Det har blivit lättare att beskriva min konstnärliga stil med tiden, men jag började inte med en tydlig plan för hur den skulle vara. Jag målade det jag tyckte om, det jag såg och det jag kände. Ibland var det motivet som fångade mig, ibland färgen, ibland rörelsen och ibland helt enkelt känslan av att lägga färg på duk och se vart den tog vägen.
Under många år av regelbundet måleri återkom vissa saker hela tiden. De starka färgerna, det svarta linjearbetet, rörelsen, naturmotiven och utrymmet mellan realism och abstraktion blev allt mer igenkännbara för mig medan jag fortsatte arbeta. Jag tror inte att jag skapade stilen genom att sätta mig ner och bestämma hur den skulle se ut. Den blev tydligare genom övning. När människor började fråga mig hur jag skulle beskriva mitt arbete började jag leta efter ord som kunde förklara det. Där blev hänvisningar till Cloisonnism, postimpressionismen, Vincent van Gogh, keltisk konst, gestaltteori och Group of Seven användbara. De definierar inte arbetet helt, men de hjälper till att förklara delar av det jag redan hade gjort visuellt i många år.
Det närmaste sättet jag kan beskriva mina målningar på nu är att de befinner sig någonstans mellan realism och abstraktion. De utgår från skogar, sjöar, berg, himlar, djurliv, väder och naturen, men jag försöker inte återskapa dessa motiv exakt så som de ser ut. Jag vill att de ska kännas välbekanta, men inte låsta. Ett träd måste fortfarande kännas som ett träd, vatten måste fortfarande kännas som vatten och en himmel behöver fortfarande ha atmosfär, men jag är mer intresserad av rörelsen under ytan i dessa saker än av att återge varje detalj.
På avstånd framträder de flesta av mina målningar som igenkännbara landskap eller naturscener. Du kanske ser en skog, en sjö, en fågel, ett berg, ett djur eller en himmel full av rörelse. När du kommer närmare börjar bilden lösas upp. Det större motivet bryts ner i mindre områden av färg, linjer, textur och form. Vissa delar kan nästan kännas abstrakta var för sig. Jag tycker om den förändringen eftersom den ger målningen mer än ett sätt att betraktas på. Den kan vara tydlig från andra sidan rummet och sedan mer gåtfull på nära håll.
Det är det jag menar när jag säger att mitt arbete befinner sig mellan realism och abstraktion. Motivet finns fortfarande där, men det är inte helt utskrivet. Jag känner inget behov av att beskriva varje gren, sten, fjäder, molnkant eller spegling. Ibland blir en målning mer intressant när tillräckligt mycket information finns på plats, men allt inte är färdigställt åt betraktaren. Jag jämför det ofta med att läsa en mening där några bokstäver saknas. Man kan fortfarande förstå orden eftersom tillräckligt mycket av strukturen finns kvar. Hjärnan fyller i luckorna utan större ansträngning. Måleri kan fungera på liknande sätt. Om tillräckligt mycket av formen finns där håller bilden ihop, även när delar lämnas öppna. Jag tror att det finns något väldigt mänskligt i det, eftersom vi hela tiden kompletterar saker utifrån ofullständig information, vare sig vi är medvetna om det eller inte.
De svarta linjerna är förmodligen den mest igenkännliga delen av det jag gör. De dök upp mycket tidigt i mina målningar och blev allt viktigare i takt med att arbetet utvecklades. Ibland kallar människor linjerna för konturer, vilket jag förstår, men det är egentligen inte så jag ser på dem. De kan röra sig runt träd, moln, stenar, djur eller färgfält, men de finns inte där enbart för att följa sakernas kanter.
För mig skapar linjerna struktur, rörelse och energi. De hjälper till att organisera målningen, men hindrar den också från att bli alltför stilla. Blicken följer naturligt en linje. Den vill veta var linjen börjar, vart den tar vägen, vad den berör och hur den hänger samman med resten av bilden. Jag använder den instinkten genom hela målningen. En linje kan röra sig genom träd, fortsätta ut i vatten, dyka upp igen i ett moln och sedan vända tillbaka genom en spegling. Linjen handlar mindre om att skilja en sak från en annan och mer om att vägleda betraktaren genom hela scenen.
