대담하며 독창적으로 느껴지는 방식으로 대지를 해석하려 했습니다. 그들은 숲, 바위, 호수, 날씨, 탁 트인 공간을 단순한 풍경 이상의 것으로 바라보았습니다. 저는 그들처럼 그리려는 것은 아니지만, 회화를 통해 캐나다의 풍경에 응답해 온 더 큰 전통과 연결되어 있다고 느낍니다. 제 접근 방식은 다르지만, 자연을 단순히 기록하는 대신 해석하고자 하는 열망은 제가 이해하는 바입니다.
저는 자연 세계가 불러일으키는 정서적 끌림, 나무의 구조, 구름의 움직임, 바위의 무게, 그리고 색채가 장소의 감정을 바꾸는 방식에 관심이 있습니다. 그렇다고 자연을 알아볼 수 없는 무언가로 바꾸려는 것은 아닙니다. 저는 여전히 관람자가 땅, 물, 하늘, 날씨, 생명체와 연결되어 있다고 느끼기를 바랍니다. 다만 그 이미지가 제가 그것을 바라보는 방식으로 전달되기를 원합니다.
게슈탈트 이론은 제 그림이 어떻게 보이는지를 생각해 보는 또 다른 방식입니다. 이 이론은 마음이 서로 분리된 시각적 요소들을 하나의 전체로 어떻게 조직하는지를 살펴봅니다. 제 작업에도 이 개념이 적용되는 이유는, 그림이 보는 이의 마음속에서 많은 작은 부분들이 하나로 모이는 과정에 의존하는 경우가 많기 때문입니다. 가까이서 보면 어떤 영역은 그저 하나의 자국이나 곡선, 질감, 색의 얼룩처럼 보일 수 있습니다. 조금 멀리서 보면 그 조각들이 서로 연결되기 시작하고 더 큰 이미지가 다시 모습을 드러냅니다. 서 있는 위치에 따라 그림이 달라질 수 있다는 점이 좋습니다. 가까이에서는 모든 것이 즉시 이해되기를 반드시 바라지는 않습니다. 잠시 동안 보는 이의 마음이 더 큰 구조에서 자유로워지기를 바랍니다. 마치 구름을 바라보며 완전히 분명하지 않은 형태를 이해하려 애쓰는 것처럼요. 그러다 뒤로 물러서면 대상이 다시 하나의 모습으로 맞춰지기 시작합니다.
그림을 구축하는 방식도 이와 관련이 있습니다. 저는 보통 검은 선 작업을 전부 그리는 것으로 시작하지 않습니다. 대부분의 경우 선 작업은 작업 후반부에 더해집니다. 저는 그림이 향해 갈 방향과 어울리는 색의 바탕층으로 시작한 뒤, 그 위에 층을 쌓아 갑니다. 형태는 넓고 대략적으로 시작해 그림이 발전하면서 점점 더 정교해집니다. 질감이 나타나고, 형태는 압축되며, 그림은 천천히 자신에게 필요한 것이 무엇인지 제게 말하기 시작합니다.
선 작업을 더할 때쯤이면 그림은 이미 방향을 갖고 있습니다. 그때 저는 시선이 어디로 이동해야 하는지, 이미지에 어디에 구조가 필요한지, 서로 다른 영역들이 어떻게 연결되어야 하는지를 결정합니다. 때로는 선이 형태를 정의합니다. 때로는 리듬을 더합니다. 때로는 색이나 질감만으로도 충분히 역할을 하고 있어서 선을 거의 남기지 않는 부분도 있습니다. 선 작업은 단순히 그림 아래에 깔리는 요소가 아닙니다. 작품의 최종적인 에너지 일부입니다.
개인적인 스타일이 정확히 어디에서 비롯되는지 설명하기는 어렵습니다. 저는 어릴 때부터 스케치와 드로잉, 회화를 즐겨 왔고, 시간이 지나면서 자신도 모르는 사이에 많은 것을 흡수하게 됩니다. 자연, 여행, 미술사, 다른 예술가들, 건축, 빛, 색채, 질감, 기억, 개인적인 경험이 모두 어떤 식으로든 작품 속으로 스며듭니다. 어떤 영향은 쉽게 이름 붙일 수 있습니다. 하지만 다른 영향은 이해하기가 더 어렵습니다.
