Descrever o meu estilo artístico tornou-se mais fácil com o tempo, mas não comecei com um plano claro para aquilo que deveria ser. Pintei o que gostava, o que via e o que sentia. Por vezes, era o tema que me atraía; outras vezes, a cor, o movimento ou simplesmente a sensação de aplicar tinta na tela e ver onde ela me levava.
Ao longo de muitos anos de pintura regular, houve certas coisas que continuaram a reaparecer. As cores fortes, o trabalho de linhas a preto, o movimento, os temas naturais e o espaço entre o realismo e a abstração tornaram-se cada vez mais reconhecíveis para mim à medida que fui continuando a trabalhar. Não penso que tenha criado o estilo ao sentar-me e decidir como deveria ser. Foi-se tornando mais claro através da prática. Quando as pessoas começaram a perguntar-me como descreveria o meu trabalho, comecei a procurar uma linguagem que o pudesse explicar. Foi aí que referências como o Cloisonnismo, o Pós-Impressionismo, Vincent van Gogh, a arte celta, a teoria da Gestalt e o Grupo dos Sete se tornaram úteis. Não definem completamente o trabalho, mas ajudam a explicar alguns aspectos do que eu já vinha a fazer visualmente há anos.
A forma mais próxima de descrever as minhas pinturas actualmente é dizer que se situam algures entre o realismo e a abstração. Baseiam-se em florestas, lagos, montanhas, céus, vida selvagem, meteorologia e no mundo natural, mas não tento recriar esses temas exactamente como aparecem. Quero que transmitam familiaridade, mas não que sejam rígidas. Uma árvore ainda tem de dar a sensação de ser uma árvore, a água tem de dar a sensação de ser água e um céu ainda precisa de atmosfera, mas interessa-me mais o movimento subjacente a essas coisas do que registar todos os pormenores.
À distância, a maioria das minhas pinturas compõe-se como paisagens ou cenas naturais reconhecíveis. Pode ver-se uma floresta, um lago, um pássaro, uma montanha, um animal ou um céu cheio de movimento. À medida que nos aproximamos, a imagem começa a descontrair-se. O tema maior divide-se em áreas mais pequenas de cor, linha, textura e forma. Algumas secções podem parecer quase abstratas quando vistas isoladamente. Gosto dessa transformação porque dá à pintura mais do que uma forma de ser observada. Pode ser clara do outro lado da sala e, depois, tornar-se mais misteriosa de perto.
É isso que quero dizer quando afirmo que o meu trabalho se situa entre o realismo e a abstração. O tema continua presente, mas não é totalmente explicitado. Não sinto necessidade de descrever todos os ramos, pedras, penas, contornos das nuvens ou reflexos. Por vezes, uma pintura torna-se mais interessante quando existe informação suficiente, mas nem tudo é concluído para o observador. Muitas vezes comparo isso à leitura de uma frase com algumas letras em falta. Ainda conseguimos compreender as palavras, porque permanece uma parte suficiente da estrutura. A nossa mente preenche as lacunas sem grande esforço. A pintura pode funcionar de forma semelhante. Se houver forma suficiente, a imagem mantém-se coesa, mesmo quando algumas partes ficam em aberto. Penso que há algo muito humano nisso, porque estamos constantemente a completar as coisas a partir de informação parcial, quer tenhamos consciência disso ou não.
O trabalho de linhas negras é provavelmente a parte mais reconhecível daquilo que faço. Surgiu muito cedo nas minhas pinturas e tornou-se mais importante à medida que o trabalho se desenvolveu. Às vezes, as pessoas chamam às linhas contornos, o que compreendo, mas não é realmente assim que as vejo. Podem contornar árvores, nuvens, rochas, animais ou áreas de cor, mas não estão simplesmente ali para traçar os limites das coisas.
Para mim, as linhas criam estrutura, movimento e energia. Ajudam a organizar a pintura, mas também impedem que se torne demasiado imóvel. O olhar segue naturalmente uma linha. Quer saber onde a linha começa, por onde passa, no que toca e como se liga ao resto da imagem. Utilizo esse instinto ao longo de toda a pintura. Uma linha pode passar pelas árvores, atravessar a água, reaparecer numa nuvem e depois voltar a formar um círculo através de um reflexo. A linha tem menos a ver com separar uma coisa da outra e mais com orientar o observador através de toda a cena.
