¿Prefieres escuchar?
Toca aquí para reproducirlo en la aplicación de Substack
Algo que siempre he notado de la naturaleza es que nada permanece quieto por mucho tiempo. Los árboles se mecen con el viento. La luz se desplaza sobre las rocas. El agua se transforma a cada segundo. Ya sea que esté parado en la orilla o caminando por el bosque, mi mirada no deja de moverse. Presto atención a ese movimiento constante y trato de plasmarlo en mis pinturas.
#291 – “Everlasting Bond”, 24” x 24″, pintura original de Jeff Dillon
En el estudio, construyo cada composición de modo que la mirada siga recorriéndola. Las formas conducen unas a otras. Los bordes se curvan. El color se desplaza por el lienzo de una manera que imita cómo se desarrollan las cosas en la naturaleza. Dedico tiempo a ajustar la composición hasta que encuentro un ritmo. Algo que se siente equilibrado, pero vivo. No se trata de crear una escena perfecta, sino de crear fluidez. Es entonces cuando la pintura empieza a cobrar vida propia. Cuando lo percibo, encuentro mi concentración y sigo adelante con más claridad. El ruido desaparece. Pinto en silencio durante horas, días o semanas, a veces sin darme cuenta de cuánto tiempo ha pasado.
No pinto a partir de recuerdos específicos. Lo que busco es el tipo de concentración que siento cuando estoy al aire libre y plenamente presente. Es esa conciencia serena que uno siente al bajar el ritmo y empezar a notar cómo encaja todo. Esa conexión, la relación entre la luz, el paisaje y el movimiento, es lo que intento plasmar en mi obra. Se trata menos del tema y más de la energía que fluye entre sus elementos.
La mayoría de las pinturas llega a una etapa en la que nada parece funcionar. Las formas no encajan, los colores compiten en vez de complementarse y todo empieza a sentirse inestable. Sigo ajustando las líneas, cambiando el equilibrio y añadiendo capas hasta que la composición empieza a tomar forma. Ese tramo intermedio siempre es el más incierto. Ahí aparecen las dudas y puede ser frustrante. Pero he aprendido a no detenerme ahí. Termino cada obra que empiezo, incluso cuando no estoy seguro de adónde me lleva. En casi todos los casos, la sensación de haberla completado no llega hasta el final. Entonces por fin puedo ver hacia dónde se dirigía la pintura desde el principio.
#279 – “Weathering Life’s Storms”, 20″ x 40″, pintura original de Jeff Dillon
Cuando empecé a pintar, usaba líneas negras para definirlo todo. Eso me ayudaba a entender la estructura y el espacio. Era una manera de descomponer las cosas y volver a armarlas. Con el tiempo, eso cambió. Ahora, el trazo se integra en la pintura o pasa a un segundo plano, según lo que necesite la obra. A veces las líneas son marcadas y deliberadas. Otras, desaparecen por completo y las sustituyen cambios de tono o textura. Dejo que la pintura guíe esa decisión.
Desde que empecé a dedicarme a la pintura a tiempo completo hace tres años, he tenido espacio para abordar obras más elaboradas y meditadas. El ritmo no ha aumentado, pero sí la profundidad. Trabajo en lienzos más grandes, creo composiciones más complejas y dedico más tiempo a desarrollar cada idea. Ese tiempo en el estudio ha moldeado la evolución de mi estilo. No se trata de producir más, sino de abordar cada obra con mayor concentración e intención. Dejo que la obra se desarrolle a su propio ritmo, y ese espacio ha hecho que las pinturas sean más sólidas.
Cuando la gente se para frente a mis obras, espero que sienta la misma concentración serena que siento al estar en la naturaleza. Quiero que perciba el movimiento, la conexión entre todos los elementos. No son solo árboles, rocas y cielos. Se trata de cómo se relacionan, de cómo se inclinan unos hacia otros y se mueven como un todo. Eso es lo que más me importa. Cuando alguien me dice que siente que ha estado allí, aunque nunca haya estado, sé que la pintura ha cumplido su propósito.
No hay un camino fijo cuando pinto. Una idea que empieza siendo clara puede cambiar a mitad del proceso. Algunas decisiones se sienten acertadas de inmediato. Otras llevan tiempo. Vuelvo a trabajar una sección una y otra vez hasta que encaja bien en la composición. Ese ir y venir forma parte del proceso. La obra cambia a medida que avanzo, y yo me adapto a ella. He aprendido a no esperar que se desarrolle en línea recta.
#196 – “Grounding”, 30″ x 60″, pintura original de Jeff Dillon
Cada pintura trae sus propios problemas por resolver. ¿Cómo se conectan las formas? ¿Funciona el movimiento? ¿Se mantiene la energía a lo largo del lienzo? Son el tipo de preguntas que me hago, a menudo cuando ya estoy muy avanzado en el proceso. Terminar una obra no significa que todo quede perfectamente resuelto. Solo significa que la he llevado tan lejos como podía.
Ese proceso de encontrar soluciones, dar forma a la obra, responder a ella y ver adónde conduce es lo que mantiene interesante este trabajo. No pinto para repetir algo que ya he hecho. Pinto para descubrir qué posibilidades ofrece cada nueva composición.
~Jeff
