Det har blitt enklere å beskrive kunststilen min med tiden, men jeg startet ikke med en klar plan for hva den skulle være. Jeg malte det jeg likte, det jeg så, og det jeg følte. Noen ganger var det motivet som trakk meg inn, noen ganger fargen, noen ganger bevegelsen, og noen ganger ganske enkelt følelsen av å legge maling på lerretet og se hvor den førte.
Gjennom mange år med jevnlig maling var det visse ting som stadig vendte tilbake. De sterke fargene, det svarte linjearbeidet, bevegelsen, naturmotivene og rommet mellom realisme og abstraksjon ble stadig mer gjenkjennelige for meg etter hvert som jeg fortsatte å arbeide. Jeg tror ikke jeg skapte stilen ved å sette meg ned og bestemme hvordan den skulle se ut. Den ble tydeligere gjennom øvelse. Da folk begynte å spørre meg hvordan jeg ville beskrive arbeidet mitt, begynte jeg å lete etter et språk som kunne forklare det. Det var da referanser som kloisonnisme, postimpresjonisme, Vincent van Gogh, keltisk kunst, gestaltteori og Group of Seven ble nyttige. De definerer ikke arbeidet fullstendig, men de bidrar til å forklare deler av det jeg allerede hadde gjort visuelt i mange år.
Den nærmeste måten jeg kan beskrive maleriene mine på nå, er at de befinner seg et sted mellom realisme og abstraksjon. De bygger på skoger, innsjøer, fjell, himmel, dyreliv, vær og naturen, men jeg prøver ikke å gjenskape disse motivene nøyaktig slik de fremtrer. Jeg vil at de skal føles kjente, men ikke fastlåste. Et tre må fortsatt føles som et tre, vann må fortsatt føles som vann, og en himmel trenger fortsatt atmosfære, men jeg er mer interessert i bevegelsen under disse tingene enn i å registrere hver eneste detalj.
På avstand fremstår de fleste av maleriene mine som gjenkjennelige landskap eller naturscener. Du kan se en skog, en innsjø, en fugl, et fjell, et dyr eller en himmel full av bevegelse. Når du går nærmere, begynner bildet å løsne. Det større motivet brytes opp i mindre områder med farge, linje, tekstur og form. Noen partier kan nesten virke abstrakte i seg selv. Jeg liker denne forandringen fordi den gir maleriet mer enn én måte å bli sett på. Det kan være tydelig fra den andre siden av rommet, og deretter mer mystisk på nært hold.
Det er dette jeg mener når jeg sier at arbeidet mitt befinner seg mellom realisme og abstraksjon. Motivet er fortsatt der, men det er ikke fullt ut forklart. Jeg føler ikke behov for å beskrive hver eneste gren, stein, fjær, skykant eller speiling. Noen ganger blir et maleri mer interessant når det finnes nok informasjon, men ikke alt er ferdigstilt for betrakteren. Jeg sammenligner det ofte med å lese en setning der noen bokstaver mangler. Du kan fortsatt forstå ordene fordi nok av strukturen er bevart. Hjernen fyller inn hullene uten særlig anstrengelse. Maleriet kan fungere på en lignende måte. Hvis nok av formen er til stede, henger bildet sammen, selv når deler er åpne. Jeg tror det er noe svært menneskelig ved det, fordi vi alltid fullfører ting ut fra ufullstendig informasjon, enten vi er klar over det eller ikke.
De svarte linjene er sannsynligvis den mest gjenkjennelige delen av det jeg gjør. De dukket opp svært tidlig i maleriene mine og ble viktigere etter hvert som arbeidet utviklet seg. Folk kaller dem noen ganger konturer, noe jeg forstår, men det er egentlig ikke slik jeg ser på dem. De kan bevege seg rundt trær, skyer, steiner, dyr eller fargeflater, men de er ikke der bare for å tegne opp kanten på ting.
For meg skaper linjene struktur, bevegelse og energi. De bidrar til å organisere maleriet, men hindrer det også i å bli for stillestående. Blikket følger naturlig en linje. Det vil vite hvor linjen begynner, hvor den beveger seg, hva den berører, og hvordan den henger sammen med resten av bildet. Jeg bruker dette instinktet gjennom hele maleriet. En linje kan bevege seg gjennom trær, krysse over i vannet, dukke opp igjen i en sky og så vende tilbake gjennom et speilbilde. Linjen handler mindre om å skille én ting fra en annen og mer om å lede betrakteren gjennom hele scenen.
