Meine Kunst zu beschreiben, ist mit der Zeit leichter geworden, aber ich begann nicht mit einem klaren Plan, wie sie sein sollte. Ich malte, was mir gefiel, was ich sah und was ich empfand. Manchmal war es das Motiv, das mich anzog, manchmal die Farbe, manchmal die Bewegung und manchmal einfach das Gefühl, Farbe auf die Leinwand zu bringen und zu sehen, wohin sie führte.
Im Laufe vieler Jahre regelmäßigen Malens kehrten bestimmte Dinge immer wieder. Die kräftigen Farben, die schwarzen Linien, die Bewegung, die Naturmotive und der Raum zwischen Realismus und Abstraktion wurden mir mit der Zeit immer vertrauter. Ich glaube nicht, dass ich den Stil geschaffen habe, indem ich mich hingesetzt und entschieden habe, wie er aussehen sollte. Durch die Praxis wurde er klarer. Als Menschen mich zu fragen begannen, wie ich meine Arbeit beschreiben würde, suchte ich nach einer Sprache, die sie erklären konnte. Dabei wurden Bezüge wie der Cloisonnismus, der Postimpressionismus, Vincent van Gogh, keltische Kunst, die Gestalttheorie und die Group of Seven hilfreich. Sie definieren die Arbeit nicht vollständig, helfen aber, Teile dessen zu erklären, was ich visuell bereits seit Jahren getan hatte.
Am treffendsten kann ich meine Gemälde heute so beschreiben, dass sie irgendwo zwischen Realismus und Abstraktion liegen. Sie basieren auf Wäldern, Seen, Bergen, Himmeln, Wildtieren, Wetter und der Natur, aber ich versuche nicht, diese Motive genau so nachzubilden, wie sie erscheinen. Sie sollen vertraut, aber nicht festgelegt wirken. Ein Baum muss sich noch wie ein Baum anfühlen, Wasser wie Wasser, und ein Himmel braucht weiterhin Atmosphäre, doch mich interessiert die Bewegung unterhalb dieser Dinge mehr, als jedes Detail festzuhalten.
Aus der Entfernung fügen sich die meisten meiner Gemälde zu erkennbaren Landschaften oder Naturszenen zusammen. Man sieht vielleicht einen Wald, einen See, einen Vogel, einen Berg, ein Tier oder einen Himmel voller Bewegung. Wenn man näher herangeht, beginnt sich das Bild zu lockern. Das größere Motiv zerfällt in kleinere Bereiche aus Farbe, Linie, Textur und Form. Einige Partien können für sich genommen beinahe abstrakt wirken. Ich mag diese Veränderung, weil sie dem Gemälde mehr als eine Sichtweise verleiht. Aus dem ganzen Raum kann es klar erscheinen, aus der Nähe dann geheimnisvoller.
Das meine ich, wenn ich sage, dass meine Arbeit zwischen Realismus und Abstraktion liegt. Das Motiv ist noch da, aber nicht vollständig ausformuliert. Ich habe nicht das Bedürfnis, jeden Ast, jeden Stein, jede Feder, jede Wolkenkante oder jede Spiegelung zu beschreiben. Manchmal wird ein Gemälde interessanter, wenn genügend Informationen vorhanden sind, aber nicht alles für den Betrachter ausgearbeitet ist. Ich vergleiche das oft mit dem Lesen eines Satzes, in dem einige Buchstaben fehlen. Man kann die Wörter trotzdem verstehen, weil genug von der Struktur erhalten bleibt. Der eigene Verstand füllt die Lücken ohne großen Aufwand. Beim Malen kann es ähnlich funktionieren. Wenn genügend von der Form vorhanden ist, bleibt das Bild stimmig, auch wenn Teile offenbleiben. Ich glaube, darin liegt etwas sehr Menschliches, denn wir vervollständigen ständig Dinge aus unvollständigen Informationen, ob uns das bewusst ist oder nicht.
Die schwarzen Linien sind wahrscheinlich der wiedererkennbarste Teil meiner Arbeit. Sie tauchten schon sehr früh in meinen Gemälden auf und wurden mit der Weiterentwicklung meiner Arbeit immer wichtiger. Manchmal nennen die Menschen die Linien Konturen, was ich nachvollziehen kann, aber so denke ich eigentlich nicht über sie. Sie können sich um Bäume, Wolken, Felsen, Tiere oder Farbflächen bewegen, sind aber nicht einfach nur dazu da, die Ränder der Dinge nachzuzeichnen.