Uma das comparações históricas mais próximas de partes do meu trabalho é o Cloisonismo, um estilo pós-impressionista em que as áreas de cor são separadas por contornos escuros e marcados. Muitas vezes, cria um efeito semelhante ao de um vitral ou do esmalte cloisonné. Compreendo por que razão as pessoas fazem essa comparação com as minhas pinturas. O trabalho de linhas escuras e as áreas de cor separadas podem criar esse tipo de sensação de vitral, sobretudo quando a pintura é vista à distância. Mas a comparação explica apenas uma parte. No Cloisonismo histórico, os contornos dividem e contêm frequentemente a cor. No meu trabalho, a linha é mais ativa. Percorre a cena e torna-se parte do ritmo da pintura. Ajuda a ligar a terra, a água, o céu, as árvores, a vida selvagem, o tempo e o reflexo num movimento mais amplo e unificado.
O pós-impressionismo é outra forma útil de compreender partes do meu trabalho, porque ultrapassou o realismo rigoroso. Identifico-me com a ideia de que a cor e a forma podem ser expressivas sem serem literais. Posso intensificar a cor, simplificar as formas ou reforçar o movimento, para que a pintura reflita a sensação de um lugar, em vez de mostrar apenas aquilo que estava fisicamente presente. Continuo a querer que o tema esteja ligado ao mundo natural, mas não quero que pareça uma cópia direta.
Vincent van Gogh surge frequentemente quando as pessoas falam do movimento nas minhas pinturas, especialmente nos céus, nas árvores, nas espirais e nas linhas fluidas. Compreendo essa comparação. Há na sua obra a sensação de que uma pintura imóvel pode conter movimento, e essa ideia sempre me interessou. Não estou a tentar imitar Van Gogh, mas sinto-me atraído pela forma como o movimento pode tornar-se parte da estrutura de uma pintura. A natureza nunca está realmente imóvel. As nuvens mudam, as árvores vergam-se, a água transforma-se, a luz move-se e o tempo atmosférico pode alterar muito rapidamente o ambiente de um lugar. Quero que parte desse movimento permaneça na obra final.
A arte celta também tem sido importante para mim, tanto visual como pessoalmente. As raízes da minha família são irlandesas e escocesas, e sempre me senti ligado a essa parte da minha origem. As visitas à Irlanda e à Escócia aprofundaram essa ligação. A paisagem, a história, o design e a atmosfera desses lugares ficaram comigo, mas o Livro de Kells foi uma das influências mais marcantes. O que me interessa no design celta é a forma como a linha pode criar fluidez. As espirais, as formas entrelaçadas e os padrões repetidos não servem apenas para decorar a superfície. Guiam o olhar. Movem-se, regressam, ligam-se e continuam. Essa forma de pensar a linha parece próxima da maneira como abordo as minhas próprias pinturas. Gosto quando uma linha faz mais do que descrever algo. Gosto quando conduz uma parte da pintura para outra e dá à imagem uma sensação de movimento.
Como grande parte do meu trabalho nasce das florestas, dos lagos, dos céus, do tempo atmosférico, da vida selvagem e da paisagem canadiana, por vezes as pessoas relacionam-no com o Grupo dos Sete. Penso que essa comparação faz mais sentido em termos de espírito do que de aparência direta. O Grupo dos Sete não se limitava a documentar paisagens. Procurava interpretar a terra de uma forma pessoal, arrojada e distinta. Olhava para florestas, rochas, lagos, condições atmosféricas e espaços abertos como algo mais do que uma simples vista. Não estou a tentar pintar como eles, mas sinto-me ligado a essa tradição mais ampla de responder à paisagem canadiana através da pintura. A minha abordagem é diferente, mas compreendo o desejo de interpretar a natureza em vez de simplesmente a registar.
Interessa-me a força emocional do mundo natural, a estrutura das árvores, o movimento das nuvens, o peso das rochas e a forma como a cor pode alterar a sensação de um lugar. Isso não significa que esteja a tentar transformar a natureza em algo irreconhecível. Continuo a querer que o espectador sinta essa ligação à terra, à água, ao céu, ao tempo atmosférico e aos seres vivos. Quero apenas que a imagem surja através da minha própria forma de a ver.