그림을 더 진지하게 그릴수록, 자신만의 목소리를 찾으려 애쓰며 다른 예술가들이 어떤 일을 겪었을지 더 많이 생각하게 되었습니다. 그들이 무엇을 그렸는지만이 아니라, 무엇으로 계속 되돌아갔는지에 대해서도요. 무엇을 해결하려 했는지. 무엇을 도저히 놓지 못했는지. 영향이라는 것은 완전히 이해되기보다 느껴지는 경우가 많다고 생각합니다. 예술가와 장소, 아이디어를 동경할 수는 있지만, 결국 자신의 작품은 자신의 손과 본능, 선택, 한계를 거쳐 나와야 합니다.
저에게 이 회화 방식은 15년이 넘는 시간과 300점이 넘는 오리지널 작품을 거치며 발전해 왔습니다. 한순간에 완성된 것이 아닙니다. 대담한 색채, 검은 선 작업, 자연을 소재로 한 주제, 움직임, 분위기, 사실주의와 추상화 사이의 균형은 반복과 호기심, 그리고 수많은 조정을 통해 서서히 하나로 어우러졌습니다. 클루아조니슴, 후기 인상주의, 반 고흐, 켈트 예술, 게슈탈트 이론, Group of Seven은 제가 하는 작업의 일부를 설명하는 데 도움을 주지만, 그 어느 하나도 제 작품을 완전히 정의하지는 못합니다. 제 작품은 여전히 풍경화에 뿌리를 두고 있지만, 문자 그대로의 풍경화는 아닙니다. 표현적이면서도 알아볼 수 있는 대상과 연결되어 있습니다. 구조적이지만 언제나 움직이려 합니다. 이것이 아마도 제 스타일을 설명하는 가장 솔직한 방식일 것입니다. 저는 선, 색, 리듬, 질감, 감정을 통해 자연 세계를 바라보고, 이를 해체한 뒤 다시 조합합니다.
내 예술 스타일에 관한 간단한 Q&A
Jeff Dillon은 어떤 스타일의 예술을 창작하나요?
저는 사실주의와 추상화의 경계에 놓인 현대 풍경화를 그립니다. 제 작품은 자연을 정확히 복제하기보다는 자연이 주는 느낌을 표현하기 위해 대담한 색채, 흐르는 듯한 검은 선 작업, 질감, 리듬, 움직임을 사용합니다.
Jeff Dillon의 예술은 사실적인가요, 추상적인가요?
둘 다입니다. 멀리서 보면 제 그림은 대개 풍경, 야생동물, 숲, 호수, 하늘, 산 또는 자연 풍경으로 알아볼 수 있습니다. 가까이 다가가면 선, 형태, 색, 패턴, 질감으로 분해되며 더욱 추상적으로 보이는 경우가 많습니다.
Jeff Dillon은 왜 그림에 검은 선을 사용하나요?
저는 검은 선을 사용해 구조, 움직임, 에너지를 만듭니다. 이를 단순한 윤곽선으로 생각하지는 않습니다. 선은 관람객의 시선을 그림 속으로 이끌고 구도의 여러 부분을 연결하는 데 도움을 줍니다.
Jeff Dillon은 어떻게 그림을 그리나요?
저는 보통 색의 밑바탕을 깔고 여러 겹을 쌓아가며 그림을 점진적으로 완성합니다. 형태는 대략적으로 시작해 시간이 지나면서 더욱 정교해집니다. 검은 선 작업은 과정 후반에 더해지는 경우가 많으며, 움직임을 이끌고 구조를 정의하며 이미지의 서로 다른 부분을 연결합니다.
Jeff Dillon의 스타일은 어떤 미술 사조와 관련이 있나요?
