Mijn kunststijl beschrijven is in de loop der tijd gemakkelijker geworden, maar ik begon niet met een duidelijk plan voor wat die precies moest zijn. Ik schilderde wat ik mooi vond, wat ik zag en wat ik voelde. Soms trok het onderwerp me aan, soms de kleur, soms de beweging en soms gewoon het gevoel verf op het doek aan te brengen en te zien waar die terechtkwam.
In de loop van vele jaren regelmatig schilderen kwamen bepaalde dingen steeds terug. De felle kleuren, het zwarte lijnwerk, de beweging, de natuurlijke onderwerpen en de ruimte tussen realisme en abstractie werden voor mij steeds herkenbaarder naarmate ik verder werkte. Ik denk niet dat ik de stijl heb gecreëerd door te gaan zitten en te beslissen hoe die eruit moest zien. Hij werd duidelijker door oefening. Toen mensen me begonnen te vragen hoe ik mijn werk zou omschrijven, ging ik op zoek naar woorden die het konden verklaren. Verwijzingen naar het cloisonnisme, het postimpressionisme, Vincent van Gogh, Keltische kunst, de gestaltpsychologie en de Group of Seven werden daarbij nuttig. Ze bepalen het werk niet volledig, maar helpen wel om delen te verklaren van wat ik visueel al jarenlang deed.
De beste manier waarop ik mijn schilderijen nu kan omschrijven, is dat ze ergens tussen realisme en abstractie in zitten. Ze zijn gebaseerd op bossen, meren, bergen, luchten, wilde dieren, het weer en de natuur, maar ik probeer die onderwerpen niet precies na te bootsen zoals ze eruitzien. Ik wil dat ze vertrouwd aanvoelen, maar niet vastliggen. Een boom moet nog steeds als een boom aanvoelen, water als water en een lucht heeft nog steeds atmosfeer nodig, maar ik ben meer geïnteresseerd in de beweging onder die dingen dan in het vastleggen van elk detail.
Van een afstand komen de meeste van mijn schilderijen samen tot herkenbare landschappen of natuurtaferelen. Je ziet misschien een bos, een meer, een vogel, een berg, een dier of een lucht vol beweging. Wanneer je dichterbij komt, begint het beeld losser te worden. Het grotere onderwerp valt uiteen in kleinere gebieden van kleur, lijn, textuur en vorm. Sommige gedeelten kunnen op zichzelf bijna abstract aanvoelen. Ik houd van die verandering, omdat het schilderij daardoor op meer dan één manier bekeken kan worden. Van de andere kant van de kamer kan het duidelijk zijn, en van dichtbij juist geheimzinniger.
Dat is wat ik bedoel wanneer ik zeg dat mijn werk zich tussen realisme en abstractie bevindt. Het onderwerp is er nog steeds, maar het wordt niet volledig uitgeschreven. Ik voel niet de behoefte om elke tak, rots, veer, wolkenrand of weerspiegeling te beschrijven. Soms wordt een schilderij interessanter wanneer er genoeg informatie aanwezig is, maar niet alles voor de kijker is ingevuld. Ik vergelijk het vaak met het lezen van een zin waarin een paar letters ontbreken. Je kunt de woorden nog steeds begrijpen, omdat genoeg van de structuur behouden is gebleven. Je geest vult de hiaten zonder veel moeite in. Schilderkunst kan op een vergelijkbare manier werken. Als er genoeg van de vorm aanwezig is, blijft het beeld samenhangend, ook wanneer delen open zijn gelaten. Ik denk dat daar iets heel menselijks in zit, omdat we voortdurend dingen aanvullen op basis van gedeeltelijke informatie, of we ons daar nu bewust van zijn of niet.
De zwarte lijnvoering is waarschijnlijk het meest herkenbare onderdeel van wat ik doe. Ze verscheen al heel vroeg in mijn schilderijen en werd belangrijker naarmate het werk zich ontwikkelde. Mensen noemen de lijnen soms contouren, wat ik begrijp, maar zo zie ik ze eigenlijk niet. Ze kunnen rond bomen, wolken, rotsen, dieren of kleurvlakken bewegen, maar ze zijn er niet simpelweg om de randen van dingen te omlijnen.
