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Eine Sache, die mir an der Natur schon immer aufgefallen ist: Nichts bleibt lange still. Bäume bewegen sich im Wind. Licht wandert über Felsen. Wasser verändert sich Sekunde für Sekunde. Ob ich an einer Küste stehe oder durch den Wald gehe – mein Blick bleibt ständig in Bewegung. Diese fortwährende Bewegung nehme ich wahr, und genau das versuche ich in meine Gemälde zu übertragen.
#291 – „Everlasting Bond“, 24” x 24″, Originalgemälde von Jeff Dillon
Im Atelier baue ich jede Komposition so auf, dass der Blick ständig weiterwandert. Formen führen ineinander über. Kanten verlaufen geschwungen. Die Farbe bewegt sich auf der Leinwand auf eine Weise, die nachahmt, wie sich Dinge in der Natur entfalten. Ich verbringe viel Zeit damit, das Arrangement anzupassen, bis ein Rhythmus entsteht. Etwas, das ausgewogen und zugleich lebendig wirkt. Es geht nicht darum, eine perfekte Szene zu erschaffen. Es geht darum, einen Fluss zu erzeugen. In diesem Moment beginnt das Gemälde, ein Eigenleben zu entwickeln. Sobald ich das spüre, finde ich meinen Fokus und arbeite mit größerer Klarheit weiter. Der Lärm verstummt. Ich male stunden-, tage- oder wochenlang in Ruhe, manchmal ohne zu bemerken, wie viel Zeit vergangen ist.
Ich male nicht ausgehend von bestimmten Erinnerungen. Was ich suche, ist die Art von Konzentration, die ich draußen empfinde, wenn ich vollkommen präsent bin. Es ist dieses ruhige Bewusstsein, das entsteht, wenn man langsamer wird und beginnt wahrzunehmen, wie alles zusammenpasst. Diese Verbindung – die Beziehung zwischen Licht, Landschaft und Bewegung – versuche ich in meine Arbeit einzubringen. Es geht weniger um das Motiv als um die Energie, die zwischen den einzelnen Teilen fließt.
Die meisten Gemälde erreichen einen Punkt, an dem sich nichts richtig anfühlt. Die Formen wirken unstimmig, die Farben konkurrieren miteinander, anstatt sich zu ergänzen, und das Ganze beginnt unausgeglichen zu wirken. Ich passe die Linien weiter an, verschiebe die Balance und trage Schicht um Schicht auf, bis die Komposition langsam zusammenfindet. Dieser mittlere Abschnitt ist immer der unsicherste. Hier schleicht sich der Zweifel ein, und das kann frustrierend sein. Aber ich habe gelernt, an diesem Punkt nicht aufzuhören. Ich vollende jedes Werk, das ich beginne, selbst wenn ich unsicher bin, wohin es führt. In beinahe jedem Fall stellt sich das Gefühl der Vollendung erst am Ende ein. Dann kann ich endlich erkennen, worauf das Gemälde die ganze Zeit hingearbeitet hat.
#279 – „Weathering Life’s Storms“, 20″ x 40″, Originalgemälde von Jeff Dillon
Als ich mit dem Malen begann, verwendete ich schwarze Linien, um alles zu definieren. Das half mir, Struktur und Raum zu verstehen. Es war eine Möglichkeit, die Dinge aufzuschlüsseln und neu zusammenzusetzen. Mit der Zeit hat sich das verändert. Heute verschmilzt die Linienführung mit dem Gemälde oder tritt ganz in den Hintergrund – je nachdem, was das Werk braucht. Manchmal sind die Linien kräftig und bewusst gesetzt. Ein anderes Mal verschwinden sie vollständig und werden durch Veränderungen in Ton oder Textur ersetzt. Ich lasse das Gemälde diese Entscheidung bestimmen.
Seit ich vor drei Jahren hauptberuflich male, habe ich den Raum, mich komplexeren und durchdachteren Arbeiten zu widmen. Das Tempo hat sich nicht erhöht, aber die Tiefe. Ich arbeite auf größeren Leinwänden, entwickle komplexere Kompositionen und verbringe mehr Zeit damit, jede Idee auszuarbeiten. Diese Zeit im Atelier hat die Entwicklung meines Stils geprägt. Es geht nicht darum, mehr zu produzieren, sondern jedes Werk mit größerer Konzentration und Absicht anzugehen. Ich lasse die Arbeit ihr eigenes Tempo bestimmen, und dieser Freiraum hat die Gemälde stärker gemacht.
Wenn Menschen vor meinen Werken stehen, hoffe ich, dass sie dieselbe ruhige Konzentration spüren, die ich in der Natur empfinde. Sie sollen die Bewegung wahrnehmen, die Verbindung zwischen all den Elementen. Es geht nicht nur um Bäume, Felsen und Himmel. Es geht darum, wie alles miteinander in Beziehung steht, wie die Elemente sich aneinanderlehnen und sich als Einheit bewegen. Das ist der Teil, der mir am wichtigsten ist. Wenn mir jemand sagt, er habe das Gefühl, dort gewesen zu sein, obwohl er es nicht war, weiß ich, dass das Gemälde seine Aufgabe erfüllt hat.
Beim Malen gibt es keinen festen Weg. Was als klare Idee beginnt, kann sich auf halber Strecke verändern. Manche Entscheidungen fühlen sich sofort richtig an. Andere brauchen Zeit. Ich überarbeite einen Abschnitt immer wieder, bis er sich stimmig in die Komposition einfügt. Dieses Hin und Her gehört dazu. Die Arbeit verändert sich während des Prozesses, und ich passe mich ihr an. Ich habe gelernt, nicht zu erwarten, dass sie sich geradlinig entfaltet.
#196 – „Grounding“, 30″ x 60″, Originalgemälde von Jeff Dillon
Jedes Gemälde bringt seine eigenen Probleme mit sich, die gelöst werden müssen. Wie verbinden sich die Formen? Funktioniert die Bewegung? Hält sich die Energie über die gesamte Leinwand? Das sind die Fragen, die ich mir oft mitten im Prozess stelle. Ein Werk zu vollenden bedeutet nicht, dass alles sauber und vollständig geklärt ist. Es bedeutet lediglich, dass ich es so weit vorangetrieben habe, wie es möglich war.
Dieser Prozess des Herausfindens, des Gestaltens, des Reagierens auf die Arbeit und des Beobachtens, wohin sie führt, hält den Beruf interessant. Ich male nicht, um etwas zu wiederholen, das ich bereits gemacht habe. Ich male, um herauszufinden, was innerhalb jeder neuen Komposition möglich ist.
~Jeff
