Con il tempo è diventato più facile descrivere il mio stile artistico, ma non sono partito da un piano chiaro su ciò che avrebbe dovuto essere. Dipingevo ciò che mi piaceva, ciò che vedevo e ciò che sentivo. A volte era il soggetto ad attirarmi, a volte il colore, a volte il movimento e a volte semplicemente la sensazione di applicare la pittura sulla tela e vedere dove mi portava.
Nel corso di molti anni di pittura assidua, alcune caratteristiche hanno continuato a ricomparire. I colori decisi, i contorni neri, il movimento, i soggetti naturali e lo spazio tra realismo e astrazione sono diventati per me sempre più riconoscibili man mano che continuavo a lavorare. Non penso di aver creato lo stile sedendomi a decidere quale aspetto dovesse avere. Si è chiarito attraverso la pratica. Quando le persone hanno iniziato a chiedermi come descrivessi il mio lavoro, ho cominciato a cercare parole capaci di spiegarlo. È qui che riferimenti come il Cloisonnisme, il Post-Impressionismo, Vincent van Gogh, l’arte celtica, la teoria della Gestalt e il Gruppo dei Sette si sono rivelati utili. Non definiscono completamente il lavoro, ma aiutano a spiegare alcuni aspetti di ciò che avevo già fatto visivamente per anni.
Il modo più preciso in cui oggi posso descrivere i miei dipinti è dire che si collocano da qualche parte tra realismo e astrazione. Si basano su foreste, laghi, montagne, cieli, fauna selvatica, fenomeni atmosferici e sul mondo naturale, ma non cerco di ricreare questi soggetti esattamente come appaiono. Voglio che risultino familiari, ma non rigidi. Un albero deve continuare a sembrare un albero, l’acqua deve continuare a sembrare acqua e un cielo deve conservare la sua atmosfera, ma mi interessa di più il movimento sottostante a queste cose che non la registrazione di ogni dettaglio.
Da lontano, la maggior parte dei miei dipinti si compone in paesaggi o scene naturali riconoscibili. Si possono vedere una foresta, un lago, un uccello, una montagna, un animale o un cielo pieno di movimento. Avvicinandosi, l’immagine inizia a dissolversi. Il soggetto più ampio si scompone in aree più piccole di colore, linea, texture e forma. Alcune sezioni, prese singolarmente, possono sembrare quasi astratte. Mi piace questo cambiamento perché offre al dipinto più di un modo di essere osservato. Può essere chiaro dall’altra parte della stanza e poi diventare più misterioso da vicino.
È questo che intendo quando dico che il mio lavoro si colloca tra realismo e astrazione. Il soggetto è ancora presente, ma non è descritto completamente. Non sento il bisogno di raffigurare ogni ramo, roccia, piuma, bordo di nuvola o riflesso. A volte un dipinto diventa più interessante quando contiene abbastanza informazioni, ma non tutto è completato per lo spettatore. Spesso lo paragono alla lettura di una frase a cui mancano alcune lettere. Si possono comunque comprendere le parole, perché ne rimane abbastanza della struttura. La mente colma le lacune senza troppa fatica. Anche la pittura può funzionare in modo simile. Se è presente una parte sufficiente della forma, l’immagine resta coerente, anche quando alcune parti rimangono aperte. Penso che in questo ci sia qualcosa di profondamente umano, perché completiamo continuamente le cose a partire da informazioni parziali, che ce ne rendiamo conto o meno.
Il tratto nero è probabilmente la parte più riconoscibile del mio lavoro. È comparso molto presto nei miei dipinti ed è diventato sempre più importante con lo sviluppo della mia ricerca. A volte le persone chiamano queste linee contorni, e lo capisco, ma non è proprio così che le considero. Possono muoversi intorno ad alberi, nuvole, rocce, animali o aree di colore, ma non sono semplicemente lì per tracciare il margine delle cose.
Per me, le linee creano struttura, movimento ed energia. Aiutano a organizzare il dipinto, ma gli impediscono anche di diventare troppo statico. L’occhio segue naturalmente una linea. Vuole sapere dove inizia, dove conduce, cosa tocca e come si collega al resto dell’immagine. Uso questo istinto in tutto il dipinto. Una linea può attraversare gli alberi, entrare nell’acqua, riapparire in una nuvola e poi tornare a circondare un riflesso. La linea non serve tanto a separare una cosa dall’altra, quanto a guidare lo spettatore attraverso l’intera scena.