Für mich schaffen die Linien Struktur, Bewegung und Energie. Sie helfen dabei, das Gemälde zu ordnen, verhindern aber zugleich, dass es zu statisch wirkt. Das Auge folgt einer Linie ganz natürlich. Es möchte wissen, wo die Linie beginnt, wohin sie führt, was sie berührt und wie sie mit dem Rest des Bildes verbunden ist. Diesen Instinkt nutze ich im gesamten Gemälde. Eine Linie kann sich durch Bäume bewegen, ins Wasser übergehen, in einer Wolke wieder auftauchen und dann durch eine Spiegelung zurückführen. Bei der Linie geht es weniger darum, eine Sache von einer anderen zu trennen, als vielmehr darum, den Betrachter durch die gesamte Szene zu führen.
Eine der engsten historischen Parallelen zu Teilen meiner Arbeit ist der Cloisonnismus, ein postimpressionistischer Stil, bei dem Farbflächen durch kräftige dunkle Konturen voneinander getrennt werden. Dadurch entsteht oft ein Effekt, der an Buntglas oder Cloisonné-Emaille erinnert. Ich verstehe, warum Menschen diesen Vergleich zu meinen Gemälden ziehen. Die dunkle Linienführung und die voneinander getrennten Farbflächen können ein solches Buntglasgefühl erzeugen, besonders wenn man das Gemälde aus einiger Entfernung betrachtet. Doch der Vergleich erklärt nur einen Teil davon. Im historischen Cloisonnismus teilen die Konturen die Farbe oft auf und halten sie in abgegrenzten Bereichen. In meiner Arbeit ist die Linie aktiver. Sie bewegt sich durch die Szene und wird Teil des Rhythmus des Gemäldes. Sie hilft dabei, Land, Wasser, Himmel, Bäume, Tierwelt, Wetter und Spiegelungen in eine größere, zusammenhängende Bewegung zu verbinden.
Der Postimpressionismus ist eine weitere hilfreiche Möglichkeit, Teile meiner Arbeit zu verstehen, weil er über einen strengen Realismus hinausging. Ich kann mich mit der Vorstellung identifizieren, dass Farbe und Form ausdrucksstark sein können, ohne wörtlich zu sein. Ich verstärke möglicherweise die Farben, vereinfache Formen oder betone die Bewegung, damit das Gemälde eher das Gefühl eines Ortes widerspiegelt als nur das, was physisch dort vorhanden war. Ich möchte weiterhin, dass das Motiv mit der natürlichen Welt verbunden ist, aber es soll nicht wie eine direkte Kopie wirken.
Vincent van Gogh wird oft erwähnt, wenn Menschen über die Bewegung in meinen Gemälden sprechen, besonders in den Himmeln, Bäumen, Spiralen und fließenden Linien. Ich kann diesen Vergleich nachvollziehen. In seinem Werk liegt ein Gefühl dafür, dass ein stilles Gemälde Bewegung in sich tragen kann, und diese Vorstellung hat mich schon immer interessiert. Ich versuche nicht, Van Gogh nachzuahmen, aber mich fasziniert die Art und Weise, wie Bewegung Teil der Struktur eines Gemäldes werden kann. Die Natur ist niemals wirklich still. Wolken verändern sich, Bäume biegen sich, Wasser wandelt sich, Licht bewegt sich, und das Wetter kann die Stimmung eines Ortes sehr schnell verändern. Ich möchte, dass ein Teil dieser Bewegung im fertigen Werk erhalten bleibt.
Auch die keltische Kunst war für mich wichtig, sowohl visuell als auch persönlich. Meine familiären Wurzeln liegen in Irland und Schottland, und ich habe mich diesem Teil meiner Herkunft schon immer verbunden gefühlt. Besuche in Irland und Schottland haben diese Verbindung vertieft. Die Landschaft, die Geschichte, das Design und die Atmosphäre dieser Orte sind mir im Gedächtnis geblieben, doch das Book of Kells hat einen der stärksten Eindrücke hinterlassen. Was mich am keltischen Design interessiert, ist die Art und Weise, wie Linien einen Fluss erzeugen können. Spiralen, verschlungene Formen und wiederkehrende Muster schmücken die Oberfläche nicht einfach nur. Sie lenken den Blick. Sie bewegen sich, kehren zurück, verbinden sich und setzen sich fort. Diese Vorstellung von Linie steht meiner eigenen Herangehensweise an die Malerei nahe. Ich mag es, wenn eine Linie mehr tut, als etwas zu beschreiben. Ich mag es, wenn sie einen Teil des Gemäldes in einen anderen hineinzieht und dem Bild ein Gefühl von Bewegung verleiht.
