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Une chose que j'ai toujours remarquée à propos de la nature, c'est que rien ne reste immobile longtemps. Les arbres bougent avec le vent. La lumière se déplace sur la roche. L'eau se remodèle à chaque seconde. Que je sois sur le rivage ou que je me promène dans les bois, mon regard ne cesse de bouger. Ce mouvement constant est quelque chose auquel je prête attention, et c'est ce que j'essaie de retranscrire dans mes peintures.
#291 – « Everlasting Bond », 24” x 24″, Peinture originale de Jeff Dillon
En atelier, je construis chaque composition de manière à ce que l'œil continue de voyager. Les formes s'enchaînent. Les bords s'arrondissent. La couleur se déplace sur la toile d'une manière qui imite la façon dont les choses se déroulent dans la nature. Je passe du temps à ajuster la disposition jusqu'à ce qu'il y ait un rythme. Quelque chose qui semble équilibré mais vivant. Il ne s'agit pas de créer une scène parfaite. Il s'agit de créer du mouvement. C'est à ce moment-là que le tableau commence à prendre vie. Une fois que je le sens, je retrouve ma concentration et continue avec plus de clarté. Le bruit s'estompe. Je peins tranquillement pendant des heures, des jours, ou des semaines, parfois sans me rendre compte du temps qui passe.
Je ne peins pas à partir de souvenirs spécifiques. Ce que je recherche, c'est le genre de concentration que j'obtiens lorsque je suis à l'extérieur et pleinement présent. C'est cette conscience calme que l'on ressent lorsque l'on ralentit et que l'on commence à remarquer comment tout s'emboîte. Cette connexion, la façon dont la lumière, la terre et le mouvement sont liés, est ce que j'essaie d'apporter à l'œuvre. Il s'agit moins du sujet que de l'énergie qui circule entre les parties.
La plupart des peintures atteignent un stade où rien ne semble fonctionner. Les formes paraissent étranges, les couleurs se concurrencent au lieu de se compléter, et l'ensemble commence à sembler instable. Je continue d'ajuster les lignes, de modifier l'équilibre et de superposer les couches jusqu'à ce que la composition commence à prendre forme. Cette étape intermédiaire est toujours la plus incertaine. C'est là que le doute s'installe, et cela peut être frustrant. Mais j'ai appris à ne pas m'arrêter là. Je termine chaque œuvre que je commence, même lorsque je ne sais pas où elle va. Dans presque tous les cas, ce sentiment d'achèvement n'apparaît qu'à la fin. C'est alors que je peux enfin voir ce que le tableau cherchait à exprimer depuis le début.
#279 – « Weathering Life’s Storms », 20″ x 40″, Peinture originale de Jeff Dillon
Lorsque j'ai commencé à peindre, j'utilisais des lignes noires pour tout définir. Cela m'a aidé à comprendre la structure et l'espace. C'était une façon de décomposer les choses et de les reconstruire. Au fil du temps, cela a changé. Maintenant, les lignes se fondent dans la peinture ou se retirent complètement, selon les besoins de l'œuvre. Parfois, les lignes sont fortes et délibérées. D'autres fois, elles disparaissent complètement, remplacées par des changements de ton ou de texture. Je laisse la peinture guider cette décision.
Depuis que je me consacre entièrement à la peinture il y a trois ans, j'ai eu l'espace nécessaire pour entreprendre un travail plus profond et plus réfléchi. Le rythme n'a pas augmenté, mais la profondeur, oui. Je travaille sur des toiles plus grandes, je construis des compositions plus complexes et je passe plus de temps à développer chaque idée. Ce temps passé en atelier a façonné l'évolution de mon style. Il ne s'agit pas de produire plus, mais d'aborder chaque pièce avec plus de concentration et d'intention. Je laisse le travail se dérouler à son propre rythme, et cet espace a rendu les peintures plus fortes.
Quand les gens se tiennent devant mon travail, j'espère qu'ils ressentent la même concentration tranquille que j'obtiens en étant dans la nature. Je veux qu'ils sentent le mouvement, la connexion entre tous les éléments. Ce ne sont pas seulement des arbres, des rochers et des ciels. C'est la façon dont ils sont tous liés, comment ils s'inclinent les uns vers les autres et bougent comme un tout. C'est la partie qui m'importe le plus. Quand un spectateur me dit qu'il a l'impression d'y être allé, même s'il ne l'a pas fait, je sais que le tableau a fait son travail.
Il n'y a pas de chemin fixe quand je peins. Ce qui commence comme une idée claire peut changer à mi-chemin. Certaines décisions semblent bonnes immédiatement. D'autres prennent du temps. Je retravaille une section encore et encore jusqu'à ce qu'elle s'intègre correctement dans la composition. Ce va-et-vient en fait partie. L'œuvre change au fur et à mesure, et je m'adapte avec elle. J'ai appris à ne pas m'attendre à ce qu'elle se déroule en ligne droite.
#196 – « Grounding », 30″ x 60″, Peinture originale de Jeff Dillon
Chaque peinture apporte son lot de problèmes à résoudre. Comment les formes se connectent-elles ? Le mouvement fonctionne-t-il ? L'énergie se maintient-elle sur toute la toile ? Ce sont le genre de questions que je me pose, souvent en plein processus. Terminer une œuvre ne signifie pas que tout est parfaitement ficelé. Cela signifie simplement que je l'ai poussée aussi loin que possible.
Ce processus de compréhension, de façonnage de l'œuvre, d'y répondre et de voir où cela mène, est ce qui rend le travail intéressant. Je ne peins pas pour répéter quelque chose que j'ai déjà fait. Je peins pour découvrir ce qui est possible au sein de chaque nouvelle composition.
~Jeff