Voor mij creëren de lijnen structuur, beweging en energie. Ze helpen het schilderij te ordenen, maar voorkomen ook dat het te statisch wordt. Je oog volgt van nature een lijn. Het wil weten waar de lijn begint, waarheen ze loopt, wat ze raakt en hoe ze verbonden is met de rest van het beeld. Ik gebruik dat instinct in het hele schilderij. Een lijn kan door bomen lopen, het water in gaan, opnieuw in een wolk verschijnen en vervolgens via een weerspiegeling terugkeren. De lijn gaat er minder om het ene van het andere te scheiden en meer om de kijker door het hele tafereel te leiden.
Een van de nauwste historische vergelijkingen met delen van mijn werk is cloisonnisme, een postimpressionistische stijl waarin kleurvlakken worden gescheiden door sterke donkere contouren. Dit creëert vaak een effect dat lijkt op glas-in-lood of cloisonné-email. Ik begrijp waarom mensen die vergelijking met mijn schilderijen maken. De donkere lijnvoering en gescheiden kleurvlakken kunnen dat glas-in-loodgevoel oproepen, vooral wanneer het schilderij van een afstand wordt bekeken. Maar de vergelijking verklaart slechts een deel ervan. In het historische cloisonnisme verdelen en begrenzen de contouren de kleur vaak. In mijn werk is de lijn actiever. Ze beweegt door het tafereel en wordt onderdeel van het ritme van het schilderij. Ze helpt land, water, lucht, bomen, dieren, weer en weerspiegeling samen te brengen in één grotere beweging.
Postimpressionisme is een andere nuttige manier om delen van mijn werk te begrijpen, omdat deze stroming verder ging dan strikt realisme. Ik herken mij in het idee dat kleur en vorm expressief kunnen zijn zonder letterlijk te zijn. Ik kan kleuren versterken, vormen vereenvoudigen of beweging benadrukken, zodat het schilderij het gevoel van een plek weerspiegelt in plaats van alleen wat er fysiek aanwezig was. Ik wil nog steeds dat het onderwerp verbonden is met de natuurlijke wereld, maar ik wil niet dat het aanvoelt als een directe kopie.
Vincent van Gogh komt vaak ter sprake wanneer mensen het hebben over beweging in mijn schilderijen, vooral in de luchten, bomen, spiralen en vloeiende lijnen. Ik begrijp die vergelijking. In zijn werk zit een gevoel dat een stilstaand schilderij beweging kan bevatten, en dat idee heeft me altijd geïnteresseerd. Ik probeer Van Gogh niet na te bootsen, maar voel me aangetrokken tot de manier waarop beweging onderdeel kan worden van de structuur van een schilderij. De natuur staat nooit echt stil. Wolken verschuiven, bomen buigen, water verandert, licht beweegt en het weer kan de sfeer van een plek heel snel veranderen. Ik wil dat iets van die beweging in het voltooide werk behouden blijft.
Keltische kunst is ook belangrijk voor me geweest, zowel visueel als persoonlijk. Mijn familiewortels liggen in Ierland en Schotland, en ik heb me altijd verbonden gevoeld met dat deel van mijn achtergrond. Bezoeken aan Ierland en Schotland hebben die band verdiept. Het landschap, de geschiedenis, het ontwerp en de sfeer van die plaatsen zijn me bijgebleven, maar het Book of Kells heeft een van de sterkste indrukken op me gemaakt. Wat me aanspreekt in Keltisch ontwerp is de manier waarop lijn beweging kan creëren. Spiralen, in elkaar gevlochten vormen en herhaalde patronen versieren niet alleen het oppervlak. Ze leiden het oog. Ze bewegen, keren terug, verbinden en gaan door. Die manier van denken over lijn sluit aan bij de manier waarop ik mijn eigen schilderijen benader. Ik vind het mooi wanneer een lijn meer doet dan iets beschrijven. Ik vind het mooi wanneer een lijn het ene deel van het schilderij naar het andere trekt en het beeld een gevoel van beweging geeft.