En av de nærmeste historiske sammenligningene med deler av arbeidet mitt er kloisonnisme, en postimpresjonistisk stil der fargeflater skilles av markante, mørke konturer. Det skaper ofte en virkning som minner om glassmalerier eller emaljearbeid i kloisonné-teknikk. Jeg forstår hvorfor folk sammenligner maleriene mine med dette. De mørke linjene og de adskilte fargeflatene kan skape en slik følelse av glassmaleri, særlig når maleriet betraktes på avstand. Men sammenligningen forklarer bare en del av det. I historisk kloisonnisme deler konturene ofte opp og avgrenser fargene. I arbeidet mitt er linjen mer aktiv. Den beveger seg gjennom scenen og blir en del av maleriets rytme. Den bidrar til å knytte land, vann, himmel, trær, dyreliv, vær og speilbilder sammen i én større bevegelse.
Postimpresjonisme er en annen nyttig måte å forstå deler av arbeidet mitt på, fordi det beveget seg bort fra streng realisme. Jeg kjenner meg igjen i tanken om at farge og form kan være uttrykksfulle uten å være bokstavelige. Jeg kan forsterke fargene, forenkle formene eller fremheve bevegelsen, slik at maleriet gjenspeiler følelsen av et sted, snarere enn bare det som fysisk var der. Jeg ønsker fortsatt at motivet skal være knyttet til naturen, men jeg vil ikke at det skal føles som en direkte kopi.
Vincent van Gogh blir ofte nevnt når folk snakker om bevegelsen i maleriene mine, særlig i himlene, trærne, spiralene og de flytende linjene. Jeg forstår sammenligningen. Det finnes en følelse i arbeidene hans av at et stillestående maleri kan romme bevegelse, og den tanken har alltid interessert meg. Jeg prøver ikke å etterligne Van Gogh, men jeg tiltrekkes av måten bevegelse kan bli en del av strukturen i et maleri på. Naturen er aldri helt stille. Skyer skifter, trær bøyer seg, vann forandrer seg, lyset beveger seg, og været kan endre stemningen på et sted svært raskt. Jeg vil at noe av denne bevegelsen skal forbli i det ferdige verket.
Keltisk kunst har også vært viktig for meg, både visuelt og personlig. Familien min har irske og skotske røtter, og jeg har alltid følt en tilknytning til denne delen av bakgrunnen min. Besøk i Irland og Skottland utdypet denne forbindelsen. Landskapet, historien, designet og atmosfæren på disse stedene gjorde inntrykk på meg, men Book of Kells gjorde et av de sterkeste inntrykkene. Det som interesserer meg ved keltisk design, er hvordan linjer kan skape flyt. Spiraler, sammenflettede former og gjentatte mønstre dekorerer ikke bare overflaten. De leder blikket. De beveger seg, vender tilbake, knytter seg sammen og fortsetter. Denne måten å tenke om linjer på føles nær måten jeg selv arbeider med maleriene mine på. Jeg liker når en linje gjør mer enn å beskrive noe. Jeg liker når den trekker én del av maleriet inn i en annen og gir bildet en følelse av bevegelse.
Fordi så mye av arbeidet mitt springer ut fra skoger, innsjøer, himmel, vær, dyreliv og det kanadiske landskapet, knytter folk det noen ganger til Group of Seven. Jeg synes sammenligningen gir mer mening i ånden enn i det direkte uttrykket. Group of Seven dokumenterte ikke bare landskap. De prøvde å tolke landet på en måte som føltes personlig, dristig og særpreget. De så på skoger, steiner, innsjøer, vær og åpne rom som noe mer enn et utsyn. Jeg prøver ikke å male som dem, men jeg føler meg knyttet til denne større tradisjonen med å reagere på det kanadiske landskapet gjennom maleriet. Tilnærmingen min er annerledes, men ønsket om å tolke naturen fremfor bare å registrere den er noe jeg forstår.
Jeg er opptatt av naturens følelsesmessige tiltrekningskraft, trærnes struktur, skyenes bevegelser, steinens tyngde og måten farger kan endre opplevelsen av et sted på. Det betyr ikke at jeg prøver å gjøre naturen ugjenkjennelig. Jeg vil fortsatt at betrakteren skal føle denne forbindelsen til land, vann, himmel, vær og levende ting. Jeg vil bare at bildet skal formidles gjennom min egen måte å se det på.
