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Am Ende jeder Malsitzung halte ich inne. Ich trete zurück – nicht nur, um die Proportionen oder die Komposition zu überprüfen, sondern auch, um zu spüren, was das Werk mir zurücksagt. An den meisten Tagen gehe ich im Stillen durch, was noch meine Aufmerksamkeit braucht. Vielleicht stimmt das Gleichgewicht nicht ganz, oder eine Farbe muss abgeschwächt, vertieft oder hervorgeholt werden. Manchmal ist es einfach das Gefühl, dass sich etwas im Bild noch nicht ganz gefügt hat. Das mache ich jeden Tag, bis die Liste der Änderungen allmählich kürzer wird. Irgendwann stelle ich fest, dass die Anpassungen, die ich vornehme, eigentlich nichts mehr verbessern. Sie halten nur noch den Pinsel in Bewegung.
Dann weiß ich, dass ich fast am Ziel bin.
#286 – Verwittert, doch ungebrochen, Originalwerk von Jeff Dillon
Normalerweise gebe ich einem Gemälde erst ganz am Ende einen Namen. Wenn ich das zu früh tue, fühlt es sich an, als würde ich etwas, das sich noch entfaltet, zu einem erzwungenen Abschluss bringen. Während des gesamten Prozesses bin ich oft kritisch gegenüber dem, was ich geschaffen habe – nicht, um es niederzumachen, sondern um ehrlich zu mir selbst zu bleiben. Diese Haltung hilft mir, weiterzulernen. Jedes Gemälde lehrt mich etwas, selbst wenn es nicht so gelingt, wie ich es mir anfangs vorgestellt habe. Das ist ein Teil dessen, was mich jeden Tag zurückkehren lässt.
Manche Maler sprechen über die Gefahr, ein Werk zu überarbeiten, aber das entspricht nicht meiner Erfahrung. Es gab viele Momente, in denen ich dachte, ein Gemälde sei fertig, aber trotzdem weitermachte. Die zusätzlichen Stunden oder Tage brachten oft etwas Unerwartetes zum Vorschein, manchmal sogar meinen Lieblingsteil. Fast immer bin ich froh, dass ich nicht zu früh aufgehört habe.
Zu Beginn meiner Laufbahn arbeitete ich schneller. Ich wollte ein Werk unbedingt fertigstellen und zur nächsten Idee übergehen. Es gab immer etwas Neues, das ich erforschen wollte, und ich verspürte ständig den Drang, weiterzuschaffen. Heute nehme ich mir für jedes Gemälde mehr Zeit. Ich erinnere mich daran, dass ich ein Leben lang malen kann. Die Arbeiten sind komplexer geworden, und das Format ist oft größer. Vielleicht stelle ich in einem Jahr nicht mehr so viele fertig. Das bedeutet nicht, dass mir die früheren Werke weniger wichtig waren. Ich habe im Laufe der Zeit einfach mehr gelernt und ein größeres Maß an Geduld entwickelt. Die Gemälde, die ich heute fertigstelle, spiegeln dieses Wachstum wider.
Manchmal komme ich an einen Punkt, an dem die Ideen, mit denen ich arbeite, über das hinauszuwachsen beginnen, was das Gemälde aufnehmen kann. Auch wenn ich noch mehr hinzufügen oder verfeinern könnte, weiß ich, dass es Zeit ist weiterzugehen. Es geht nicht darum aufzugeben, sondern darum zu erkennen, dass das nächste Gemälde der Ort sein könnte, an dem ich diese größeren Ideen erkunde. Einige Werke hätten noch weiter vorangetrieben werden können, aber ich entscheide mich, den Schwung und die gewonnenen Erkenntnisse mitzunehmen. Nicht alles muss auf einer einzigen Leinwand geklärt werden.
Normalerweise beginne ich mit dem entferntesten Wahrnehmungspunkt und baue den Hintergrund auf, bevor ich mich in den Vordergrund vorarbeite. Wenn Farben und Formen beginnen, sich miteinander zu verbinden, findet das Gemälde seinen Rhythmus. Manche Werke fügen sich reibungsloser als andere, fließen ganz natürlich von einer Phase in die nächste. Trotzdem bleibe ich während des gesamten Prozesses kritisch. Dieser stetige Druck hilft mir, konzentriert zu bleiben und mich weiterzuentwickeln. So arbeite ich einfach.
Bestimmte Gemälde haben mich auf eine Weise herausgefordert, die den Abschied von ihnen weniger wie ein Loslassen des Werkes erscheinen lässt, sondern eher wie das Zurücktreten von etwas, das ich mit großer Anstrengung überwunden habe. Es geht nicht um Besitz. Es geht um das, was ich durchmachen musste, um sie fertigzustellen. Sie bewahren die Erfahrung von Kampf und Durchbruch in sich, und manchmal fällt es schwer, das loszulassen. Aber ich erinnere mich daran, weiterzumalen. Nur so kann ich weiter wachsen.
Ich strebe nicht nach Perfektion, und ich versuche auch nicht, die Welt exakt so zu malen, wie sie aussieht. Was ich suche, ist ein Gefühl – Leben, ausgedrückt durch Bewegung, Licht und Farbe. Aus der Entfernung soll das Gemälde geerdet und glaubwürdig wirken. Doch je näher man kommt, desto mehr weicht das Bild Gestik, Textur und Abstraktion. So sehe ich die Welt. Ein weit entfernter Baum ist eine einzige Form, doch aus der Nähe wird er zu Schichten aus Rinde, Schatten und Details. Die Illusion hängt vom Kontrast ab – und davon, dem Betrachter zu vertrauen, seine eigene Wahrnehmung in das Erlebnis einzubringen.
Selbst nachdem ich ein Gemälde beendet habe, vergeht oft einige Zeit, bevor ich es klar sehen kann. Manchmal erkenne ich erst Wochen oder Monate später, was das Werk tatsächlich in sich trägt. Wenn ich dem Werk zu nahe bin, konzentriere ich mich eher darauf, was hätte besser sein können, als auf das, was funktioniert.
Wenn jemand eines meiner fertigen Gemälde betrachtet, möchte ich, dass es sich lebendig anfühlt – nicht nur durch die Bewegung über die Leinwand hinweg, sondern auch durch das Gefühl, dass die Zeit sich ständig verändert. Ich möchte das Gefühl hervorrufen, dass es eine Welt vor uns gab und nach uns eine geben wird. Die kanadische Landschaft verändert sich ständig. Selbst wenn sie still wirkt, gibt es Bewegung im Himmel, im Wasser und in der Erde. Ich hoffe, dass das Auge des Betrachters weiter auf Entdeckungsreise bleibt und von etwas angezogen wird, das es beim ersten Mal nicht gesehen hat.
Sobald ich ein Gemälde signiere, ist es fertig. Ich kehre nie zurück, um es auszubessern oder neu zu malen. Das ist die endgültige Entscheidung. Ob gut oder schlecht – ich nehme mit, was ich gelernt habe, und beginne etwas Neues. Manchmal wechsle ich zur Abwechslung das Motiv vollständig. In anderen Fällen bleibe ich bei einem Thema, weil ich das Gefühl habe, dass es noch mehr zu sagen gibt.
So oder so mache ich weiter. Das ist der Rhythmus, dem ich vertraue.
~Jeff