En av de närmaste historiska jämförelserna med delar av mitt arbete är cloisonnismen, en postimpressionistisk stil där färgfält avgränsas av kraftiga mörka konturer. Den skapar ofta en effekt som påminner om målat glas eller cloisonnéemalj. Jag förstår varför människor gör den jämförelsen med mina målningar. De mörka linjerna och separerade färgfälten kan skapa den där känslan av målat glas, särskilt när målningen betraktas på avstånd. Men jämförelsen förklarar bara en del av det. Inom den historiska cloisonnismen delar konturerna ofta upp och innesluter färgen. I mitt arbete är linjen mer aktiv. Den rör sig genom scenen och blir en del av målningens rytm. Den hjälper till att förena land, vatten, himmel, träd, djurliv, väder och speglingar till en större, sammanhängande rörelse.
Postimpressionismen är ett annat användbart sätt att förstå delar av mitt arbete, eftersom den gick bortom strikt realism. Jag känner igen mig i idén att färg och form kan vara uttrycksfulla utan att vara bokstavliga. Jag kan förstärka färger, förenkla former eller betona rörelse så att målningen återspeglar känslan av en plats snarare än bara det som faktiskt fanns där. Jag vill fortfarande att motivet ska vara förbundet med naturen, men jag vill inte att det ska kännas som en direkt kopia.
Vincent van Gogh kommer ofta på tal när människor pratar om rörelse i mina målningar, särskilt i himlarna, träden, spiralerna och de flytande linjerna. Jag förstår den jämförelsen. Det finns en känsla i hans verk av att en stilla målning kan rymma rörelse, och den idén har alltid intresserat mig. Jag försöker inte efterlikna Van Gogh, men jag dras till hur rörelse kan bli en del av en målnings struktur. Naturen är aldrig riktigt stilla. Moln skiftar, träd böjer sig, vatten förändras, ljuset rör sig och vädret kan mycket snabbt förändra stämningen på en plats. Jag vill att en del av den rörelsen ska finnas kvar i det färdiga verket.
Keltisk konst har också varit viktig för mig, både visuellt och personligt. Mina familjerötter är irländska och skotska, och jag har alltid känt en koppling till den delen av min bakgrund. Besök i Irland och Skottland fördjupade den kopplingen. Landskapet, historien, formgivningen och atmosfären på dessa platser stannade kvar hos mig, men Kellsboken gjorde ett av de starkaste intrycken. Det som intresserar mig i keltisk formgivning är hur linjen kan skapa flöde. Spiraler, sammanflätade former och upprepade mönster dekorerar inte bara ytan. De leder ögat. De rör sig, återkommer, knyter samman och fortsätter. Det sättet att tänka kring linjen känns nära mitt eget sätt att närma mig mina målningar. Jag tycker om när en linje gör mer än att beskriva något. Jag tycker om när den drar en del av målningen in i en annan och ger bilden en känsla av rörelse.
Eftersom så mycket av mitt arbete hämtar inspiration från skogar, sjöar, himlar, väder, djurliv och det kanadensiska landskapet kopplar människor ibland ihop det med Group of Seven. Jag tycker att den jämförelsen stämmer bättre till andan än till det direkta uttrycket. Group of Seven dokumenterade inte bara landskap. De försökte tolka landet på ett sätt som kändes personligt, djärvt och särpräglat. De såg skogar, klippor, sjöar, väder och öppna vidder som något mer än en vy. Jag försöker inte måla som de gjorde, men jag känner en koppling till den större traditionen att genom måleriet förhålla sig till det kanadensiska landskapet. Mitt tillvägagångssätt är annorlunda, men önskan att tolka naturen snarare än att bara avbilda den är något jag förstår.
Jag är intresserad av naturens emotionella dragningskraft, trädens struktur, molnens rörelser, stenens tyngd och hur färg kan förändra känslan på en plats. Det betyder inte att jag försöker göra naturen till något oigenkännligt. Jag vill fortfarande att betraktaren ska känna den kopplingen till land, vatten, himmel, väder och levande varelser. Jag vill bara att bilden ska förmedlas genom mitt eget sätt att se den.