Gestaltteori er en annen måte å tenke på hvordan maleriene mine blir sett på. Den handler om hvordan sinnet organiserer separate visuelle elementer til en helhet. Det gjelder arbeidet mitt fordi maleriene ofte er avhengige av at mange mindre deler settes sammen i betrakterens sinn. På nært hold kan et område bare se ut som et merke, en kurve, en tekstur eller en fargeflekk. På avstand begynner delene å knytte seg sammen, og det større bildet trer frem igjen. Jeg liker at et maleri kan endre seg avhengig av hvor du står. På nært hold ønsker jeg ikke nødvendigvis at alt skal gi umiddelbar mening. Jeg vil at betrakterens sinn et øyeblikk skal være fritt fra den større strukturen, nesten som når man ser på skyer og prøver å få mening ut av former som ikke er helt tydelige. Når du så tar et skritt tilbake, begynner motivet å tre frem igjen.
Måten jeg bygger opp et maleri på, spiller også inn her. Jeg begynner vanligvis ikke med å tegne alle de svarte linjene. Som oftest kommer de nærmere slutten. Jeg begynner ofte med et underlag av farger som henger sammen med retningen maleriet skal ta, og bygger deretter lag på lag. Formene starter bredt og blir mer raffinerte etter hvert som maleriet utvikler seg. Teksturer oppstår, former fortettes, og maleriet begynner langsomt å fortelle meg hva det trenger.
Når jeg legger til linjearbeidet, har maleriet allerede en retning. Det er da jeg bestemmer hvor øyet skal bevege seg, hvor bildet trenger struktur, og hvordan ulike områder skal knyttes sammen. Noen ganger definerer linjen en form. Noen ganger tilfører den rytme. Noen ganger lar jeg deler ha svært lite linjearbeid fordi fargen eller teksturen gjør nok på egen hånd. Linjearbeidet er ikke bare noe som ligger under maleriet. Det er en del av verkets endelige energi.
Det er vanskelig å forklare nøyaktig hvor en personlig stil kommer fra. Jeg har likt å skisse, tegne og male siden jeg var ung, og over tid tar man til seg mer enn man er klar over. Natur, reiser, kunsthistorie, andre kunstnere, arkitektur, lys, farge, tekstur, minner og personlige erfaringer finner på en eller annen måte veien inn i arbeidet. Noen påvirkninger er enkle å sette navn på. Andre er vanskeligere å forstå.
Jo mer seriøst jeg malte, desto mer tok jeg meg i å tenke på hva andre kunstnere må ha gått gjennom mens de forsøkte å finne sitt eget uttrykk. Ikke bare hva de malte, men hva de stadig vendte tilbake til. Hva de prøvde å løse. Hva de ikke klarte å la ligge. Jeg tror påvirkning ofte merkes sterkere enn den fullt ut forstås. Du kan beundre kunstnere, steder og ideer, men ditt eget arbeid må fortsatt gå gjennom dine egne hender, instinkter, valg og begrensninger.
For meg har denne måten å male på utviklet seg gjennom mer enn femten år og over 300 originale malerier. Den oppsto ikke på én gang. De sterke fargene, det svarte linjearbeidet, de naturlige motivene, bevegelsen, atmosfæren og balansen mellom realisme og abstraksjon har vokst frem gradvis gjennom gjentakelse, nysgjerrighet og mange justeringer. Kloisonnisme, postimpresjonisme, Van Gogh, keltisk kunst, gestaltteori og Group of Seven bidrar alle til å forklare deler av det jeg gjør, men ingen av dem definerer det fullt ut. Arbeidet mitt er fortsatt forankret i landskapsmaleriet, men det er ikke et bokstavelig landskapsmaleri. Det er uttrykksfullt, men fortsatt knyttet til gjenkjennelige motiver. Det er strukturert, men prøver alltid å være i bevegelse. Det er sannsynligvis den mest ærlige måten jeg kan beskrive stilen min på. Det er min måte å se den naturlige verden på, bryte den fra hverandre og sette den sammen igjen gjennom linjer, farger, rytme, tekstur og følelse.
Kort spørsmål og svar om kunststilen min
Hvilken kunststil arbeider Jeff Dillon i?
Jeg lager moderne landskapsmalerier som befinner seg mellom realisme og abstraksjon. Arbeidet mitt bruker sterke farger, flytende svart linjearbeid, tekstur, rytme og bevegelse for å uttrykke følelsen av naturen i stedet for å kopiere den nøyaktig.
Er Jeff Dillons kunst realistisk eller abstrakt?
Det er begge deler. På avstand er maleriene mine vanligvis gjenkjennelige som landskap, dyreliv, skoger, innsjøer, himmel, fjell eller naturscener. På nært hold blir de ofte mer abstrakte og brytes ned i linjer, former, farger, mønstre og tekstur.
Hvorfor bruker Jeff Dillon svarte linjer i maleriene sine?