Uno dei confronti storici più vicini ad alcuni aspetti del mio lavoro è il Cloisonnisme, uno stile post-impressionista in cui le aree di colore sono separate da marcati contorni scuri. Spesso crea un effetto simile a quello delle vetrate o degli smalti cloisonné. Capisco perché le persone facciano questo confronto con i miei dipinti. Il tratto scuro e le aree di colore separate possono creare quel tipo di sensazione da vetrata, soprattutto quando il dipinto viene osservato da lontano. Ma il confronto spiega solo una parte del fenomeno. Nel Cloisonnisme storico, i contorni spesso dividono e racchiudono il colore. Nel mio lavoro, la linea è più attiva. Attraversa la scena e diventa parte del ritmo del dipinto. Aiuta a collegare terra, acqua, cielo, alberi, fauna selvatica, tempo atmosferico e riflessi in un unico movimento più ampio.
Il Post-Impressionismo è un altro modo utile per comprendere alcuni aspetti del mio lavoro, perché è andato oltre il realismo rigoroso. Mi riconosco nell’idea che il colore e la forma possano essere espressivi senza essere letterali. Posso intensificare i colori, semplificare le forme o accentuare il movimento, affinché il dipinto rifletta la sensazione di un luogo, invece di limitarsi a ciò che vi era fisicamente. Voglio comunque che il soggetto rimanga connesso al mondo naturale, ma non voglio che sembri una copia diretta.
Vincent van Gogh viene citato spesso quando le persone parlano del movimento nei miei dipinti, soprattutto nei cieli, negli alberi, nelle spirali e nelle linee fluide. Comprendo il paragone. Nelle sue opere si avverte che un dipinto statico può contenere movimento, e questa idea mi ha sempre interessato. Non cerco di imitare Van Gogh, ma sono attratto dal modo in cui il movimento può diventare parte della struttura di un dipinto. La natura non è mai davvero immobile. Le nuvole cambiano posizione, gli alberi si piegano, l’acqua muta, la luce si sposta e il clima può alterare molto rapidamente l’atmosfera di un luogo. Voglio che una parte di quel movimento rimanga nell’opera finita.
Anche l’arte celtica è stata importante per me, sia dal punto di vista visivo sia personale. Le mie radici familiari sono irlandesi e scozzesi e mi sono sempre sentito legato a questa parte delle mie origini. Visitare l’Irlanda e la Scozia ha approfondito questo legame. Il paesaggio, la storia, il design e l’atmosfera di quei luoghi sono rimasti con me, ma il Libro di Kells mi ha lasciato una delle impressioni più forti. Ciò che mi interessa nel design celtico è il modo in cui la linea può creare fluidità. Spirali, forme intrecciate e motivi ripetuti non si limitano a decorare la superficie. Guidano lo sguardo. Si muovono, ritornano, si collegano e proseguono. Questo modo di concepire la linea è vicino al modo in cui affronto i miei dipinti. Mi piace quando una linea fa più che descrivere qualcosa. Mi piace quando trascina una parte del dipinto verso un’altra e conferisce all’immagine un senso di movimento.
Poiché gran parte del mio lavoro nasce da foreste, laghi, cieli, fenomeni atmosferici, fauna selvatica e paesaggi canadesi, a volte le persone lo collegano al Gruppo dei Sette. Penso che il paragone abbia senso più nello spirito che nell’aspetto diretto. Il Gruppo dei Sette non si limitava a documentare il paesaggio. Cercava di interpretare la terra in un modo personale, audace e distintivo. Guardava a foreste, rocce, laghi, fenomeni atmosferici e spazi aperti come a qualcosa di più di una semplice veduta. Non cerco di dipingere come loro, ma mi sento legato a quella tradizione più ampia di rispondere al paesaggio canadese attraverso la pittura. Il mio approccio è diverso, ma comprendo il desiderio di interpretare la natura anziché limitarsi a registrarla.
Mi interessa il coinvolgimento emotivo suscitato dal mondo naturale, la struttura degli alberi, il movimento delle nuvole, il peso della roccia e il modo in cui il colore può cambiare la sensazione che trasmette un luogo. Questo non significa che stia cercando di trasformare la natura in qualcosa di irriconoscibile. Voglio ancora che chi guarda percepisca quel legame con la terra, l’acqua, il cielo, il clima e gli esseri viventi. Voglio semplicemente che l’immagine arrivi attraverso il mio modo di vedere.
