Det er blevet lettere med tiden at beskrive min kunstneriske stil, men jeg begyndte ikke med en klar plan for, hvad den skulle være. Jeg malede det, jeg kunne lide, det, jeg så, og det, jeg følte. Nogle gange var det motivet, der tiltrak mig, andre gange farven, bevægelsen eller ganske enkelt følelsen af at påføre maling på lærredet og se, hvor den førte hen.
Gennem mange års regelmæssigt maleri blev bestemte ting ved med at vende tilbage. De stærke farver, de sorte linjer, bevægelsen, de naturlige motiver og rummet mellem realisme og abstraktion blev stadig mere genkendelige for mig, efterhånden som jeg arbejdede videre. Jeg tror ikke, at jeg skabte stilen ved at sætte mig ned og beslutte, hvordan den skulle se ud. Den blev tydeligere gennem øvelse. Da folk begyndte at spørge mig, hvordan jeg ville beskrive mit arbejde, begyndte jeg at lede efter et sprog, der kunne forklare det. Det var her, henvisninger som Cloisonnisme, postimpressionisme, Vincent van Gogh, keltisk kunst, gestaltteori og Group of Seven blev nyttige. De definerer ikke værket fuldstændigt, men de hjælper med at forklare dele af det, jeg allerede havde arbejdet visuelt med i mange år.
Den mest præcise måde, jeg nu kan beskrive mine malerier på, er, at de befinder sig et sted mellem realisme og abstraktion. De er baseret på skove, søer, bjerge, himle, dyreliv, vejr og den naturlige verden, men jeg forsøger ikke at genskabe disse motiver nøjagtigt, som de ser ud. Jeg vil have, at de skal føles velkendte, men ikke fastlåste. Et træ skal stadig føles som et træ, vand skal stadig føles som vand, og en himmel skal stadig have atmosfære, men jeg er mere interesseret i bevægelsen under overfladen af disse ting end i at registrere hver eneste detalje.
På afstand samler de fleste af mine malerier sig til genkendelige landskaber eller naturscener. Man kan se en skov, en sø, en fugl, et bjerg, et dyr eller en himmel fuld af bevægelse. Når man går tættere på, begynder billedet at løsne sig. Det større motiv brydes op i mindre områder med farve, linjer, tekstur og form. Nogle afsnit kan næsten virke abstrakte i sig selv. Jeg kan godt lide denne forandring, fordi den giver maleriet mere end én måde at blive set på. Det kan være tydeligt på tværs af rummet og derefter mere gådefuldt på tæt hold.
Det er det, jeg mener, når jeg siger, at mit arbejde befinder sig mellem realisme og abstraktion. Motivet er stadig til stede, men det er ikke fuldt udfoldet. Jeg føler ikke behov for at beskrive hver eneste gren, sten, fjer, skykant eller spejling. Nogle gange bliver et maleri mere interessant, når der er tilstrækkelig information, men ikke alt er færdiggjort for beskueren. Jeg sammenligner det ofte med at læse en sætning, hvor nogle bogstaver mangler. Man kan stadig forstå ordene, fordi nok af strukturen er bevaret. Hjernen udfylder hullerne uden større besvær. Maleri kan fungere på en lignende måde. Hvis der er nok af formen til stede, hænger billedet sammen, selv når dele er overladt åbne. Jeg tror, der er noget meget menneskeligt i det, fordi vi hele tiden fuldender ting ud fra delvis information, uanset om vi er klar over det eller ej.
De sorte linjer er sandsynligvis den mest genkendelige del af det, jeg laver. De optrådte meget tidligt i mine malerier og blev vigtigere, efterhånden som arbejdet udviklede sig. Folk kalder nogle gange linjerne for konturer, hvilket jeg godt forstår, men det er egentlig ikke sådan, jeg tænker på dem. De kan bevæge sig rundt om træer, skyer, klipper, dyr eller farveområder, men de er ikke blot til for at følge kanten af tingene.
For mig skaber linjerne struktur, bevægelse og energi. De hjælper med at organisere maleriet, men de forhindrer det også i at blive for stillestående. Øjet følger naturligt en linje. Det vil vide, hvor linjen begynder, hvor den bevæger sig hen, hvad den berører, og hvordan den forbindes med resten af billedet. Jeg bruger dette instinkt gennem hele maleriet. En linje kan bevæge sig gennem træer, krydse over i vandet, dukke op igen i en sky og derefter vende tilbage gennem en spejling. Linjen handler mindre om at adskille én ting fra en anden og mere om at lede beskueren gennem hele scenen.