Da ein großer Teil meiner Arbeit aus Wäldern, Seen, Himmeln, Wetter, Wildtieren und der kanadischen Landschaft hervorgeht, bringen die Menschen sie manchmal mit der Group of Seven in Verbindung. Ich denke, dass dieser Vergleich eher dem Geist als dem direkten Erscheinungsbild nach sinnvoll ist. Die Group of Seven dokumentierten nicht einfach nur Landschaften. Sie versuchten, das Land auf eine persönliche, kraftvolle und eigenständige Weise zu interpretieren. Sie betrachteten Wälder, Felsen, Seen, Wetter und weite Räume als etwas, das mehr war als nur ein Anblick. Ich versuche nicht, wie sie zu malen, aber ich fühle mich mit dieser größeren Tradition verbunden, auf die kanadische Landschaft durch Malerei zu reagieren. Mein Ansatz ist anders, doch der Wunsch, die Natur zu interpretieren, anstatt sie lediglich festzuhalten, ist mir vertraut.
Mich interessiert die emotionale Anziehungskraft der Natur, die Struktur von Bäumen, die Bewegung von Wolken, das Gewicht von Fels und die Art und Weise, wie Farben die Stimmung eines Ortes verändern können. Das bedeutet nicht, dass ich versuche, die Natur in etwas Unwiedererkennbares zu verwandeln. Ich möchte weiterhin, dass die Betrachter diese Verbindung zu Land, Wasser, Himmel, Wetter und Lebendigem spüren. Ich möchte nur, dass das Bild durch meine eigene Art, die Welt zu sehen, zu ihnen gelangt.
Die Gestalttheorie bietet eine weitere Möglichkeit, darüber nachzudenken, wie meine Gemälde wahrgenommen werden. Sie befasst sich damit, wie der Verstand einzelne visuelle Elemente zu einem Ganzen ordnet. Das trifft auf meine Arbeit zu, weil die Gemälde oft darauf beruhen, dass viele kleinere Teile im Kopf des Betrachters zusammenfinden. Aus der Nähe sieht ein Bereich vielleicht nur wie ein Strich, eine Kurve, eine Textur oder ein Farbfleck aus. Aus größerer Entfernung beginnen sich diese Teile zu verbinden, und das größere Bild kehrt zurück. Ich mag es, dass sich ein Gemälde je nachdem verändern kann, wo man steht. Aus der Nähe möchte ich nicht unbedingt, dass alles sofort einen Sinn ergibt. Ich möchte, dass der Verstand des Betrachters für einen Moment von der größeren Struktur gelöst ist – fast so, als würde man Wolken betrachten und versuchen, Formen zu erkennen, die nicht ganz klar sind. Wenn man dann einen Schritt zurücktritt, fügt sich das Motiv allmählich wieder zusammen.
Auch die Art, wie ich ein Gemälde aufbaue, spielt dabei eine Rolle. Normalerweise beginne ich nicht damit, die gesamte schwarze Linienarbeit vorzuzeichnen. Meist kommt sie erst gegen Ende hinzu. Oft beginne ich mit einer farbigen Untermalung, die zu der Richtung passt, in die sich das Gemälde entwickeln soll, und baue darauf weitere Schichten auf. Die Formen sind zunächst grob angelegt und werden im Laufe der Entwicklung des Gemäldes immer präziser. Texturen entstehen, Formen verdichten sich, und allmählich beginnt das Gemälde, mir zu zeigen, was es braucht.
Wenn ich die Linienarbeit hinzufüge, hat das Gemälde bereits eine Richtung. Dann entscheide ich, wohin sich der Blick bewegen soll, wo das Bild Struktur braucht und wie die verschiedenen Bereiche miteinander verbunden werden. Manchmal definiert die Linie eine Form. Manchmal verleiht sie dem Bild Rhythmus. Manchmal lasse ich Bereiche mit nur sehr wenigen Linien, weil Farbe oder Textur allein schon genug bewirken. Die Linienarbeit ist nicht einfach etwas, das unter dem Gemälde liegt. Sie ist Teil der endgültigen Energie des Bildes.