Omdat zoveel van mijn werk voortkomt uit bossen, meren, luchten, weersomstandigheden, wilde dieren en het Canadese landschap, brengen mensen het soms in verband met de Group of Seven. Ik denk dat die vergelijking eerder in geest dan in directe verschijningsvorm opgaat. De Group of Seven legden niet simpelweg landschappen vast. Ze probeerden het land te interpreteren op een manier die persoonlijk, krachtig en onderscheidend aanvoelde. Ze bekeken bossen, rotsen, meren, het weer en open ruimtes als iets dat meer was dan alleen een uitzicht. Ik probeer niet zoals zij te schilderen, maar voel me wel verbonden met die bredere traditie om via verf op het Canadese landschap te reageren. Mijn aanpak is anders, maar het verlangen om de natuur te interpreteren in plaats van haar alleen vast te leggen, begrijp ik goed.
Ik ben geïnteresseerd in de emotionele aantrekkingskracht van de natuur, de structuur van bomen, de beweging van wolken, het gewicht van gesteente en de manier waarop kleur de sfeer van een plek kan veranderen. Dat betekent niet dat ik de natuur probeer om te vormen tot iets onherkenbaars. Ik wil nog steeds dat de kijker die verbinding met land, water, lucht, weer en levende wezens voelt. Ik wil alleen dat het beeld ontstaat via mijn eigen manier van kijken.
De gestaltpsychologie is een andere manier om na te denken over hoe mijn schilderijen worden waargenomen. Ze kijkt naar de manier waarop de geest afzonderlijke visuele elementen tot een geheel ordent. Dat is van toepassing op mijn werk, omdat de schilderijen vaak steunen op het samenkomen van veel kleinere onderdelen in de geest van de kijker. Van dichtbij lijkt een gebied misschien gewoon een markering, een curve, een textuur of een kleurvlak. Van verderaf beginnen die onderdelen zich met elkaar te verbinden en keert het grotere beeld terug. Ik vind het mooi dat een schilderij kan veranderen afhankelijk van waar je staat. Van dichtbij wil ik niet per se dat alles meteen duidelijk is. Ik wil dat de geest van de kijker even vrij is van de grotere structuur, bijna alsof je naar wolken kijkt en probeert vormen te begrijpen die niet helemaal helder zijn. Wanneer je vervolgens een stap achteruit doet, begint het onderwerp weer samen te komen.
Ook de manier waarop ik een schilderij opbouw speelt hierin een rol. Meestal begin ik niet met het tekenen van alle zwarte lijnen. Dat gebeurt doorgaans pas tegen het einde. Vaak begin ik met een onderlaag van kleur die aansluit bij de richting die het schilderij uitgaat, en bouw ik van daaruit verder in lagen. Vormen beginnen breed en worden verfijnder naarmate het schilderij zich ontwikkelt. Texturen verschijnen, vormen worden samengebracht en het schilderij begint me langzaam te vertellen wat het nodig heeft.
Tegen de tijd dat ik de lijntekening toevoeg, heeft het schilderij al een richting. Dan beslis ik waar het oog naartoe moet bewegen, waar het beeld structuur nodig heeft en hoe verschillende gebieden met elkaar moeten worden verbonden. Soms definieert de lijn een vorm. Soms voegt ze ritme toe. Soms laat ik delen met heel weinig lijn, omdat kleur of textuur op zichzelf al genoeg doet. De lijntekening is niet zomaar iets onder het schilderij. Ze maakt deel uit van de uiteindelijke energie van het werk.