A teoria da Gestalt é outra forma de pensar sobre como as minhas pinturas são percecionadas. Analisa a forma como a mente organiza elementos visuais separados num todo. Isto aplica-se ao meu trabalho porque as pinturas dependem muitas vezes da junção de várias partes menores na mente de quem as observa. De perto, uma área pode parecer apenas uma marca, uma curva, uma textura ou uma mancha de cor. Mais à distância, essas partes começam a ligar-se e a imagem maior reaparece. Gosto do facto de uma pintura poder mudar consoante o lugar onde nos posicionamos. De perto, não quero necessariamente que tudo faça sentido de imediato. Quero que a mente do observador se liberte, por um momento, da estrutura maior, quase como quando olhamos para as nuvens e tentamos encontrar sentido em formas que não são completamente nítidas. Depois, quando recuamos, o tema começa novamente a formar-se.
A forma como construo uma pintura também contribui para isto. Normalmente, não começo por desenhar todo o trabalho de linha a preto. Na maior parte das vezes, isso acontece mais perto do fim. Costumo começar com uma base de cor relacionada com a direção que a pintura está a tomar e, a partir daí, vou construindo camadas. As formas começam de maneira ampla e tornam-se mais definidas à medida que a pintura se desenvolve. Surgem texturas, as formas condensam-se e, lentamente, a pintura começa a dizer-me aquilo de que precisa.
Quando acrescento o trabalho de linha, a pintura já tem uma direção. É nessa altura que decido para onde deve dirigir-se o olhar, onde a imagem precisa de estrutura e como devem ligar-se as diferentes áreas. Por vezes, a linha define uma forma. Por vezes, acrescenta ritmo. Às vezes, deixo algumas partes com muito pouca linha, porque a cor ou a textura já são suficientes por si só. O trabalho de linha não é apenas algo que fica por baixo da pintura. Faz parte da energia final da obra.
É difícil explicar exatamente de onde vem um estilo pessoal. Gosto de fazer esboços, desenhar e pintar desde criança e, com o tempo, absorvemos mais do que nos apercebemos. A natureza, as viagens, a história da arte, outros artistas, a arquitetura, a luz, a cor, a textura, a memória e a experiência pessoal acabam por encontrar, de alguma forma, o seu caminho para o trabalho. Algumas influências são fáceis de nomear. Outras são mais difíceis de compreender.
Quanto mais a sério comecei a pintar, mais me dei conta de que pensava no que outros artistas devem ter vivido enquanto tentavam encontrar a sua própria voz. Não apenas no que pintavam, mas também naquilo a que voltavam repetidamente. No que tentavam resolver. No que pareciam não conseguir deixar de lado. Penso que a influência é muitas vezes mais sentida do que plenamente compreendida. Podemos admirar artistas, lugares e ideias, mas o nosso próprio trabalho continua a ter de passar pelas nossas mãos, pelos nossos instintos, pelas nossas decisões e pelos nossos limites.
Para mim, esta forma de pintar desenvolveu-se ao longo de mais de quinze anos e de mais de 300 pinturas originais. Não aconteceu de uma só vez. As cores fortes, o trabalho de linhas a preto, os temas naturais, o movimento, a atmosfera e o equilíbrio entre o realismo e a abstração foram-se unindo lentamente, através da repetição, da curiosidade e de muitos ajustes. O Cloisonnismo, o Pós-Impressionismo, Van Gogh, a arte celta, a teoria da Gestalt e o Grupo dos Sete ajudam a explicar partes do que faço, mas nenhum destes elementos o define por completo. O meu trabalho continua enraizado na pintura de paisagens, mas não é uma pintura paisagística literal. É expressivo, mas continua ligado a temas reconhecíveis. É estruturado, mas está sempre a tentar mover-se. Essa é provavelmente a forma mais honesta de descrever o meu estilo. É a minha forma de ver o mundo natural, de o decompor e de o reconstruir através da linha, da cor, do ritmo, da textura e do sentimento.
Perguntas e respostas rápidas sobre o meu estilo artístico
Que estilo de arte cria Jeff Dillon?
Crio pinturas contemporâneas de paisagens que se situam entre o realismo e a abstração. O meu trabalho utiliza cores fortes, linhas pretas fluidas, textura, ritmo e movimento para expressar a sensação da natureza, em vez de a copiar exatamente.
A arte de Jeff Dillon é realista ou abstrata?
É uma combinação das duas coisas. À distância, as minhas pinturas são geralmente reconhecíveis como paisagens, vida selvagem, florestas, lagos, céus, montanhas ou cenas naturais. De perto, tornam-se frequentemente mais abstratas, decompondo-se em linhas, formas, cores, padrões e texturas.
Porque é que Jeff Dillon usa linhas pretas nas suas pinturas?