Es ist schwer, genau zu erklären, woher ein persönlicher Stil kommt. Ich zeichne und male gern, seit ich jung war, und mit der Zeit nimmt man mehr in sich auf, als einem bewusst ist. Natur, Reisen, Kunstgeschichte, andere Künstler, Architektur, Licht, Farbe, Textur, Erinnerungen und persönliche Erfahrungen finden auf irgendeine Weise ihren Weg in die Arbeit. Manche Einflüsse lassen sich leicht benennen. Andere sind schwieriger zu verstehen.
Je intensiver ich malte, desto mehr ertappte ich mich dabei, darüber nachzudenken, was andere Künstler durchgemacht haben müssen, als sie versuchten, ihre eigene Stimme zu finden. Nicht nur, was sie malten, sondern auch, worauf sie immer wieder zurückkamen. Was sie zu lösen versuchten. Was sie offenbar nicht loslassen konnten. Ich glaube, dass man Einflüsse oft eher spürt, als dass man sie vollständig versteht. Man kann Künstler, Orte und Ideen bewundern, doch die eigene Arbeit muss trotzdem durch die eigenen Hände, Instinkte, Entscheidungen und Grenzen hindurch.
Für mich hat sich diese Art zu malen über mehr als fünfzehn Jahre und mehr als 300 Originalgemälde entwickelt. Sie entstand nicht auf einmal. Die kräftigen Farben, die schwarzen Linien, die natürlichen Motive, die Bewegung, die Atmosphäre und das Gleichgewicht zwischen Realismus und Abstraktion haben sich durch Wiederholung, Neugier und viele Anpassungen allmählich zusammengefügt. Der Cloisonnismus, der Postimpressionismus, Van Gogh, keltische Kunst, die Gestalttheorie und die Group of Seven helfen alle dabei, einzelne Aspekte meiner Arbeit zu erklären, doch keiner dieser Begriffe definiert sie vollständig. Meine Arbeit ist weiterhin in der Landschaftsmalerei verwurzelt, aber keine wörtlich-realistische Landschaftsmalerei. Sie ist ausdrucksstark, bleibt aber mit erkennbaren Motiven verbunden. Sie ist strukturiert, versucht jedoch stets, in Bewegung zu bleiben. Das ist wahrscheinlich die ehrlichste Art, wie ich meinen Stil beschreiben kann. Es ist meine Art, die natürliche Welt wahrzunehmen, sie auseinanderzunehmen und durch Linien, Farben, Rhythmus, Struktur und Gefühl wieder zusammenzusetzen.
Kurze Fragen und Antworten zu meinem Kunststil
Welchen Kunststil verfolgt Jeff Dillon?
Ich schaffe zeitgenössische Landschaftsgemälde, die zwischen Realismus und Abstraktion liegen. Meine Arbeiten verwenden kräftige Farben, fließende schwarze Linien, Struktur, Rhythmus und Bewegung, um das Gefühl der Natur auszudrücken, anstatt sie exakt zu kopieren.
Ist Jeff Dillons Kunst realistisch oder abstrakt?
Beides. Aus der Entfernung sind meine Gemälde meist als Landschaften, Wildtiere, Wälder, Seen, Himmel, Berge oder Naturszenen erkennbar. Aus der Nähe werden sie oft abstrakter und zerfallen in Linien, Formen, Farben, Muster und Strukturen.
Warum verwendet Jeff Dillon schwarze Linien in seinen Gemälden?
Ich verwende schwarze Linien, um Struktur, Bewegung und Energie zu erzeugen. Ich betrachte sie nicht als einfache Umrisse. Die Linien lenken den Blick durch das Gemälde und helfen dabei, verschiedene Teile der Komposition miteinander zu verbinden.
Wie entstehen Jeff Dillons Gemälde?
Normalerweise beginne ich mit einer farbigen Unterschicht und baue das Gemälde nach und nach in mehreren Schichten auf. Die Formen werden zunächst grob angelegt und im Laufe der Zeit immer weiter verfeinert. Die schwarzen Linien füge ich oft erst später hinzu, um die Bewegung zu lenken, die Struktur zu definieren und verschiedene Bildbereiche miteinander zu verbinden.
Mit welchen Kunstrichtungen steht Jeff Dillons Stil in Verbindung?