En af de nærmeste historiske sammenligninger med dele af mit arbejde er cloisonnisme, en postimpressionistisk stil, hvor farveområder adskilles af markante mørke konturer. Den skaber ofte en virkning, der minder om glasmosaik eller cloisonné-emalje. Jeg forstår godt, hvorfor folk sammenligner mine malerier med den stil. De mørke linjer og adskilte farveområder kan skabe den slags glasmosaikagtige stemning, især når maleriet betragtes på afstand. Men sammenligningen forklarer kun en del af det. I den historiske cloisonnisme opdeler og indrammer konturerne ofte farven. I mit arbejde er linjen mere aktiv. Den bevæger sig gennem scenen og bliver en del af maleriets rytme. Den hjælper med at forbinde land, vand, himmel, træer, dyreliv, vejr og spejling i én større bevægelse.
Postimpressionisme er endnu en nyttig måde at forstå dele af mit arbejde på, fordi det bevægede sig væk fra streng realisme. Jeg kan identificere mig med idéen om, at farve og form kan være udtryksfulde uden at være bogstavelige. Jeg kan intensivere farverne, forenkle formerne eller fremhæve bevægelsen, så maleriet afspejler følelsen af et sted frem for kun det, der fysisk var der. Jeg ønsker stadig, at motivet skal være forbundet med den naturlige verden, men jeg vil ikke have, at det skal føles som en direkte kopi.
Vincent van Gogh bliver ofte nævnt, når folk taler om bevægelse i mine malerier, især i himlene, træerne, spiralerne og de flydende linjer. Jeg forstår den sammenligning. Der er en fornemmelse i hans værker af, at et stillestående maleri kan rumme bevægelse, og den idé har altid interesseret mig. Jeg forsøger ikke at efterligne Van Gogh, men jeg tiltrækkes af den måde, bevægelse kan blive en del af et maleris struktur på. Naturen er aldrig rigtig stille. Skyer flytter sig, træer bøjer sig, vand forandrer sig, lyset bevæger sig, og vejret kan meget hurtigt ændre stemningen på et sted. Jeg ønsker, at noget af denne bevægelse skal forblive i det færdige værk.
Keltisk kunst har også været vigtig for mig, både visuelt og personligt. Mine familierødder er irske og skotske, og jeg har altid følt mig knyttet til den del af min baggrund. Besøg i Irland og Skotland har uddybet denne forbindelse. Landskabet, historien, designet og stemningen på disse steder blev hos mig, men Book of Kells gjorde et af de stærkeste indtryk. Det, der interesserer mig ved keltisk design, er den måde, en linje kan skabe et flow på. Spiraler, sammenflettede former og gentagne mønstre dekorerer ikke blot overfladen. De leder øjet. De bevæger sig, vender tilbage, forbinder og fortsætter. Denne måde at tænke på linjen føles tæt på den måde, jeg arbejder med mine egne malerier på. Jeg kan godt lide, når en linje gør mere end at beskrive noget. Jeg kan godt lide, når den trækker en del af maleriet ind i en anden og giver billedet en fornemmelse af bevægelse.
Fordi så meget af mit arbejde udspringer af skove, søer, himle, vejr, dyreliv og det canadiske landskab, forbinder folk det nogle gange med Group of Seven. Jeg synes, sammenligningen giver mere mening i ånden end i det direkte udtryk. Group of Seven dokumenterede ikke blot landskaber. De forsøgte at fortolke landet på en måde, der føltes personlig, modig og særpræget. De så skove, klipper, søer, vejr og åbne vidder som noget mere end et udsyn. Jeg forsøger ikke at male som dem, men jeg føler mig forbundet med denne større tradition for at reagere på det canadiske landskab gennem maleriet. Min tilgang er anderledes, men ønsket om at fortolke naturen snarere end blot at registrere den er noget, jeg forstår.
Jeg er optaget af naturens følelsesmæssige tiltrækningskraft, træernes struktur, skyernes bevægelse, klippens tyngde og den måde, farver kan ændre stemningen på et sted. Det betyder ikke, at jeg forsøger at gøre naturen til noget uigenkendeligt. Jeg ønsker stadig, at beskueren skal mærke forbindelsen til land, vand, himmel, vejr og levende væsener. Jeg ønsker blot, at billedet skal opstå gennem min egen måde at se det på.