Het is moeilijk om precies uit te leggen waar een persoonlijke stijl vandaan komt. Sinds mijn jeugd vind ik schetsen, tekenen en schilderen leuk, en na verloop van tijd neem je meer in je op dan je beseft. De natuur, reizen, kunstgeschiedenis, andere kunstenaars, architectuur, licht, kleur, textuur, herinneringen en persoonlijke ervaringen vinden op de een of andere manier allemaal hun weg naar het werk. Sommige invloeden zijn gemakkelijk te benoemen. Andere zijn moeilijker te begrijpen.
Hoe serieuzer ik schilderde, hoe vaker ik mezelf erop betrapte dat ik nadacht over wat andere kunstenaars moeten hebben doorgemaakt terwijl ze probeerden hun eigen stem te vinden. Niet alleen over wat ze schilderden, maar ook over waar ze steeds naar terugkeerden. Wat ze probeerden op te lossen. Wat ze maar niet konden loslaten. Ik denk dat invloed vaak eerder wordt gevoeld dan volledig begrepen. Je kunt kunstenaars, plaatsen en ideeën bewonderen, maar je eigen werk moet nog altijd door je eigen handen, instincten, beslissingen en beperkingen heen.
Voor mij heeft deze manier van schilderen zich in meer dan vijftien jaar en meer dan 300 originele schilderijen ontwikkeld. Het ontstond niet allemaal in één keer. De krachtige kleuren, het zwarte lijnwerk, de natuurlijke onderwerpen, beweging, sfeer en balans tussen realisme en abstractie kwamen langzaam samen door herhaling, nieuwsgierigheid en veel bijsturing. Het cloisonnisme, postimpressionisme, Van Gogh, Keltische kunst, de gestaltpsychologie en de Group of Seven helpen allemaal om delen van mijn werkwijze te verklaren, maar geen ervan definieert die volledig. Mijn werk is nog steeds geworteld in de landschapsschilderkunst, maar het is geen letterlijke landschapsschilderkunst. Het is expressief, maar blijft verbonden met herkenbare onderwerpen. Het is gestructureerd, maar probeert altijd te bewegen. Dat is waarschijnlijk de eerlijkste manier waarop ik mijn stijl kan beschrijven. Het is mijn manier om de natuurlijke wereld te bekijken, haar uiteen te nemen en haar via lijnen, kleur, ritme, textuur en gevoel weer samen te stellen.
Korte vragen en antwoorden over mijn kunststijl
Welke kunststijl heeft Jeff Dillon?
Ik maak hedendaagse landschapsschilderijen die zich tussen realisme en abstractie bevinden. In mijn werk gebruik ik krachtige kleuren, vloeiend zwart lijnwerk, textuur, ritme en beweging om het gevoel van de natuur uit te drukken in plaats van die exact na te bootsen.
Is de kunst van Jeff Dillon realistisch of abstract?
Het is allebei. Van een afstand zijn mijn schilderijen meestal herkenbaar als landschappen, wilde dieren, bossen, meren, luchten, bergen of natuurtaferelen. Van dichtbij worden ze vaak abstracter en vallen ze uiteen in lijnen, vormen, kleur, patronen en textuur.
Waarom gebruikt Jeff Dillon zwarte lijnen in zijn schilderijen?
Ik gebruik zwarte lijnen om structuur, beweging en energie te creëren. Ik zie ze niet als eenvoudige contouren. De lijnen leiden het oog van de kijker door het schilderij en helpen verschillende delen van de compositie met elkaar te verbinden.
Hoe maakt Jeff Dillon zijn schilderijen?
Meestal begin ik met een onderlaag van kleur en bouw ik het schilderij geleidelijk op in lagen. Vormen worden eerst globaal aangezet en in de loop van de tijd verfijnder. Het zwarte lijnwerk voeg ik vaak later in het proces toe om beweging te sturen, structuur te definiëren en verschillende delen van het beeld met elkaar te verbinden.
Welke kunststromingen houden verband met de stijl van Jeff Dillon?
Mijn werk heeft raakvlakken met het cloisonnisme, het postimpressionisme, de gestaltpsychologie, Keltische kunst, Vincent van Goghs gevoel voor vloeiende beweging en de Canadese landschapstraditie van de Group of Seven. Dit zijn referentiepunten, geen strikte labels.