La teoria della Gestalt è un altro modo per riflettere su come vengono osservati i miei dipinti. Esamina il modo in cui la mente organizza elementi visivi separati in un insieme. Questo si applica al mio lavoro perché i dipinti spesso si basano sull’unione di molte parti più piccole nella mente dello spettatore. Da vicino, un’area potrebbe sembrare semplicemente un segno, una curva, una texture o una macchia di colore. Da più lontano, quei frammenti cominciano a collegarsi e l’immagine più ampia riemerge. Mi piace che un dipinto possa cambiare a seconda di dove ci si posiziona. Da vicino, non voglio necessariamente che tutto abbia un senso immediato. Voglio che per un momento la mente dello spettatore sia libera dalla struttura più ampia, quasi come quando si guardano le nuvole e si cerca di dare un senso a forme non del tutto definite. Poi, facendo un passo indietro, il soggetto ricomincia a comporsi.
Anche il modo in cui costruisco un dipinto contribuisce a tutto questo. Di solito non comincio disegnando tutte le linee nere. Nella maggior parte dei casi, arrivano verso la fine. Spesso inizio con una base di colore collegata alla direzione che prenderà il dipinto, poi costruisco gli strati a partire da lì. Le forme iniziano in modo ampio e diventano più definite man mano che il dipinto si sviluppa. Compaiono le texture, le forme si condensano e il dipinto comincia lentamente a dirmi di cosa ha bisogno.
Quando aggiungo il tratto, il dipinto ha già una direzione. È allora che decido dove dovrebbe muoversi lo sguardo, dove l’immagine ha bisogno di struttura e come le diverse aree dovrebbero collegarsi. A volte il tratto definisce una forma. A volte aggiunge ritmo. A volte lascio alcune parti con pochissime linee perché il colore o la texture sono già sufficienti da soli. Il tratto non è semplicemente qualcosa che sta sotto il dipinto. Fa parte dell’energia finale dell’opera.
È difficile spiegare esattamente da dove nasca uno stile personale. Mi è sempre piaciuto fare schizzi, disegnare e dipingere fin da giovane e, con il tempo, si assorbe più di quanto ci si renda conto. La natura, i viaggi, la storia dell’arte, gli altri artisti, l’architettura, la luce, il colore, la texture, la memoria e l’esperienza personale trovano tutti, in qualche modo, la loro strada nell’opera. Alcune influenze sono facili da nominare. Altre sono più difficili da comprendere.
Più seriamente dipingevo, più mi ritrovavo a pensare a ciò che gli altri artisti dovevano aver attraversato mentre cercavano di trovare la propria voce. Non solo a ciò che dipingevano, ma anche a ciò a cui tornavano continuamente. A ciò che cercavano di risolvere. A ciò che non riuscivano proprio a lasciar andare. Penso che l’influenza spesso si senta più di quanto si comprenda pienamente. Si possono ammirare artisti, luoghi e idee, ma il proprio lavoro deve comunque passare attraverso le proprie mani, i propri istinti, le proprie decisioni e i propri limiti.
Per me, questo modo di dipingere si è sviluppato nell’arco di più di quindici anni e attraverso più di 300 dipinti originali. Non è nato tutto in una volta. I colori audaci, le linee nere, i soggetti naturali, il movimento, l’atmosfera e l’equilibrio tra realismo e astrazione si sono composti lentamente attraverso la pratica, la curiosità e molti aggiustamenti. Il cloisonnisme, il postimpressionismo, Van Gogh, l’arte celtica, la teoria della Gestalt e il Gruppo dei Sette aiutano a spiegare alcuni aspetti di ciò che faccio, ma nessuno di essi lo definisce completamente. Il mio lavoro affonda ancora le radici nella pittura paesaggistica, ma non è una pittura paesaggistica letterale. È espressivo, ma resta legato a soggetti riconoscibili. È strutturato, ma cerca sempre di muoversi. Questo è probabilmente il modo più onesto in cui posso descrivere il mio stile. È il mio modo di vedere il mondo naturale, scomporlo e ricomporlo attraverso linea, colore, ritmo, texture e sentimento.
Breve Q&A sul mio stile artistico
Che stile artistico crea Jeff Dillon?
Creo dipinti paesaggistici contemporanei a metà tra realismo e astrazione. Il mio lavoro utilizza colori audaci, linee nere fluide, texture, ritmo e movimento per esprimere la sensazione della natura invece di copiarla esattamente.
L’arte di Jeff Dillon è realistica o astratta?
È entrambe le cose. Da lontano, i miei dipinti sono generalmente riconoscibili come paesaggi, animali selvatici, foreste, laghi, cieli, montagne o scene naturali. Da vicino, spesso diventano più astratti, scomponendosi in linee, forme, colori, motivi e texture.
Perché Jeff Dillon usa linee nere nei suoi dipinti?