Gestaltteorien er en anden måde at tænke over, hvordan mine malerier bliver set på. Den undersøger, hvordan sindet organiserer separate visuelle elementer til en helhed. Det gælder for mit arbejde, fordi malerierne ofte bygger på, at mange mindre dele samles i beskuerens sind. På nært hold kan et område måske bare ligne et mærke, en kurve, en tekstur eller en plet farve. På længere afstand begynder delene at forbindes, og det større billede træder frem igen. Jeg kan godt lide, at et maleri kan ændre sig alt efter, hvor man står. På nært hold ønsker jeg ikke nødvendigvis, at alt skal give umiddelbar mening. Jeg vil gerne have, at beskuerens sind et øjeblik kan frigøre sig fra den større struktur, næsten som når man ser på skyer og forsøger at finde mening i former, der ikke står helt klart. Når man så træder tilbage, begynder motivet at samle sig igen.
Den måde, jeg opbygger et maleri på, spiller også ind her. Jeg begynder som regel ikke med at tegne alt stregarbejdet med sort. Det kommer oftest tættere på slutningen. Jeg begynder ofte med et underlag af farve, der hænger sammen med den retning, maleriet skal i, og bygger derefter lag på lag. Former begynder bredt og bliver mere raffinerede, efterhånden som maleriet udvikler sig. Teksturer opstår, former fortættes, og maleriet begynder langsomt at fortælle mig, hvad det har brug for.
Når jeg tilføjer stregarbejdet, har maleriet allerede en retning. Det er dér, jeg beslutter, hvor øjet skal bevæge sig, hvor billedet har brug for struktur, og hvordan forskellige områder skal forbindes. Nogle gange definerer stregen en form. Nogle gange tilfører den rytme. Nogle gange lader jeg dele være næsten uden streger, fordi farven eller teksturen gør det tilstrækkeligt på egen hånd. Stregarbejdet er ikke bare noget, der ligger under maleriet. Det er en del af værkets endelige energi.
Det er svært at forklare præcis, hvor en personlig stil kommer fra. Jeg har kunnet lide at skitsere, tegne og male, siden jeg var ung, og med tiden optager man mere, end man selv er klar over. Natur, rejser, kunsthistorie, andre kunstnere, arkitektur, lys, farve, tekstur, minder og personlige erfaringer finder på en eller anden måde alle vej ind i værket. Nogle påvirkninger er nemme at sætte navn på. Andre er sværere at forstå.
Jo mere seriøst jeg malede, desto mere tog jeg mig selv i at tænke på, hvad andre kunstnere må have gennemgået, mens de forsøgte at finde deres eget udtryk. Ikke kun hvad de malede, men hvad de blev ved med at vende tilbage til. Hvad de prøvede at løse. Hvad de tilsyneladende ikke kunne lade være. Jeg tror ofte, at påvirkning mærkes mere, end den forstås fuldt ud. Man kan beundre kunstnere, steder og idéer, men ens eget værk skal stadig passere gennem ens egne hænder, instinkter, beslutninger og begrænsninger.
For mig har denne måde at male på udviklet sig gennem mere end femten år og over 300 originale malerier. Det skete ikke på én gang. De kraftige farver, det sorte linjearbejde, de naturlige motiver, bevægelsen, atmosfæren og balancen mellem realisme og abstraktion fandt langsomt sammen gennem gentagelse, nysgerrighed og mange justeringer. Cloisonnisme, postimpressionisme, Van Gogh, keltisk kunst, gestaltteori og The Group of Seven hjælper alle med at forklare dele af det, jeg gør, men ingen af dem definerer det fuldt ud. Mine værker er stadig forankret i landskabsmaleriet, men det er ikke bogstaveligt landskabsmaleri. Det er udtryksfuldt, men stadig knyttet til genkendelige motiver. Det er struktureret, men forsøger altid at bevæge sig. Det er nok den mest ærlige måde, jeg kan beskrive min stil på. Det er min måde at se den naturlige verden på, bryde den fra hinanden og sætte den sammen igen gennem linjer, farver, rytme, tekstur og følelse.
Hurtige spørgsmål og svar om min kunststil
Hvilken kunststil arbejder Jeff Dillon i?
Jeg skaber moderne landskabsmalerier, der befinder sig mellem realisme og abstraktion. Mine værker bruger kraftige farver, flydende sort linjearbejde, tekstur, rytme og bevægelse til at udtrykke naturens stemning frem for at kopiere den præcist.
Er Jeff Dillons kunst realistisk eller abstrakt?
Det er begge dele. På afstand kan mine malerier som regel genkendes som landskaber, dyreliv, skove, søer, himle, bjerge eller naturscener. På nært hold bliver de ofte mere abstrakte og opløses i linjer, former, farver, mønstre og teksturer.