Is het werk van Jeff Dillon geïnspireerd door Keltische kunst?
Ja. Keltische kunst heeft invloed gehad op de manier waarop ik denk over lijnen, spiralen, patronen en beweging. Mijn Ierse en Schotse afkomst, samen met bezoeken aan Ierland en Schotland, hebben die band verdiept. Het Book of Kells is voor mij ook een belangrijke visuele referentie geweest.
Is het werk van Jeff Dillon geïnspireerd door de Group of Seven?
Mijn werk sluit vooral aan bij The Group of Seven door het Canadese onderwerp en de bredere traditie om het landschap op een persoonlijke manier te interpreteren. Ik probeer hun werk niet na te bootsen, maar voel me wel verbonden met het idee om een onderscheidende reactie op de natuurlijke wereld te creëren.
Wat maakt de schilderijen van Jeff Dillon herkenbaar?
Mijn schilderijen zijn herkenbaar door hun gedurfde kleurgebruik, vloeiende zwarte lijnvoering, sterke beweging en de manier waarop ze verschuiven tussen realisme en abstractie. Van een afstand komt het onderwerp samen. Van dichtbij onthult het schilderij meer abstracte patronen, texturen en ritmes.
Waarom zien de schilderijen van Jeff Dillon er van dichtbij anders uit?
Van een afstand komt het beeld over als een volledig landschap of een natuurlijke scène. Van dichtbij valt het schilderij uiteen in kleinere elementen zoals lijn, textuur en kleur. Door deze verschuiving kan het werk op meer dan één manier worden ervaren.
Welke materialen gebruikt Jeff Dillon?
Ik werk voornamelijk met acrylverf met een hoge viscositeit op doek. Ik bouw lagen kleur, textuur en lijnen op om diepte en beweging in het schilderij te creëren.
Wat is cloisonnisme in de kunst?
Cloisonnisme is een stijl die aan het einde van de 19e eeuw ontstond, waarbij vlakken met egale kleuren van elkaar worden gescheiden door krachtige, donkere contouren. De stijl werd gebruikt door kunstenaars als Paul Gauguin en Émile Bernard en creëert vaak een effect dat doet denken aan glas-in-lood.
Wat is het postimpressionisme?
Het postimpressionisme is een kunststroming die het impressionisme aan het einde van de 19e eeuw opvolgde. Kunstenaars als Vincent van Gogh, Paul Cézanne en Paul Gauguin richtten zich meer op structuur, emotie en symbolische kleuren dan alleen op het vastleggen van licht en realisme.
Wat is de gestaltpsychologie in de kunst?
De gestaltpsychologie is een psychologisch concept dat verklaart hoe mensen visuele elementen van nature ordenen tot volledige vormen. In de kunst helpt dit verklaren hoe kijkers een volledig beeld kunnen zien, zelfs wanneer het uit veel afzonderlijke delen bestaat.
Wie waren The Group of Seven?
The Group of Seven was een groep Canadese landschapsschilders die actief waren aan het begin van de 20e eeuw. Tot de belangrijkste leden behoorden Lawren Harris, A.Y. Jackson, Franklin Carmichael, Arthur Lismer, J.E.H. MacDonald, Frederick Varley en Frank Johnston. Ze staan bekend om de ontwikkeling van een gedurfde en expressieve schilderstijl, geïnspireerd door de Canadese wildernis.
Verder lezen
- Jeff Dillon, de kunstenaar, officiële biografie en curriculum vitae (cv)
- Cloisonnisme en Paul Gauguin, National Gallery of Art.
- Na het impressionisme, van het neo-impressionisme tot het fauvisme, Musée d'Orsay.
- Vincent van Gogh, Van Gogh Museum.
- The Group of Seven, Tom Thomson en hun tijdgenoten, McMichael-collectie Canadese kunst.
- Gestaltprincipes van organisatie, Tate Zoek het uit
- Keltische kunst en geschiedenis