Uso linee nere per creare struttura, movimento ed energia. Non le considero semplici contorni. Le linee guidano lo sguardo dell’osservatore attraverso il dipinto e aiutano a collegare diverse parti della composizione.
Come crea i suoi dipinti Jeff Dillon?
Di solito comincio con uno strato di base di colore e costruisco gradualmente il dipinto attraverso sovrapposizioni successive. Le forme iniziano in modo ampio e diventano più definite nel tempo. Le linee nere vengono spesso aggiunte in una fase successiva del processo per guidare il movimento, definire la struttura e collegare diverse parti dell’immagine.
A quali movimenti artistici è legato lo stile di Jeff Dillon?
Il mio lavoro ha legami con il cloisonnisme, il postimpressionismo, la teoria della Gestalt, l’arte celtica, il senso del movimento fluido di Vincent van Gogh e la tradizione paesaggistica canadese del Gruppo dei Sette. Sono punti di riferimento, non etichette rigide.
Il lavoro di Jeff Dillon è ispirato all’arte celtica?
Sì. L’arte celtica ha influenzato il mio modo di pensare alla linea, alle spirali, ai motivi e al movimento. Le mie origini irlandesi e scozzesi, insieme ai viaggi in Irlanda e Scozia, hanno approfondito questo legame. Anche il Libro di Kells è stato per me un importante riferimento visivo.
Il lavoro di Jeff Dillon è ispirato al Gruppo dei Sette?
Il mio lavoro si collega al Gruppo dei Sette soprattutto attraverso i soggetti canadesi e la più ampia tradizione di interpretare il paesaggio in modo personale. Non cerco di imitare il loro lavoro, ma mi sento legato all'idea di creare una risposta distintiva al mondo naturale.
Cosa rende riconoscibili i dipinti di Jeff Dillon?
I miei dipinti sono riconoscibili per i colori audaci, le linee nere fluide, il forte senso di movimento e il modo in cui oscillano tra realismo e astrazione. Da lontano, il soggetto prende forma. Da vicino, il dipinto rivela motivi, texture e ritmi più astratti.
Perché i dipinti di Jeff Dillon sembrano diversi da vicino?
Da lontano, l'immagine appare come un paesaggio completo o una scena naturale. Da vicino, il dipinto si scompone in elementi più piccoli, come linee, texture e colori. Questo cambiamento permette di vivere l'opera in più di un modo.
Quali materiali usa Jeff Dillon?
Lavoro principalmente con colori acrilici a corpo pesante su tela. Costruisco strati di colore, texture e linee per creare profondità e movimento all'interno del dipinto.
Che cos'è il Cloisonnisme nell'arte?
Il Cloisonnisme è uno stile sviluppatosi alla fine dell'Ottocento, in cui le aree di colore piatto sono separate da contorni marcati e scuri. Fu utilizzato da artisti come Paul Gauguin ed Émile Bernard e crea spesso un effetto simile a quello delle vetrate.
Che cos'è il Postimpressionismo?
Il Postimpressionismo è un movimento artistico che seguì l'Impressionismo alla fine del XIX secolo. Artisti come Vincent van Gogh, Paul Cézanne e Paul Gauguin si concentrarono maggiormente sulla struttura, sull'emozione e sul colore simbolico, anziché limitarsi a catturare la luce e il realismo.
Che cos'è la teoria della Gestalt nell'arte?
La teoria della Gestalt è un concetto psicologico che spiega come le persone organizzino naturalmente gli elementi visivi in forme complete. Nell'arte, aiuta a spiegare come gli osservatori possano vedere un'immagine d'insieme anche quando è composta da molte parti separate.
Chi era il Gruppo dei Sette?
Il Gruppo dei Sette era composto da pittori canadesi di paesaggi attivi all'inizio del XX secolo. Tra i membri principali figuravano Lawren Harris, A.Y. Jackson, Franklin Carmichael, Arthur Lismer, J.E.H. MacDonald, Frederick Varley e Frank Johnston. Sono noti per aver sviluppato uno stile pittorico audace ed espressivo, ispirato alla natura selvaggia canadese.
Ulteriori letture
- Jeff Dillon, l'artista, biografia ufficiale e Curriculum Vitae (CV)
- Cloisonnisme e Paul Gauguin, Galleria nazionale d'arte.
- Dopo l'Impressionismo, dal Neoimpressionismo al Fauvismo, Museo d'Orsay.
- Vincent van Gogh, Museo Van Gogh.
- Il Gruppo dei Sette, Tom Thomson e i loro contemporanei, Collezione d'arte canadese McMichael.
- Principi gestaltici dell'organizzazione, Tate: Scoprilo
- Arte e storia celtiche