Hvorfor bruger Jeff Dillon sorte linjer i sine malerier?
Jeg bruger sorte linjer til at skabe struktur, bevægelse og energi. Jeg opfatter dem ikke som simple konturer. Linjerne leder beskuerens blik gennem maleriet og hjælper med at forbinde forskellige dele af kompositionen.
Hvordan skaber Jeff Dillon sine malerier?
Jeg begynder som regel med et underlag af farve og opbygger gradvist maleriet gennem flere lag. Former begynder bredt og bliver mere raffinerede med tiden. Det sorte linjearbejde tilføjes ofte senere i processen for at lede bevægelsen, definere strukturen og forbinde forskellige dele af billedet.
Hvilke kunstretninger forbindes med Jeff Dillons stil?
Mine værker har forbindelser til cloisonnisme, postimpressionisme, gestaltteori, keltisk kunst, Vincent van Goghs fornemmelse for flydende bevægelse og den canadiske landskabstradition repræsenteret af The Group of Seven. Det er referencepunkter, ikke faste betegnelser.
Er Jeff Dillons værker inspireret af keltisk kunst?
Ja. Keltisk kunst har påvirket min måde at tænke på linjer, spiraler, mønstre og bevægelse. Mine irske og skotske rødder samt besøg i Irland og Skotland har uddybet den forbindelse. The Book of Kells har også været en vigtig visuel reference for mig.
Er Jeff Dillons værker inspireret af The Group of Seven?
Mit arbejde er først og fremmest forbundet med The Group of Seven gennem det canadiske motivvalg og den bredere tradition for at fortolke landskabet på en personlig måde. Jeg forsøger ikke at efterligne deres værker, men jeg føler mig forbundet med idéen om at skabe en særskilt reaktion på naturen.
Hvad gør Jeff Dillons malerier genkendelige?
Mine malerier er genkendelige på grund af deres markante farver, flydende sorte linjeføring, stærke bevægelse og den måde, de bevæger sig mellem realisme og abstraktion på. På afstand samles motivet. På tæt hold afslører maleriet flere abstrakte mønstre, teksturer og rytmer.
Hvorfor ser Jeff Dillons malerier anderledes ud på tæt hold?
På afstand fremstår billedet som et komplet landskab eller en naturscene. På tæt hold brydes maleriet op i mindre elementer som linje, tekstur og farve. Dette skift gør det muligt at opleve værket på mere end én måde.
Hvilke materialer bruger Jeff Dillon?
Jeg arbejder primært med akrylmaling med høj viskositet på lærred. Jeg opbygger lag af farve, tekstur og linjer for at skabe dybde og bevægelse i maleriet.
Hvad er cloisonnisme i kunst?
Cloisonnisme er en stilart, der blev udviklet i slutningen af 1800-tallet, hvor områder med flade farver adskilles af markante, mørke konturer. Den blev brugt af kunstnere som Paul Gauguin og Émile Bernard og skaber ofte en effekt, der minder om farvet glas.
Hvad er postimpressionisme?
Postimpressionismen er en kunstretning, der fulgte efter impressionismen i slutningen af det 19. århundrede. Kunstnere som Vincent van Gogh, Paul Cézanne og Paul Gauguin fokuserede mere på struktur, følelser og symbolsk farve end blot på at gengive lys og realisme.
Hvad er gestaltteori i kunst?
Gestaltteorien er et psykologisk begreb, der forklarer, hvordan mennesker naturligt organiserer visuelle elementer til helhedsformer. I kunst hjælper den med at forklare, hvordan beskuere kan se et helt billede, selv når det består af mange separate dele.
Hvem var The Group of Seven?
The Group of Seven var en gruppe canadiske landskabsmalere, der var aktive i begyndelsen af det 20. århundrede. Blandt de vigtigste medlemmer var Lawren Harris, A.Y. Jackson, Franklin Carmichael, Arthur Lismer, J.E.H. MacDonald, Frederick Varley og Frank Johnston. De er kendt for at have udviklet en dristig og udtryksfuld malestil inspireret af den canadiske vildmark.
Yderligere læsning
- Jeff Dillon, kunstneren, officiel biografi og Curriculum Vitae (CV)
- Cloisonnisme og Paul Gauguin, National Gallery of Art.
- Efter impressionismen, fra neoimpressionisme til fauvisme, Musée d'Orsay.
- Vincent van Gogh, Van Gogh Museum.
- The Group of Seven, Tom Thomson og deres samtidige, McMichael Canadian Art Collection.
- Gestaltprincipper for organisering, Tate: Find ud af det
- Keltisk kunst og historie