제 작품은 클루아조니슴, 후기 인상주의, 게슈탈트 이론, 켈트 예술, 유동적인 움직임을 표현한 빈센트 반 고흐의 감각, 그리고 Group of Seven의 캐나다 풍경화 전통과 연관성이 있습니다. 이것들은 엄격한 분류가 아니라 참고 지점입니다.
Jeff Dillon의 작품은 켈트 예술에서 영감을 받았나요?
네. 켈트 예술은 선, 나선, 패턴, 움직임에 대해 제가 생각하는 방식에 영향을 주었습니다. 아일랜드와 스코틀랜드에 뿌리를 둔 배경과 아일랜드 및 스코틀랜드를 방문한 경험이 이러한 연관성을 더욱 깊게 했습니다. 켈스의 서도서도 저에게 중요한 시각적 참고 자료였습니다.
Jeff Dillon의 작품은 Group of Seven에서 영감을 받았나요?
제 작품은 주로 캐나다를 소재로 삼는다는 점과 풍경을 개인적인 방식으로 해석하는 더 큰 전통을 통해 그룹 오브 세븐과 연결됩니다. 저는 그들의 작품을 모방하려는 것이 아니지만, 자연 세계에 대한 독자적인 반응을 창조한다는 생각에는 공감합니다.
제프 딜런의 그림을 알아보게 하는 특징은 무엇인가요?
제 그림은 대담한 색채, 유려한 검은 선, 강한 움직임, 그리고 사실주의와 추상 사이를 오가는 방식 때문에 알아보기 쉽습니다. 멀리서 보면 대상이 하나로 어우러집니다. 가까이서 보면 그림은 더욱 추상적인 패턴, 질감, 리듬을 드러냅니다.
제프 딜런의 그림은 가까이서 보면 왜 다르게 보이나요?
멀리서 보면 이미지는 완전한 풍경이나 자연 장면으로 읽힙니다. 가까이 다가가면 그림은 선, 질감, 색채와 같은 더 작은 요소로 나뉘어 보입니다. 이러한 변화 덕분에 작품은 여러 방식으로 감상할 수 있습니다.
제프 딜런은 어떤 재료를 사용하나요?
저는 주로 캔버스에 헤비 바디 아크릴 물감을 사용합니다. 색채, 질감, 선을 겹겹이 쌓아 올려 그림 안에 깊이와 움직임을 만들어냅니다.
예술에서 클루아조니즘이란 무엇인가요?
클루아조니즘은 1800년대 후반에 발전한 양식으로, 평평한 색면을 굵고 어두운 윤곽선으로 구분하는 것이 특징입니다. 폴 고갱과 에밀 베르나르 같은 화가들이 사용했으며, 스테인드글라스와 같은 효과를 자주 만들어냅니다.
후기 인상주의란 무엇인가요?
후기 인상주의는 19세기 후반 인상주의에 이어 등장한 미술 운동입니다. 빈센트 반 고흐, 폴 세잔, 폴 고갱과 같은 화가들은 빛과 사실성을 포착하는 데 그치지 않고 구조, 감정, 상징적 색채에 더 집중했습니다.
예술에서 게슈탈트 이론이란 무엇인가요?
게슈탈트 이론은 사람들이 시각적 요소를 자연스럽게 하나의 완전한 형태로 조직하는 방식을 설명하는 심리학적 개념입니다. 예술에서는 이미지가 여러 개의 পৃথ separate한 부분으로 이루어져 있어도 관람자가 전체 이미지를 볼 수 있는 이유를 설명하는 데 도움이 됩니다.
그룹 오브 세븐은 누구였나요?
그룹 오브 세븐은 20세기 초에 활동한 캐나다 풍경화가들의 모임이었습니다. 주요 회원으로는 로런 해리스, A.Y. 잭슨, 프랭클린 카마이클, 아서 리스머, J.E.H. 맥도널드, 프레더릭 발리, 프랭크 존스턴이 있습니다. 이들은 캐나다의 광활한 자연에서 영감을 받아 대담하고 표현적인 회화 양식을 발전시킨 것으로 알려져 있습니다.