Jeg bruker svarte linjer for å skape struktur, bevegelse og energi. Jeg ser ikke på dem som enkle konturer. Linjene leder betrakterens blikk gjennom maleriet og bidrar til å knytte sammen ulike deler av komposisjonen.
Hvordan lager Jeff Dillon maleriene sine?
Jeg begynner vanligvis med et underlag av farger og bygger maleriet gradvis opp gjennom lag. Formene starter bredt og blir mer raffinerte over tid. Det svarte linjearbeidet legges ofte til senere i prosessen for å styre bevegelsen, definere strukturen og knytte sammen ulike deler av bildet.
Hvilke kunstretninger kan knyttes til Jeff Dillons stil?
Arbeidet mitt har forbindelser til kloisonnisme, postimpresjonisme, gestaltteori, keltisk kunst, Vincent van Goghs følelse for flytende bevegelse og den kanadiske landskapstradisjonen til Group of Seven. Dette er referansepunkter, ikke strenge betegnelser.
Er Jeff Dillons arbeid inspirert av keltisk kunst?
Ja. Keltisk kunst har påvirket hvordan jeg tenker på linjer, spiraler, mønstre og bevegelse. Mine irske og skotske røtter, sammen med besøk i Irland og Skottland, har utdypet denne forbindelsen. Kellsboken har også vært en viktig visuell referanse for meg.
Er Jeff Dillons arbeid inspirert av Group of Seven?
Arbeidet mitt er først og fremst knyttet til Gruppen på sju gjennom kanadiske motiver og den bredere tradisjonen med å tolke landskapet på en personlig måte. Jeg prøver ikke å etterligne arbeidene deres, men føler meg knyttet til ideen om å skape en særpreget respons på naturen.
Hva gjør Jeff Dillons malerier gjenkjennelige?
Maleriene mine er gjenkjennelige på grunn av de dristige fargene, de flytende svarte linjene, den sterke bevegelsen og måten de beveger seg mellom realisme og abstraksjon på. På avstand trer motivet sammen. På nært hold avslører maleriet flere abstrakte mønstre, teksturer og rytmer.
Hvorfor ser Jeff Dillons malerier annerledes ut på nært hold?
På avstand fremstår bildet som et komplett landskap eller en naturscene. På nært hold brytes maleriet opp i mindre elementer som linje, tekstur og farge. Dette skiftet gjør at verket kan oppleves på mer enn én måte.
Hvilke materialer bruker Jeff Dillon?
Jeg arbeider hovedsakelig med tykkflytende akrylmaling på lerret. Jeg bygger opp lag med farge, tekstur og linjer for å skape dybde og bevegelse i maleriet.
Hva er cloisonnisme i kunst?
Cloisonnisme er en stil som ble utviklet på slutten av 1800-tallet, der flater med jevn farge skilles av kraftige, mørke konturer. Den ble brukt av kunstnere som Paul Gauguin og Émile Bernard og skaper ofte en effekt som minner om glassmalerier.
Hva er postimpresjonisme?
Postimpresjonismen er en kunstretning som fulgte etter impresjonismen på slutten av 1800-tallet. Kunstnere som Vincent van Gogh, Paul Cézanne og Paul Gauguin fokuserte mer på struktur, følelser og symbolsk fargebruk enn på bare å gjengi lys og realisme.
Hva er gestaltteori i kunst?
Gestaltteorien er et psykologisk begrep som forklarer hvordan mennesker naturlig organiserer visuelle elementer til helhetlige former. I kunst bidrar den til å forklare hvordan betraktere kan se et helt bilde selv når det består av mange separate deler.
Hvem var Gruppen på sju?
Gruppen på sju var en gruppe kanadiske landskapsmalere som var aktive tidlig på 1900-tallet. Sentrale medlemmer var Lawren Harris, A.Y. Jackson, Franklin Carmichael, Arthur Lismer, J.E.H. MacDonald, Frederick Varley og Frank Johnston. De er kjent for å ha utviklet en dristig og uttrykksfull malestil inspirert av den kanadiske villmarken.
Videre lesning
- Jeff Dillon, kunstneren, offisiell biografi og CV
- Cloisonnisme og Paul Gauguin, Nasjonalgalleriet.
- Etter impresjonismen, fra nyimpresjonisme til fauvisme, Musée d'Orsay.
- Vincent van Gogh, Van Gogh-museet.
- Gruppen på sju, Tom Thomson og deres samtidige, McMichaels kanadiske kunstsamling.
- Gestaltprinsipper for organisering, Tate: Finn ut av det
- Keltisk kunst og historie