Gestaltteorin är ett annat sätt att tänka kring hur mina målningar betraktas. Den handlar om hur hjärnan organiserar separata visuella element till en helhet. Det gäller mitt arbete eftersom målningarna ofta bygger på att många mindre delar sammanfogas i betraktarens medvetande. På nära håll kanske ett område bara ser ut som ett märke, en kurva, en textur eller en färgfläck. På längre avstånd börjar delarna hänga samman och den större bilden återkommer. Jag tycker om att en målning kan förändras beroende på var man står. På nära håll vill jag inte nödvändigtvis att allt ska vara begripligt direkt. Jag vill att betraktarens medvetande för ett ögonblick ska få vara fritt från den större strukturen, ungefär som när man tittar på moln och försöker urskilja former som inte är helt tydliga. Sedan, när man tar ett steg tillbaka, börjar motivet åter ta form.
Sättet jag bygger upp en målning på spelar också in här. Jag börjar vanligtvis inte med att teckna alla svarta linjer. Oftast kommer de närmare slutet. Jag börjar ofta med en undergrund av färg som hör ihop med målningens riktning och bygger sedan lager därifrån. Former börjar brett och blir mer förfinade allteftersom målningen utvecklas. Texturer framträder, former förtätas och målningen börjar långsamt tala om för mig vad den behöver.
När jag lägger till linjearbetet har målningen redan en riktning. Det är då jag bestämmer vart blicken ska röra sig, var bilden behöver struktur och hur olika områden ska hänga samman. Ibland definierar linjen en form. Ibland tillför den rytm. Ibland lämnar jag delar med mycket lite linje, eftersom färgen eller texturen redan gör tillräckligt på egen hand. Linjearbetet är inte bara något som ligger under målningen. Det är en del av verkets slutliga energi.
Det är svårt att förklara exakt var en personlig stil kommer ifrån. Jag har tyckt om att skissa, teckna och måla sedan jag var ung, och med tiden tar man in mer än man inser. Natur, resor, konsthistoria, andra konstnärer, arkitektur, ljus, färg, textur, minnen och personliga erfarenheter hittar på något sätt alla in i arbetet. Vissa influenser är lätta att namnge. Andra är svårare att förstå.
Ju mer seriöst jag målade, desto mer kom jag på mig själv med att tänka på vad andra konstnärer måste ha gått igenom när de försökte hitta sitt eget uttryck. Inte bara vad de målade, utan också vad de ständigt återvände till. Vad de försökte lösa. Vad de inte verkade kunna släppa. Jag tror att inflytande ofta känns mer än det verkligen förstås. Man kan beundra konstnärer, platser och idéer, men det egna arbetet måste ändå gå genom ens egna händer, instinkter, beslut och begränsningar.
För mig har det här sättet att måla utvecklats under mer än femton år och genom mer än 300 originalmålningar. Det hände inte på en gång. De djärva färgerna, de svarta linjerna, naturmotiven, rörelsen, atmosfären och balansen mellan realism och abstraktion växte fram långsamt genom upprepning, nyfikenhet och många justeringar. Cloisonnism, postimpressionism, Van Gogh, keltisk konst, gestaltteori och Group of Seven hjälper alla till att förklara delar av det jag gör, men ingen av dem definierar det fullt ut. Mitt arbete har fortfarande sina rötter i landskapsmåleriet, men det är inte ett bokstavligt landskapsmåleri. Det är uttrycksfullt, men fortfarande kopplat till igenkännbara motiv. Det är strukturerat, men försöker alltid vara i rörelse. Det är förmodligen det ärligaste sättet jag kan beskriva min stil på. Det är mitt sätt att se den naturliga världen, bryta ner den och sätta ihop den igen genom linjer, färg, rytm, textur och känsla.
Snabba frågor och svar om min konststil
Vilken typ av konst skapar Jeff Dillon?
Jag skapar samtida landskapsmålningar som befinner sig mellan realism och abstraktion. I mitt arbete används djärva färger, flödande svarta linjer, textur, rytm och rörelse för att uttrycka naturens känsla snarare än att kopiera den exakt.
Är Jeff Dillons konst realistisk eller abstrakt?
Det är både och. På avstånd känns mina målningar vanligtvis igen som landskap, vilda djur, skogar, sjöar, himlar, berg eller naturscener. På nära håll blir de ofta mer abstrakta och bryts ner i linjer, former, färg, mönster och textur.
Varför använder Jeff Dillon svarta linjer i sina målningar?