Uso linhas pretas para criar estrutura, movimento e energia. Não as vejo como simples contornos. As linhas orientam o olhar do observador pela pintura e ajudam a ligar diferentes partes da composição.
Como cria Jeff Dillon as suas pinturas?
Normalmente começo com uma camada de base de cor e construo a pintura gradualmente, através de várias camadas. As formas começam por ser amplas e tornam-se mais definidas com o tempo. O trabalho de linhas a preto é frequentemente acrescentado mais tarde, para orientar o movimento, definir a estrutura e ligar diferentes partes da imagem.
Que movimentos artísticos estão relacionados com o estilo de Jeff Dillon?
O meu trabalho tem ligações ao Cloisonnismo, ao Pós-Impressionismo, à teoria da Gestalt, à arte celta, ao sentido de movimento fluido de Vincent van Gogh e à tradição paisagística canadiana do Grupo dos Sete. São pontos de referência, não rótulos rígidos.
O trabalho de Jeff Dillon é inspirado na arte celta?
Sim. A arte celta influenciou a forma como penso a linha, as espirais, o padrão e o movimento. As minhas raízes irlandesas e escocesas, juntamente com as visitas à Irlanda e à Escócia, aprofundaram essa ligação. O Livro de Kells também tem sido uma referência visual importante para mim.
O trabalho de Jeff Dillon é inspirado no Grupo dos Sete?
O meu trabalho relaciona-se com o Grupo dos Sete sobretudo através dos temas canadianos e da tradição mais ampla de interpretar a paisagem de forma pessoal. Não procuro imitar o trabalho deles, mas sinto-me ligado à ideia de criar uma resposta distinta ao mundo natural.
O que torna as pinturas de Jeff Dillon reconhecíveis?
As minhas pinturas são reconhecíveis pela cor arrojada, pelo traço preto fluido, pelo forte movimento e pela forma como alternam entre o realismo e a abstração. À distância, o tema ganha forma. De perto, a pintura revela padrões, texturas e ritmos mais abstratos.
Porque é que as pinturas de Jeff Dillon parecem diferentes de perto?
À distância, a imagem é percecionada como uma paisagem completa ou uma cena natural. De perto, a pintura divide-se em elementos mais pequenos, como linha, textura e cor. Esta mudança permite vivenciar a obra de mais do que uma forma.
Que materiais utiliza Jeff Dillon?
Trabalho sobretudo com tinta acrílica de corpo espesso sobre tela. Crio camadas de cor, textura e linha para dar profundidade e movimento à pintura.
O que é o Cloisonnisme na arte?
O Cloisonnisme é um estilo desenvolvido no final do século XIX, no qual áreas de cor lisa são separadas por contornos fortes e escuros. Foi utilizado por artistas como Paul Gauguin e Émile Bernard e cria frequentemente um efeito semelhante ao de um vitral.
O que é o Pós-Impressionismo?
O Pós-Impressionismo é um movimento artístico que surgiu depois do Impressionismo, no final do século XIX. Artistas como Vincent van Gogh, Paul Cézanne e Paul Gauguin deram mais importância à estrutura, à emoção e à cor simbólica do que à simples captação da luz e do realismo.
O que é a teoria da Gestalt na arte?
A teoria da Gestalt é um conceito psicológico que explica como as pessoas organizam naturalmente elementos visuais em formas completas. Na arte, ajuda a explicar como os observadores conseguem ver uma imagem inteira, mesmo quando esta é composta por muitas partes distintas.
Quem eram o Grupo dos Sete?
O Grupo dos Sete foi um grupo de pintores paisagistas canadianos ativos no início do século XX. Entre os principais membros encontravam-se Lawren Harris, A.Y. Jackson, Franklin Carmichael, Arthur Lismer, J.E.H. MacDonald, Frederick Varley e Frank Johnston. São conhecidos por terem desenvolvido um estilo de pintura arrojado e expressivo, inspirado na natureza selvagem do Canadá.
Leitura adicional
- Jeff Dillon, o artista, biografia oficial e Curriculum Vitae (CV)
- Cloisonnisme e Paul Gauguin, Galeria Nacional de Arte.
- Depois do Impressionismo, do Neoimpressionismo ao Fauvismo, Museu de Orsay.
- Vincent van Gogh, Museu Van Gogh.
- O Grupo dos Sete, Tom Thomson e os seus contemporâneos, Coleção de Arte Canadiana McMichael.
- Princípios Gestalt da organização, Tate: Descubra
- Arte e história celta