Meine Arbeit steht in Verbindung mit dem Cloisonnismus, dem Postimpressionismus, der Gestalttheorie, der keltischen Kunst, Vincent van Goghs Gespür für fließende Bewegungen und der kanadischen Landschaftstradition der Group of Seven. Das sind Bezugspunkte, keine strengen Kategorien.
Ist Jeff Dillons Werk von keltischer Kunst inspiriert?
Ja. Keltische Kunst hat beeinflusst, wie ich über Linien, Spiralen, Muster und Bewegung denke. Meine irischen und schottischen Wurzeln sowie meine Reisen nach Irland und Schottland haben diese Verbindung vertieft. Auch das Book of Kells war für mich eine wichtige visuelle Referenz.
Ist Jeff Dillons Werk von der Group of Seven inspiriert?
Meine Arbeit steht vor allem durch die kanadischen Motive und die übergeordnete Tradition, die Landschaft auf persönliche Weise zu interpretieren, mit der Group of Seven in Verbindung. Ich versuche nicht, ihre Arbeit nachzuahmen, fühle mich aber mit der Idee verbunden, eine eigenständige Antwort auf die natürliche Welt zu schaffen.
Wodurch sind Jeff Dillons Gemälde unverkennbar?
Meine Gemälde sind aufgrund ihrer kräftigen Farben, der fließenden schwarzen Linienführung, der starken Bewegung und des Wechsels zwischen Realismus und Abstraktion unverkennbar. Aus der Entfernung fügt sich das Motiv zusammen. Aus der Nähe offenbart das Gemälde abstraktere Muster, Texturen und Rhythmen.
Warum sehen Jeff Dillons Gemälde aus der Nähe anders aus?
Aus der Entfernung betrachtet, erscheint das Bild als vollständige Landschaft oder Naturszene. Aus der Nähe zerfällt das Gemälde in kleinere Elemente wie Linie, Textur und Farbe. Dieser Wechsel ermöglicht es, das Werk auf mehr als eine Weise zu erleben.
Welche Materialien verwendet Jeff Dillon?
Ich arbeite hauptsächlich mit pastosem Acryl auf Leinwand. Ich baue Schichten aus Farbe, Textur und Linien auf, um Tiefe und Bewegung innerhalb des Gemäldes zu erzeugen.
Was ist Cloisonnismus in der Kunst?
Der Cloisonnismus ist ein Stil, der sich im späten 19. Jahrhundert entwickelte und bei dem Flächen mit flachen Farben durch kräftige, dunkle Konturen voneinander getrennt werden. Er wurde von Künstlern wie Paul Gauguin und Émile Bernard verwendet und erzeugt oft einen Eindruck wie bei Glasmalerei.
Was ist der Postimpressionismus?
Der Postimpressionismus ist eine Kunstrichtung, die im späten 19. Jahrhundert auf den Impressionismus folgte. Künstler wie Vincent van Gogh, Paul Cézanne und Paul Gauguin konzentrierten sich stärker auf Struktur, Emotion und symbolische Farben statt nur auf die Darstellung von Licht und Realität.
Was ist die Gestalttheorie in der Kunst?
Die Gestalttheorie ist ein psychologisches Konzept, das erklärt, wie Menschen visuelle Elemente auf natürliche Weise zu vollständigen Formen ordnen. In der Kunst hilft sie zu erklären, wie Betrachter ein ganzes Bild erkennen können, selbst wenn es aus vielen einzelnen Teilen besteht.
Wer waren die Group of Seven?
Die Group of Seven waren eine Gruppe kanadischer Landschaftsmaler, die im frühen 20. Jahrhundert aktiv waren. Zu den wichtigsten Mitgliedern gehörten Lawren Harris, A.Y. Jackson, Franklin Carmichael, Arthur Lismer, J.E.H. MacDonald, Frederick Varley und Frank Johnston. Sie sind für die Entwicklung eines kühnen und expressiven Malstils bekannt, der von der kanadischen Wildnis inspiriert war.
Weiterführende Literatur
- Jeff Dillon, der Künstler, offizielle Biografie und Lebenslauf (CV)
- Cloisonnismus und Paul Gauguin, National Gallery of Art.
- Nach dem Impressionismus: vom Neoimpressionismus zum Fauvismus, Musée d'Orsay.
- Vincent van Gogh, Van Gogh Museum.
- Die Group of Seven, Tom Thomson und ihre Zeitgenossen, McMichael Canadian Art Collection.
- Gestaltprinzipien der Organisation, Tate: Finde es heraus
- Keltische Kunst und Geschichte