Jag använder svarta linjer för att skapa struktur, rörelse och energi. Jag ser dem inte som enkla konturer. Linjerna leder betraktarens blick genom målningen och hjälper till att knyta samman olika delar av kompositionen.
Hur skapar Jeff Dillon sina målningar?
Jag börjar vanligtvis med ett underlager av färg och bygger gradvis upp målningen genom flera lager. Former börjar brett och blir mer förfinade med tiden. Det svarta linjearbetet läggs ofta till senare i processen för att styra rörelsen, definiera strukturen och knyta samman olika delar av bilden.
Vilka konstriktningar har koppling till Jeff Dillons stil?
Mitt arbete har kopplingar till cloisonnism, postimpressionism, gestaltteori, keltisk konst, Vincent van Goghs känsla för flytande rörelse och den kanadensiska landskapstraditionen hos Group of Seven. Det här är referenspunkter, inte strikta etiketter.
Är Jeff Dillons verk inspirerade av keltisk konst?
Ja. Keltisk konst har påverkat hur jag tänker kring linjer, spiraler, mönster och rörelse. Mina irländska och skotska rötter, tillsammans med besök i Irland och Skottland, har fördjupat den kopplingen. Kellsboken har också varit en viktig visuell referens för mig.
Är Jeff Dillons verk inspirerade av Group of Seven?
Mitt arbete knyter främst an till The Group of Seven genom kanadensiska motiv och den bredare traditionen att tolka landskapet på ett personligt sätt. Jag försöker inte efterlikna deras verk, men jag känner en samhörighet med idén att skapa ett eget svar på den naturliga världen.
Vad gör Jeff Dillons målningar igenkännliga?
Mina målningar känns igen på grund av sina djärva färger, flödande svarta linjer, starka rörelse och sättet de rör sig mellan realism och abstraktion. På avstånd sammanfogas motivet. På nära håll avslöjar målningen mer abstrakta mönster, texturer och rytmer.
Varför ser Jeff Dillons målningar annorlunda ut på nära håll?
På avstånd uppfattas bilden som ett komplett landskap eller en naturlig scen. På nära håll bryts målningen ner i mindre element som linjer, textur och färg. Denna förändring gör att verket kan upplevas på mer än ett sätt.
Vilka material använder Jeff Dillon?
Jag arbetar främst med tjockflytande akrylfärg på duk. Jag bygger upp lager av färg, textur och linjer för att skapa djup och rörelse i målningen.
Vad är cloisonnism inom konsten?
Cloisonnism är en stil som utvecklades i slutet av 1800-talet, där färgfält avgränsas av djärva, mörka konturer. Den användes av konstnärer som Paul Gauguin och Émile Bernard och skapar ofta en effekt som liknar målat glas.
Vad är postimpressionism?
Postimpressionismen är en konstriktning som följde efter impressionismen i slutet av 1800-talet. Konstnärer som Vincent van Gogh, Paul Cézanne och Paul Gauguin fokuserade mer på struktur, känslor och symbolisk färg än på att enbart återge ljus och realism.
Vad är gestaltteori inom konsten?
Gestaltteorin är ett psykologiskt begrepp som förklarar hur människor naturligt organiserar visuella element till helheter. Inom konsten hjälper den till att förklara hur betraktare kan se en hel bild även när den består av många separata delar.
Vilka var The Group of Seven?
The Group of Seven var en grupp kanadensiska landskapsmålare som var verksamma i början av 1900-talet. Bland de viktigaste medlemmarna fanns Lawren Harris, A.Y. Jackson, Franklin Carmichael, Arthur Lismer, J.E.H. MacDonald, Frederick Varley och Frank Johnston. De är kända för att ha utvecklat en djärv och uttrycksfull målarstil inspirerad av den kanadensiska vildmarken.
Vidare läsning
- Jeff Dillon, konstnären, officiell biografi och Curriculum Vitae (CV)
- Cloisonnism och Paul Gauguin, National Gallery of Art.
- Efter impressionismen, från neoimpressionism till fauvism, Musée d'Orsay.
- Vincent van Gogh, Van Gogh-museet.
- The Group of Seven, Tom Thomson och deras samtida, McMichaels kanadensiska konstsamling.
- Gestaltlagarna för organisation, Tate: Klura ut det
- Keltisk konst och historia
